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“Barge Haulers on the Volga” is a cult painting by the great Russian painter Ilya Efimovich Repin. The main canvas size is 62 cm by 97 cm and is exposed in the Tretyakov Gallery. The painting was created in the period 1870-1873, and drew international praise for his realistic portrayal of the hardships of working men. Art historians define the genre of this painting as naturalism with elements of critical realism.

One of Repin’s conflicts was his unwillingness to preach and express any moralizing with his works. He tried to follow the ideas of pure art having at the same time his civic position and unconditionally conveyed it in his works. The Barge Haulers on the Volga are devoid of moralizing and demonstrate human history, on the one hands, but also, as it were, push the stories of these people into the background, exposing the nerve of slave labor and class division.

Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

The idea for the painting came to Ilyia Repin back in 1869 when he saw barge haulers on the Neva and was stuck by their stern and exhausted appearance. These are ship workers which duties included everything related to the ship and cargo as loading and unloading goods, pulling a heavy ship from the shoals, closing up holes, bailing out water. Barge hauling was officially banned in 1929, and before the Russian revolution, barge haulers could still be found on small rivers and impassable sections of large rivers.

In May 1870, Ilya went to the Volga where he made close acquaintance with barge haulers and drew many sketches of figures and landscapes. In the same year, Ilya Repin made sketches of the composition representing two solutions, mainly differing in the direction of movement of the barge gang.

Barge haulers on the Neva. One of the first sketches

Summer 1872 Repin returned to the Volga in the village of Shiryaevo and rewrote the picture while retaining its composition.

It is often believed that Repin wrote his barge haulers as an illustration to a poem by Nikolai Alekseevitch Nekrasov, but the truth is that Repin did not know of this poem until 2 years after he finished his canvas and didn’t agree with it.

The main difference between Repin’s “Barge Haulers” and other paintings of barge haulers is that in other paintings they are represented as a dark mass, people with indistinguishable faces, similar to each other, like ants pulling a huge load into a anthill but in Repin’s “Barge Haulers” each burlak is a personality, an individual, not like anybody else.

In the 30th, a second rise in the popularity of “Barge haulers on the Volga” happened in the URSS. “Barge haulers on the Volga” became a true icon, a standard of pictorial writing and a cult object of social realism in the URSS. The illustration of “Barge haulers on the Volga” filled all the textbooks of the Soviet era, and were one of the main illustrations of the cruel oppression of the people by the criminal tsarist regime.

What can we see in “Barge haulers on the Volga” ?

There is eleven men, their number being decided according to the weight of the loaded vessel, at a rate of about 250 pounds per person. They are pulling a barge behind them can be seen as symbolizing the Russian Empire.

The barge haulers are compositionally combined into 3 clearly visible groups.

The first group consists of four figures with Kanin at the head, the second, also of four figures, among which the image of the young barge hauler Larka stands out and dominates, and, finally, the last group of three, less significant and expressive figures.

In the first group, we see how strong and masterfully everything is arranged. There is a compact unity, but with a great complexity of the outer contour, which gives it vitality. The heads are placed in such a way that each of them is clearly visible against a free background, and depicting the figures in a strong tilt, Repin raises their heads so that their faces are visible. Depicting the faces of the barge haulers of the first group frontally, I. Repin only makes the far right (Ilka Sailor) look directly at the audience. Kanin is looking somewhere in the distance, and the redhead’s gaze is turned to Kanin. This achieves freedom of expression. The main characters do not pose, but live their lives. Their appeal to the audience would have made them reasoners, which was especially dangerous in the positive image of the sage Kanin.

Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

The stall – the second most powerful image in the picture along with Kanin – visually represents the center of the entire figured part of the composition. To the right and to the left of it is an equal number of figures of barge haulers. The group with Larka is built on sharp contrasts of images. The youth of Larka, his impatience and irritation of youth are opposed, on the one hand, by the exhaustion of a consumptive, and on the other, by the phlegmatic calm of an experienced old man who knows how to adapt to any situation. Leaning against his neighbor’s shoulder, he calmly fills his pipe. The stall is the most captivating image in its lyricism and youthful charm. It is also highlighted in color. His pink youthful body, rags of a red falling shirt and trousers form a bright colorful spot among the dark figures of barge haulers.

Placed next to the Stall, the figure of a consumptive, with its strong inclination, connects the second group with the first and at the same time frees up the necessary space in front of the Stall.

The last figure in the third group, depicted frontally, with a lowered head, corresponds with the extreme figure of the first group, as if closing the entire mass of the gang. The result is a kind of rhythm of wave-like movement.

Who are the people of the artel?

The sketches were preserved where Repin indicated the names of some of the characters.

Rasstriga-Kanin, the bump of the artel is the first on the right side of the canvas. He used to sing in a church choir, but had been deprived of church dignity and “pulling the strap” for 10 years. In the artel of barge haulers he built a career. Thanks to his intelligence and perseverance, he became the leader of the team, the “bump”. He knows the coastline best of all, and sets the pace for the whole group. The barge haulers did each step synchronously with the right foot, then pulling up the left. From this the whole artel moved as one. If someone lost his stride, people collided with their shoulders, and the bump gave the command “hay – straw” (сено — солома), resuming movement in step. To keep the rhythm on the narrow paths over the cliffs, great skill was required from the foreman.

Rasstriga-Kanin, the bump of the artel - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — Rasstriga-Kanin, the bump of the artel – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

Next to him is a black-bearded giant, he is tanned and overgrown with curly hair. He is the “podshishelny”, the right hand of the brigadier and the strongest man in the whole artel. He is a Nizhny Novgorod fighter. In winter, he earns by participating in fisticuffs. And in spring-autumn “pulls the strap”. He is not more than 40 years old, and still has enough physical strength. He is put in the first team, as one of the strongest and most conscientious.

the "podshishelny", the right hand of the brigadier - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — the “podshishelny”, the right hand of the brigadier – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

A little behind Rasstriga-Kanin on his left is Ilka the sailor, who was something like an accountant, bought provisions and gave the barge haulers their salaries. He knows how to work hard, so he is also in the front row. But it is clear that he is a mean person. He alone pierces us with an unkind look. This one easily swears and sends you to hell.

Ilka the sailor - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — Ilka the sailor – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

“Bondage” is the second hack and walks behind the Stall. He is clearly lazy, he walks straight, not straining in his work and trying to shift part of his burden onto the shoulders of others. He managed to squander the salary for the entire trip and being indebted to the artel, worked for food. Yet, he still manages to smoke a pipe, He is the best dressed of all. His shirt is not rags, like those of his comrades. He is wearing a real hat, not a tied rag. Most likely, he is from the peasants who has a wife or mother at home whom take care of his clothes.

Bondage - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — Bondage – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

Behind Ilka the sailor is Larka, the cook and falcon headman (who is responsible for the cleanliness of the latrine on the ship) and the youngest member of the artel. The young village boy Larka is especially striking to us. Maybe his family sent him to earn extra money or he left home and is trying to feed himself. Obviously, this is almost the first time he pulls the strap. Considering his duties to be more than sufficient, Larka sometimes quarreled and defiantly refused to pull the strap. And now he looks at the barge hauler next to him, who is clearly groveling in the line. The lasy guy is even smoking a pipe

Larka, the cook and falcon headman - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — Larka, the cook and falcon headman – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

“Hackers” is simply a negligent one, who on occasion is not averse to sifting part of the burden onto the shoulders of others.

Hackers - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — Hackers – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

Behind him, the head of Kalmyk is visible. According to Repin, it was “a barge hauler with eyes as if cut through by sedge.” He also had a large, smart, intelligent forehead, showing that this is not a simpleton … He wore a shirt without belt, the ports have come off on bare black legs.

head of Kalmyk - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — head of Kalmyk – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

Behind him is a man of about 60 years old. He is emaciated, desperately wiping sweat from his forehead with his sleeve. Most likely, he is ill with consumption, and this might be his last burlach season.

a man of about 60 years old - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — a man of about 60 years old – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

In the last group we first see the overseer, he makes sure that others are not lazy and pull the strap along with everyone else. Contrary to the others he wears boots, and his clothes are newer.

overseer - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — overseer – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

The penultimate one, is a tall Greek who looks angrily at the barge, where the owner is shouting something to the barge haulers

a tall Greek who - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — a tall Greek who – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

“Inert” is the person with the most depressing appearance and comes last. It feels like he’s about to collapse. His hands are limply lowered. The head is so low on the chest that the face is not visible. Usually the last in the “team” were experienced, but weak or sick. They normally walked a little apart, in their own rhythm and looked at their feet. Since their function was to ensure that the string did not touch the stones. So his downcast posture and lagging behind the rest does not mean that he is ill.

Inert - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — Inert – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

Other details

The flag on sailing ship since the time of Peter the Great was hoisted on the stern flagpole (On warships, the state black-yellow-white flag, on merchant ships, the commercial white-blue-red flag). On the mast a weather vane was hung by which the sailors determined the direction and strength of the wind. Repin accustomed to the state military flag, confused that on the trade tricolor, the white strip should be at the top, and not the bottom, as usual. Only ten years later, in 1883, the white-blue-red tricolore became the national Russian flag. But it is also said that the order of the stripes on the flag was not treated too carefully, and it was sometimes raised upside down as in the painting.

the flag - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — the flag – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

It is interesting that Repin, who studied the life of barge haulers, quite correctly depicted how the tow line looked and the place of his fastening which is the very top of the mast. By attaching the rope to the top of the mast, barge haulers let the mast carry the bulk of the weight of the towline. With such an attachment, the force vector is the same as if the bark is under sail, that is, the pilot has the Opportunity to control the movement of the ship with the help of the rudder.

the tow line - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — the tow line – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

The pilot, is the man at the helm of the ship, and actually her captain. He earns more than the entire artel put together. He gives instructions to barge haulers and maneuvers both the rudder and the blocks that regulate the length of the tow line.

“The waterpipe”, water dispenser, is the carpenter who caulks and repairs the ships, monitors the safety of the goods, and bears financial responsibility for it during loadings and unloading. Under his contract, he does not have the right to leave the ship during the voyage and replaces the owner, managing on his behalf.

the pilot and waterpipe - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — the pilot and waterpipe – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

Since the 16th century, it was customary to decorate the Volga ships with intricate carvings since it was believed that they helped the ship to rise against the current and this ship was no exception and had beautiful carvings.

carvings - Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin — carvings – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin

When Dostoevsky saw “Barge Haulers on the Volga”, he was very glad that Ilya Repin did not put any social protest in it. Dostoevsky wrote in his diary that they were “Barge haulers, real barge haulers and nothing more,” and he added that “None of them shouts from the picture to the viewer: “Look how unhappy I am and to what extent you owe the people!”

The familiar figures of the barge haulers on the bank of the Volga are an eternal symbol of unlimited patience, hard work for the sake of survival, a strap that the working people had to pull all their lives and sad echoes of the past in the present.

You can find a beautiful sculpture of the painting of “Barge Haulers on the Volga” by Ilya Repin in Samara.

I hope you enjoyed this canvas as much as I did.

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Découvrez “Transporteurs de barges sur la Volga” par Ilya Repin

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“Transporteurs de barges sur la Volga” est un tableau culte du grand peintre russe Ilya Efimovich Repin. La taille de la toile principale est de 62 cm sur 97 cm et est exposée dans la galerie Tretiakov. Le tableau a été créé dans la période 1870-1873 et a suscité des éloges internationalles pour sa représentation réaliste des difficultés des travailleurs. Les historiens de l’art définissent le genre de cette peinture comme du naturalisme avec des éléments de réalisme critique.

L’un des conflits de Repin était sa réticence à prêcher et à exprimer toute moralisation avec ses œuvres. Il a essayé de suivre les idées de l’art pur en ayant à la fois sa position civique et l’a inconditionnellement véhiculée dans ses œuvres. Les Barge Haulers sur la Volga sont dépourvus de moralisation et démontrent l’histoire humaine, d’une part, mais aussi, pour ainsi dire, repoussent les histoires de ces personnes à l’arrière-plan, exposant le nerf du travail des esclaves et de la division de classe.

“Transporteurs de barges sur la Volga” par Ilya Repin

L’idée de la peinture est venue à Ilyia Repine en 1869 lorsqu’il a vu des transporteurs de barges sur la Neva et a été marqué par leur apparence sévère et épuisée. Ce sont des ouvriers du navire dont les tâches comprenaient tout ce qui concernait le navire et la cargaison, comme le chargement et le déchargement des marchandises, le retrait d’un navire lourd des hauts-fonds, la fermeture de trous, le renflouement de l’eau. Le transport de barge par les transporteurs a été officiellement interdit en 1929, et avant la révolution russe, on pouvait encore trouver des transporteurs par barge sur les petites rivières et les sections infranchissables des grands fleuves.

En mai 1870, Ilya se rendit sur la Volga où il fit la connaissance étroite des transporteurs de barges et dessina de nombreux croquis de personnages et de paysages. La même année, Ilya Repin a réalisé des croquis de la composition représentant deux solutions, différant principalement par le sens de déplacement du gang des barges.

Transporteurs de chalands sur la Neva.
Une des premières esquisses

Été 1872, Repin retourna sur la Volga dans le village de Shiryaevo près de Samara et réécrivit l’image tout en conservant sa composition.

On croit souvent que Repin a écrit ses transporteurs de barges comme illustration d’un poème de Nikolai Alekseevitch Nekrasov, mais la vérité est que Repin n’a eu connaissance de ce poème que 2 ans après avoir terminé sa toile et n’était pas d’accord avec le poème.

La principale différence entre les «transporteurs de barges» de Repin et d’autres peintures de transporteurs de barges est que dans d’autres peintures, ils sont représentés comme une masse sombre, des gens aux visages indiscernables, semblables les uns aux autres, comme des fourmis tirant une énorme charge dans une fourmilière mais dans Repin « transporteurs de barges » chaque burlak est une personnalité, un individu, pas comme les autres.

Dans les années 30, une deuxième augmentation de la popularité des “Transporteurs de barges sur la Volga” s’est produite en URSS. Les “Transporteurs de barges sur la Volga” sont devenus une véritable icône, un standard de l’écriture picturale et un objet culte du réalisme social en URSS. L’illustration des «transporteurs de barges sur la Volga» remplissait tous les manuels de l’ère soviétique et constituait l’une des principales illustrations de la cruelle oppression du peuple par le régime tsariste criminel.

Que voit-on dans « Transporteurs de barges sur la Volga » ?

Il y a onze hommes, leur nombre étant déterminé d’après le poids du navire chargé, à raison d’environ 250 livres par personne. Ils tirent une péniche derrière eux et peuvent être considérés comme symbolisant l’Empire russe.

Les transporteurs de barge sont combinés en composition en 3 groupes clairement visibles.

Le premier groupe est composé de quatre personnages avec Kanin en tête, le second, également de quatre personnages, parmi lesquels l’image du jeune transporteur de barges Larka se détache et domine, et, enfin, le dernier groupe de trois, avec des figures moins significatives et expressives.

Dans le premier groupe, on voit à quel point tout est fort et magistralement arrangé. Il y a une unité compacte, mais avec une grande complexité du contour extérieur, ce qui lui donne de la vitalité. Les têtes sont placées de manière à ce que chacune d’elles soit clairement visible sur un fond libre, et représentant les personnages dans une forte inclinaison, Repin lève la tête pour que leurs visages soient visibles. Représentant frontalement les visages des transporteurs de barges du premier groupe, I. Repin ne fait que regarder directement le public à l’extrême droite (Ilka Sailor). Kanin regarde quelque part au loin, et le regard du rouquin est tourné vers Kanin. Cela permet d’atteindre la liberté d’expression. Les personnages principaux ne posent pas, mais vivent leur vie. Leur attrait pour le public en aurait fait des raisonneurs, ce qui était particulièrement dangereux dans l’image positive du sage Kanin.

Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin

“La stalle” – la deuxième image la plus puissante de l’image avec Kanin – représente visuellement le centre de toute la partie figurée de la composition. À droite et à gauche de celui-ci se trouve un nombre égal de figures de transporteurs de barges. Le groupe avec Larka est construit sur de forts contrastes d’images. La jeunesse de Larka, son impatience et son irritation de jeunesse s’opposent, d’une part, à l’épuisement d’un phtisique, et d’autre part, au calme flegmatique d’un vieil homme expérimenté qui sait s’adapter à toutes les situations. Appuyé contre l’épaule de son voisin, il bourre calmement sa pipe. L’étal est l’image la plus captivante par son lyrisme et son charme juvénile. Il est également mis en évidence en couleur. Son corps rose juvénile, les chiffons d’une chemise et d’un pantalon rouges tombants forment une tache colorée et lumineuse parmi les silhouettes sombres des transporteurs de barges.

Placée à côté du “Stall”, la figure d’un phtisique, avec sa forte inclinaison, relie le second groupe au premier et libère en même temps l’espace nécessaire devant le “Stall”.

La dernière figure du troisième groupe, représentée de face, la tête baissée, correspond à la figure extrême du premier groupe, comme si elle fermait toute la masse du gang. Le résultat est une sorte de rythme de mouvement ondulatoire.

Qui sont les gens de l’artel ?

Les croquis ont été conservés où Repin a indiqué les noms de certains des personnages.

Rasstriga-Kanin, le “bump” de l’artel est le premier sur le côté droit de la toile. Il avait l’habitude de chanter dans une chorale d’église, mais a été privé de la dignité de l’église et “a tiré la sangle” pendant 10 ans. Dans l’artel des transporteurs de barges, il a construit une carrière. Grâce à son intelligence et à sa persévérance, il est devenu le leader de l’équipe, le “bump”. C’est lui qui connaît le mieux le littoral et donne le rythme à tout le groupe. Les transporteurs de barge ont fait chaque pas de manière synchrone avec le pied droit, puis en tirant vers le haut le gauche. A partir de là, tout l’artel s’est déplacé comme un seul. Si quelqu’un perdait sa foulée, les gens se heurtaient aux épaules et le “bump” donnait l’ordre «foin – paille» (сено — солома), reprenant le mouvement au pas. Pour garder le rythme sur les sentiers étroits au-dessus des falaises, une grande habileté était requise de la part du contremaître.

Rasstriga-Kanin, the bump of the artel – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin

À côté de lui se trouve un géant à barbe noire, il est bronzé et recouvert de cheveux bouclés. Il est le « podshishelny », le bras droit du brigadier et l’homme le plus fort de tout l’artel. C’est un combattant de Nizhny Novgorod. En hiver, il gagne en participant à des combats. Et au printemps-automne “tire la sangle”. Il n’a pas plus de 40 ans et a encore assez de force physique. Il est placé dans l’équipe première, comme l’un des plus forts et des plus consciencieux.

the “podshishelny”, the right hand of the brigadier – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin

Un peu derrière Rasstriga-Kanin, à sa gauche, se trouve Ilka le marin, qui était comme un comptable, achetait des vivres et donnait leurs salaires aux transporteurs de barges. Il sait travailler dur, donc il est aussi au premier rang. Mais il est clair que c’est une personne agressive. Lui seul nous transperce d’un regard méchant. Celui-ci jure facilement et vous envoie en enfer.

Ilka the sailor – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin

“Bondage” est le deuxième hack et marche derrière le Stall. Il est clairement paresseux, il marche droit, ne se fatigue pas dans son travail et essaie de déplacer une partie de son fardeau sur les épaules des autres. Il a réussi à dilapider le salaire pour tout le voyage et étant redevable à l’artel, maintenant il travaille pour se nourrir. Pourtant, il arrive toujours à fumer la pipe, c’est le mieux habillé de tous. Sa chemise n’est pas en guenilles, comme celles de ses camarades. Il porte un vrai chapeau, pas un chiffon noué. Très probablement, il fait partie des paysans qui ont une femme ou une mère à la maison qui s’occupe de ses vêtements.

Bondage – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin

Derrière Ilka le marin se trouve Larka, le chef cuisinier et faucon (qui est responsable de la propreté des latrines sur le navire) et le plus jeune membre de l’artel. Le jeune garçon du village Larka nous frappe particulièrement. Peut-être que sa famille l’a envoyé gagner de l’argent supplémentaire ou qu’il a quitté la maison et essaie de se nourrir. Évidemment, c’est presque la première fois qu’il tire sur la sangle. Considérant ses devoirs plus que suffisants, Larka se dispute parfois et refuse avec défi de tirer la sangle. Maintenant, Il regarde le transporteur de péniche à côté de lui, qui clairement ne se donne pas trop de mal dans la ligne. L’homme paresseux fume même une pipe.

Larka, the cook and falcon headman – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin

Les “hackers” sont simplement des négligents, qui parfois ne sont pas opposés à rejeter une partie du fardeau sur les épaules des autres.

Derrière lui, la tête de Kalmouk est visible. Selon Repin, c’était “un transporteur de péniches avec des yeux comme s’ils étaient traversés par des carex”. Il avait également un front large, ingénieux et intelligent; montrant que ce n’est pas un homme stupide… Il portait une chemise sans ceinture, les ports se sont décollés sur ses jambes noires nues.

Derrière lui se trouve un homme d’environ 60 ans. Il est émacié, essuyant désespérément la sueur de son front avec sa manche. Très probablement, il souffre de consommation, et ce pourrait être sa dernière saison de burlach.

Dans le dernier groupe, nous voyons d’abord le superviseur, il s’assure que les autres ne sont pas paresseux et tire la sangle avec tout le monde. Contrairement aux autres il porte des bottes, et ses vêtements sont plus neufs.

L’avant-dernier, est un grand Grec qui regarde avec colère la barge, où le propriétaire crie quelque chose aux transporteurs de barge.

“Inerte” est la personne avec l’apparence la plus déprimante et vient en dernier. On dirait qu’il est sur le point de s’effondrer. Ses mains sont mollement baissées. La tête est si basse sur la poitrine que le visage n’est pas visible.

Habituellement, les derniers membres de «l’équipe» étaient expérimentés, mais faibles ou malades. Ils marchaient normalement un peu à l’écart, à leur rythme et regardaient leurs pieds, puisque leur fonction était de s’assurer que la ficelle ne touchait pas les pierres. Ainsi, sa posture abattue et à la traîne ne signifie pas qu’il est malade.

Autres détails

Le drapeau sur les voiliers depuis l’époque de Pierre le Grand était hissé sur le mât de poupe (sur les navires de guerre, le drapeau d’État noir-jaune-blanc, sur les navires marchands, le drapeau commercial blanc-bleu-rouge). Au mât était accrochée une girouette par laquelle les marins déterminaient la direction et la force du vent. Repin, habitué au drapeau militaire de l’État, confond que sur le tricolore commercial, la bande blanche doit être en haut et non en bas, comme d’habitude. Seulement dix ans plus tard, en 1883, le drapeau tricolore blanc-bleu-rouge est devenu le drapeau national russe. Mais on dit aussi que l’ordre des rayures sur le drapeau n’était pas traité avec trop de soin, et qu’il était parfois soulevé à l’envers comme dans le tableau.

Il est intéressant de noter que Repin, qui a étudié la vie des transporteurs de barges, a décrit assez correctement à quoi ressemblait le câble de remorquage et l’endroit de sa fixation qui est tout en haut du mât. En attachant la corde au sommet du mât, les transporteurs de barges laissent le mât supporter l’essentiel du poids de la remorque. Avec une telle fixation, le vecteur de force est le même que si la barque était sous voile, c’est-à-dire que le pilote a la possibilité de contrôler le mouvement du navire à l’aide du gouvernail.

Le pilote est l’homme à la barre du navire, et en fait son capitaine. Il gagne plus que tout l’artel réuni. Il donne des instructions aux haleurs de barge et manœuvre à la fois le gouvernail et les poulies qui règlent la longueur de la ligne de remorquage.

“La pipe à eau”, distributeur d’eau, est le charpentier qui calfate et répare les navires, surveille la sécurité des marchandises et en assume la responsabilité financière lors des chargements et déchargements. Aux termes de son contrat, il n’a pas le droit de quitter le navire pendant le voyage et se substitue au propriétaire, gérant en son nom.

Depuis le XVIe siècle, il était de coutume de décorer la coque des bateaux de la Volga avec des sculptures complexes car on croyait qu’elles aidaient le navire à s’élever à contre-courant et ce navire ne faisait pas exception et avait de belles sculptures.

Lorsque Dostoïevski a vu «Transporteurs de barges sur la Volga», il était très heureux qu’Ilya Repine n’y ait mis aucune protestation sociale. Dostoïevski écrivit dans son journal qu’ils étaient «des transporteurs de péniches, de vrais transporteurs de péniches et rien de plus», et il ajouta que «aucun d’eux ne crie de l’image au spectateur:« Regardez comme je suis malheureux et dans quelle mesure vous devez au peuple !”

Les figures familières des transporteurs de barges sur la rive de la Volga sont un symbole éternel de patience illimitée, de travail acharné pour survivre, une sangle que les travailleurs ont dû tirer toute leur vie et de tristes échos du passé dans le présent.

Vous pouvez trouver une magnifique sculpture de la peinture de “Barge Haulers on the Volga” par Ilya Repin à Samara.

J’espère que vous avez apprécié cette toile autant que moi.

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The Last Day of Pompeii by Karl Bryullov

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The canvas “The Last Day of Pompeii” was created at the intersection of classicism and romanticism. The composition is in the spirit of classicism in the way that all the episodes are enclosed in a triangle, but however the picture is devoted to the real tragedy of the people and not to an idealized image, which makes it a work in the style of romanticism.

“The Last Day of Pompeii” is an oiled painting by Karl Bryullov and is a monumental canvas of 456.5 by 651 cm which took almost 6 years from the first sketches to the appearance of the final version in 1833. This canvas is considered one of the most significant works of the artist and is now in the State Russian Museum

The Last Day of Pompeii by Karl Bryullov

In the summer of 1827, Karl Bryullov visited the excavations of Pompeii where he got the idea to paint a large canvas dedicated to the death of Pompeii, and even received permission from the Neapolitan King to take measurement and make sketches of any architectural structures discovered during the excavations that interested him.

Before starting the work on the canvas, Karl Bryullov carefully studied historical documents related to the eruption of Vesuvius reading eyewitness accounts of the events making his painting as accurate as possible.

He chose the Street of the Tombs (Strada dei Sepolcri or Via dei Sepolcri) which he visited in 1827 as the scene of action, which show people trying to escape the eruption of Vesuvius. The sky is covered with dark clouds, buildings are collapsing and long and sharp lightning cuts through the darkness. The tragedy exposes their feelings and show the essence of humain souls. Drapery plays an important role in the canvas and demonstrates the painter’s good acquaintance with the masterpieces of ancien art.

In the center of the picture is a noble lady fallen off a chariot with a young child who did not yet understand the death of his mother. Most likely, the model was Countess Yulia Samoilova, who was Bryullov’s mistress for many years and whom he depicted in several more images. This woman symbolizes the death of the ancient world, and at the same time the child reaching out to his mother is perceived as the beginning of a new world which should arise on the ruins of the former without breaking living ties with the past.

The Last Day of Pompeii (part mother and baby) by Karl Bryullov

The chariot from which the woman fell is still visible and is being pulled away by distraught horses.

On the right is another horse rearing up symbolizing the insane element.

The Last Day of Pompeii (part horse rearing) by Karl Bryullov

We can also see a young man trying to persuade his exhausted mother to run away with him, while she is pushing him away which gives us a vivid impression of maternal sacrifice.

The Last Day of Pompeii (part mother and son) by Karl Bryullov

Two sons carry their old father forgetting about themselves and living only in fear for his life. And here is another family where the husband tried to cover his family. We can see that both parents watch the Vesuvius with horror

The Last Day of Pompeii (part sons carrying their father) by Karl Bryullov

Karl Bryullov depicted Pagan priest trying to take his wealth with him. The pagan priest trying to escape can be seen as a symbol of the departure of the old world and paganism. At the same time he painted a Christian clergyman bravely looking at the furious Vesuvius, who can be identified by the cross on his chest. It is clear that Bryullov opposes Christianity to paganism and is not in favor of the latter. We also see a mother who has taken refuge close to the priest while enclosing her daughters with her arms in a protective gesture.

The Last Day of Pompeii (part pagan priest) by Karl Bryullov

At the right edge of the canvas is a couple of newly wedded and one of the saddest scenes, showing that there are moment in life when grief turns out to be stronger than the fear of death.

The Last Day of Pompeii (part newly wedded) by Karl Bryullov

The author also depicted himself and his beloved among people who are trying to hide in the tomb. We can see the artist trying to save his most valuable things

The Last Day of Pompeii (part himself
) by Karl Bryullov

The buildings in his painting are collapsing depicting what really happens during an earthquake of 8 points

The Last Day of Pompeii (part building collapsing) by Karl Bryullov

In ‘The Last Day of Pompeii’, the artist gives us the opportunity to meet different people and to sympathize with them. This is the story of a disaster very well painted with phenomenal lighting.

I hope you enjoyed this painting.

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Le Dernier Jour de Pompéi de Karl Bryullov

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La toile “Le Dernier Jour de Pompéi” a été créée à l’intersection du classicisme et du romantisme. La composition est dans l’esprit du classicisme dans le sens où tous les épisodes sont enfermés dans un triangle, mais cependant le tableau est consacré à la tragédie réelle du peuple et non à une image idéalisée, ce qui en fait une œuvre à la manière de le romantisme.

“Le Dernier Jour de Pompéi” est une peinture à l’huile de Karl Bryullov et est une toile monumentale de 456,5 sur 651 cm qui a pris près de 6 ans depuis les premières esquisses jusqu’à l’apparition de la version finale en 1833. Cette toile est considérée comme l’une des œuvres les plus importantes de l’artiste et se trouve maintenant au Musée d’État russe.

À l’été 1827, Karl Bryullov visita les fouilles de Pompéi où il eut l’idée de peindre une grande toile dédiée à la mort de Pompéi, et reçut même la permission du roi Napolitain de prendre des mesures et de faire des croquis de toutes les structures architecturales découvertes au cours de les fouilles qui l’intéressaient.

Avant de commencer le travail sur la toile, Karl Bryullov a soigneusement étudié les documents historiques liés à l’éruption du Vésuve en lisant les témoignages oculaires des événements, rendant sa peinture aussi précise que possible.

Il a choisi la rue des tombes (Strada dei Sepolcri ou Via dei Sepolcri) qu’il a visitée en 1827 comme scène d’action, qui montre des gens essayant d’échapper à l’éruption du Vésuve. Le ciel est couvert de nuages sombres, les immeubles s’effondrent et de longs et vifs éclairs traversent l’obscurité. La tragédie expose leurs sentiments et montre l’essence des âmes humaines. La draperie joue un rôle important dans la toile et démontre la bonne connaissance du peintre avec les chefs-d’œuvre de l’art ancien.

Au centre de l’image se trouve une noble dame tombée d’un char avec un jeune enfant qui ne comprenait pas encore la mort de sa mère. Très probablement, le modèle était la comtesse Yulia Samoilova, qui a été la maîtresse de Bryullov pendant de nombreuses années et qu’il a représentée dans plusieurs autres images. Cette femme symbolise la mort du monde antique, et en même temps l’enfant tendant la main à sa mère est perçu comme le début d’un monde nouveau qui devrait surgir sur les ruines de l’ancien sans rompre les liens vivants avec le passé.

Le char d’où la femme est tombée est toujours visible et est tiré par des chevaux éperdus.

Sur la droite se trouve un autre cheval cabré symbolisant l’élément de folie.

On peut aussi voir un jeune homme tenter de persuader sa mère épuisée de s’enfuir avec lui, alors qu’elle le repousse ce qui nous donne une vive impression de sacrifice maternel.

Deux fils portent leur vieux père s’oubliant et ne vivant que dans la peur pour sa vie. Et voici une autre famille où le mari a essayé de couvrir sa famille. On voit que les deux parents regardent le Vésuve avec horreur

Karl Bryullov a représenté un prêtre païen essayant d’emporter sa richesse avec lui. Le prêtre païen essayant de s’échapper peut être considéré comme un symbole du départ de l’ancien monde et du paganisme. En même temps, il peint un ecclésiastique chrétien regardant courageusement le Vésuve furieux, reconnaissable à la croix sur sa poitrine. Il est clair que Bryullov oppose le christianisme au paganisme et n’est pas en faveur de ce dernier. On y voit aussi une mère qui s’est réfugiée près du prêtre tout en enserrant ses filles de ses bras dans un geste protecteur.

Sur le bord droit de la toile se trouve un couple de jeunes mariés et l’une des scènes les plus tristes, montrant qu’il y a des moments dans la vie où le chagrin s’avère plus fort que la peur de la mort.

L’auteur s’est également représenté lui-même et sa bien-aimée parmi les personnes qui tentent de se cacher dans la tombe. Nous pouvons voir l’artiste essayer de sauver ses choses les plus précieuses

Les bâtiments dans sa peinture s’effondrent illustrant ce qui se passe réellement lors d’un tremblement de terre de 8 points

Dans ‘Le Dernier Jour de Pompéi’, l’artiste nous donne l’occasion de sympathiser avec ces gens. C’est l’histoire d’une catastrophe très bien peinte avec un éclairage phénoménal.

J’espère que vous avez apprécié ce tableau.

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Composition VII of Wassily Vasilyevich Kandinsky

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Wassily Vasilyevich Kandinsky is the founder and theorist of abstract art, and one of the most influential artists of the 20th century. Even though he was not the first to paint a canvas of this kind, he was the first to give a theoretical justification to the new trend. In 1912, he wrote and published his seminal study On the Spiritual in Art, which became the theoretical basis of abstractionism.

Composition VII of Wassily Vasilyevich Kandinsky

Kandinsky was a synesthetic which means he heard colors and saw sounds and he was looking for an universal synthesis of music and painting. Through drawings he imitated the flow and depth of musical work and the coloring reflected the theme of deep contemplation.

“Composition VII” is called the pinnacle of his work. It is a huge canvas of 2 by 3 meters created in 1913. The process for writing Composition VII was very meticulously done and there were more than 30 sketches, watercolors and oils paintings of preparatory work. The raison of such an important preparative work was that the artist had set himself the task of combining several biblical themes in the final composition. These were “The Last Judgement”, “The Flood”, “The Resurrection from the Dead” and “The Garden of Eden”.

To understand Kandinsky is easy as he has already described everything with such fine explanations that there is a decoding of every spot, every point, and every turn of the line leaving you only to look at the canvas and feel.

And if you look at the picture from the position of Kandinsky’s attitude to form and color, you notice that the dominant colors of the canvas is red which is a symbol of strength, then blue which is the color of peace and white symbolizing eternity. There is also a yellow color which the author has always characterized as frivolous and rapidly scattered.

The color content is supported by a well-thought-out composition of the work which is a diagonally unfolding form, closed in the rectangular space of the canvas. The central motif was declared to be an oval shape by the artist, and is crossed by many irregular rectangles.

The idea of the human soul is displayed in the semantic center of the canvas as a circle marked with a purple spot and black lines and strokes next to it. It draws in itself, like a funnel, spewing out some rudiments of forms, spreading in countless metamorphoses

Art historians determined thanks to his notes and works that the VII composition is a combination of several themes (“The Resurrection from the Dead”, “Judgment Day”, “The Flood” and “The Garden of Eden”) expressed as a symbiosis of pure painting

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Sources: История одного шедевра: «Композиция VII» Кандинского

Композиция VII – Василий Васильевич Кандинский. 1913

Композиция VII

Composition VII de Wassily Vasilyevich Kandinsky

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Wassily Vasilyevich est le fondateur et théoricien de l’art abstrait, et l’un des artistes les plus influents du XXe siècle. Même s’il na pas été pas le premier à peindre une toile de ce genre, il a été le premier à donner une justification théorique à la nouvelle tendance. En 1912, il a rédigé et publié son étude phare Sur le spirituel dans l’Art, qui est devenu la base théorique de l’abstractionnisme.

Kandinsky était un synesthésique, c’est-à-dire qu’il entendait les couleurs et voyait les sons et il cherchait une synthèse universelle de la musique et de la peinture. À travers des dessins, il imitait le flux et la profondeur du travail musical et la coloration reflétait le thème de la contemplation profonde.

“Composition VII” est appelé le summum de son travail. C’est une immense toile de 2 mètres sur 3 créée en 1913. Le processus d’écriture de Composition VII a été très méticuleux et il y avait plus de 30 croquis, aquarelles et peintures à l’huile de travail préparatoire. La raison d’un tel travail préparatoire important était que l’artiste s’était donné pour tâche de combiner plusieurs thèmes bibliques dans la composition finale. Ce sont: “le Jugement Dernier”, “le Déluge”, “la Résurrection d’Entre les Morts” et “le Jardin d’Eden”.

Comprendre Kandinsky est facile car il a déjà tout décrit avec des explications si fines qu’il y a un décryptage de chaque endroit, de chaque point et de chaque tour de ligne ne vous laissant qu’à regarder la toile et à ressentir.

Et si vous regardez l’image du point de vue de l’attitude de Kandinsky envers les formes et les couleurs, vous remarquez que les couleurs dominantes de la toile sont le rouge qui est un symbole de force, puis le bleu qui est la couleur de la paix et le blanc symbolisant l’éternité. Il y a aussi une couleur jaune que l’auteur a toujours qualifiée de frivole et rapidement dispersée.

Le contenu chromatique est soutenu par une composition bien pensée de l’œuvre qui est une forme se déroulant en diagonale, fermée dans l’espace rectangulaire de la toile. Le motif central a été déclaré ovale par l’artiste et est traversé par de nombreux rectangles irréguliers.

L’idée de l’âme humaine est affichée au centre sémantique de la toile sous la forme d’un cercle marqué d’une tache violette et de lignes et de traits noirs à côté. Elle aspire en elle-même, comme un entonnoir, crachant quelques rudiments de formes, se répandant en d’innombrables métamorphoses

Les historiens de l’art ont déterminé grâce à ses notes et à ses travaux que la composition VII est une combinaison de plusieurs thèmes (“La Résurrection d’Entre les Morts”, “le Jugement Dernier”, “le Déluge” et “le Jardin d’Eden”) exprimés comme une symbiose de la peinture pure.

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История одного шедевра: «Композиция VII» Кандинского

Композиция VII – Василий Васильевич Кандинский. 1913

Композиция VII

Popkov in Priluki

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The painting of “Popkov in Priluki” was painted by Andrey Tutunov, after the tragic death of his friend the artist Popkov in 1974.

ПОПКОВ В ПРИЛУКАХ – 1974 “From the collection of the Tretyakov Gallery”.

The interior of the house is filled with peace and comfort of a village house which is represented by the warm honey color of the old boards reflecting the color of the objects in the room and only slightly contrasting with the cold light coming out of the windows. This painting is a reproduction of his own house with old wild boards on the walls, ceiling and floor. The windows have lace curtains, there is a table covered with a tablecloth with a bouquet of willow and wooden benches standing along the walls. The sleeping dog under the bench close to his owner is depicted with the same warm wood colors as the inside of the house.

But even the special harmony of close color cannot dispel the feeling of anxiety and doom coming from the lonely figure of Viktor Popkov standing by the window.

His regard is tense as if looking out for some kind of danger, his arm is hanging in a sling, his shoulder rounded and he is very thin which gives the image a poignant premonition of impending disaster

Sources: ПОПКОВ В ПРИЛУКАХ – 1974

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Popkov à Priluki

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Le tableau de “Popkov à Priluki” a été peint par Andrey Tutunov, après la mort tragique de son ami l’artiste Popkov en 1974.

ПОПКОВ В ПРИЛУКАХ – 1974 « De la collection de la Galerie Tretiakov ».

L’intérieur de la maison est rempli de paix et du confort d’une maison de village, qui est représenté par la couleur miel chaude des vieilles planches reflétant la couleur des objets de la pièce et, ne contrastant que légèrement avec la lumière froide sortant des fenêtres. Ce tableau est une reproduction de sa propre maison avec de vieilles planches sauvages sur les murs, le plafond et le sol. Les fenêtres ont des rideaux de dentelle, il y a une table recouverte d’une nappe avec un bouquet de saules et des bancs en bois placés le long des murs. Le chien endormi sous le banc près de son propriétaire est représenté avec les mêmes couleurs de bois chaudes que l’intérieur de la maison.

Mais même l’harmonie particulière des couleurs proches ne peut dissiper le sentiment d’anxiété et de malheur émanant de la silhouette solitaire de Viktor Popkov debout près de la fenêtre.

Son regard est tendu comme s’il guettait une sorte de danger, son bras est suspendu en écharpe, ses épaules sont arrondies et il est très maigre ce qui donne à l’image une poignante prémonition d’une catastrophe imminente

Sources: ПОПКОВ В ПРИЛУКАХ – 1974

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Histoire de la Galerie Nationale Tretiakov

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La Galerie nationale Tretiakov est un musée d’art de Moscou fondé en 1856 par Pavel Tretiakov. Il a été ouvert au public en 1867 et transféré à Moscou en 1892. En 2018, l’exposition comprenait plus de 180 000 objets, dont des peintures, des sculptures et des objets en métaux précieux créés du XIe au XXe siècle.

Après avoir créé la manufacture de lin de Kostroma, qui était une entreprise assez prospère, Pavel Mikhailovitch Tretyakov et son frère Sergei se sont intéressés à la collection de peintures.

Ainsi, la galerie a été fondée en 1856, avec l’acquisition de “La Tentation” de Nikolai Schilder et “Escarmouche avec des contrebandiers finlandais” de Vasily Khudyakov, de Pavel Tretyuakov. Il a dit:

Pour moi, qui aime vraiment et ardemment la peinture, il n’y a pas de meilleur désir que de créer un dépôt public et accessible des beaux-arts, faisant profiter au plus grand nombre, tout le plaisir. Je voudrais vous lqisser la galerie nationale, c’est-à-dire composée de peintures d’artistes russes

Son frère Sergei s’intéressait davantage aux toiles de maîtres d’Europe occidentale élargissant les expositions.

Esquisse de la façade de la Galerie dans le « style russe ».
VMVasnetsov

En 1867, la galerie municipale de Moscou de Pavel et Sergueï Tretiakov, qui contenait à l’époque 1276 peintures, 471 dessins, 10 sculptures d’artistes russes et 84 peintures de maîtres étrangers, a été ouverte au public.

En 1859, après que les frères aient acheté plus de 140 œuvres de la série de peintures et de croquis du Turkestan de Vasily Vereshchagin, ils ont manqué de places pour l’exposition. Un bâtiment de deux étages adjacent au mur sud du manoir et tourné vers l’église Saint-Nicolas de Tolmachi a été construit. Sa construction a été dirigée par l’architecte Alexander Kaminsky. En 1874, la collection y fut déplacée et la galerie ouverte au public.

À la fin des années 1880, le bâtiment de la galerie a été complété à plusieurs reprises en raison de la collection croissante qui occupait déjà 14 salles et dépassait constamment ses possibilités d’exposition.

Et en 1882, la zone d’exposition est à nouveau agrandie aux dépens du jardin entourant la maison. Trois nouvelles salles sont apparues en bas et à l’étage qui étaient situées à un angle par rapport à l’ancien bâtiment de la Galerie, parallèlement à Maly Tolmachecsky Lane.

Elle fut suivie en 1885 par l’apparition de trois salles au dernier étage et de cinq au bas.

En 1892, la quatrième extension a été achevée et deux grandes et une petites salles ont été ajoutées à l’étage supérieur, et trois petites en dessous. et, après la mort de son frère Sergei, Pavel a fait don à Moscou de la galerie, qui contenait à l’époque plus de 2000 œuvres de peinture, de sculpture et de graphisme.

Exposition de la Ville de la Galerie d’Art de PM et SM Tretiakov.
1898

En mai 1900, lors d’une réunion du Conseil de la galerie qui comprenait les artistes VM Vasnetov, VD Polenov et un certain nombre d’architectes moscovites, il fut décidé que la façade de la galerie devait être construite dans le «style russe». Les travaux sont confiés à VM Vasnetsov et la construction de la nouvelle façade qui devient l’emblème de la galerie Tretiakov débute en 1902 et s’achève en 1904.

Auteur: Viktor Mikhaïlovitch Vasnetsov –

En avril 1913, Emmanuilovitch Grabar, artiste, architecte et historien de l’art de premier plan, a été élu administrateur de la galerie Tretiakov. Ses réformes ont transformé la galerie Tretiakov en un musée de style européen avec une exposition construite sur une base chronologique et en décembre 1913, à l’occasion du quinzième anniversaire de la mort du fondateur de la galerie, le musée réformé a été ouvert au public.

Auteur : photographe phototype anonyme P. P. Pavlova – Album de bâtiments appartenant à l’administration publique de la ville de Moscou.

En juin 1918, la galerie Tretiakov a été déclarée propriété de l’État de la République fédérative soviétique de Russie et est devenue connue sous le nom de galerie nationale Tretiakov. Entre 1918 et 1922, la collection de la galerie a augmenté de près de 50% grâce aux nombreuses contributions du State Museum Fund. Mais l’inconvénient était que de nombreuses salles d’exposition étaient consacrées au stockage des peintures.

A.V. Shchusev est devenu le directeur de la galerie en 1926 et, a beaucoup fait pour agrandir les locaux existants et en construire un nouveau. Ainsi, en 1927, la Galerie a reçu l’ancienne maison de Sokolikov située sur Maly Tolomachevsky Lane. En 1928 après sa restructuration, il est transformé en bâtiment de service qui abrite l’administration de la Galerie ainsi qu’un département scientifique, une bibliothèque, un département des manuscrits et un fonds graphique. Il a été rattaché à la Galerie plus tard avec une extension spéciale.

En 1928, le chauffage et la ventilation sont reconstruits et en 1929 la galerie est enfin électrifiée. En effet avant cette date, la Galerie n’était ouverte aux visiteurs que le jour.

En 1929, le bâtiment de l’église Saint-Nicolas de Tolmachi ferma et il fut transféré à la galerie en 1932. Il devint un entrepôt de peintures jusqu’à ce qu’il soit relié aux salles d’exposition par un nouveau bâtiment de deux étages dont le dernier étage avait été spécialement conçu pour exposer le tableau de AA Ivanov “L’apparition du Christ au peuple”. Et un nouveau passage entre les salles a été créé pour assurer la continuité de la vue, ce qui a entraîné une augmentation de la surface d’exposition et un nouveau concept de placement des œuvres.

AA Ivanov “L’apparition du Christ au peuple”

En 1936, selon le projet de l’architecte A.V. Shchusev, un nouveau bâtiment à deux étages est apparu sur le côté nord du bâtiment principal. Il comprenait 4 salles spacieuses à chaque étage qui étaient utilisées pour des expositions et qui ont été incluses dans le parcours principal de l’exposition depuis 1940.

Dans la nuit du 11 au 12 août 1941, deux bombes explosives sont tombées sur le bâtiment à la suite d’un raid aérien allemand. Les bombes ont détruit le revêtement en verre à plusieurs endroits du toit et le plafond entre les étages du hall supérieur N 6 et du hall inférieur N 49 s’est effondré. Les planchers du garde-robe du sous-sol ont été brisés, l’entrée principale a été endommagée et le système de chauffage et de ventilation est tombé en panne.

Un deuxième bombardement dans la nuit du 12 au 13 1941 a détruit un immeuble résidentiel de deux étages à côté de la Galerie.

La restauration de la galerie a commencé en 1942 et en 1944 sur 52 salles, 40 avaient été rénovées.

En mai 1956, le 100e anniversaire de la galerie a été célébré et en 1955-1957, la salle A.A. Ivanov a été achevée.

Vers le milieu des années 1980, le besoin de se développer à nouveau se fait sentir en raison de l’augmentation du nombre de visiteurs.

En 1985, un dépôt a été mis en service après 2 ans de construction. Et en 1986, la reconstruction du bâtiment principal de la galerie Tretiakov a commencé sur la base de l’idée de préserver l’aspect historique du bâtiment.

En 1989, sur le côté sud du bâtiment principal, un nouveau bâtiment abritant une salle de conférence, un centre d’information et de calcul, un studio pour enfants et des salles d’exposition a été construit. Comme la plupart des systèmes et services d’ingénierie y étaient concentrés, on l’appelait le Corps of Engineers.

Par T1000978 – Travail personnel, CC BY-SA 3.0,

La reconstruction a duré de 1985 à 1995 et comprenait l’ensemble muséal de l’église Saint-Nicolas de Tomachi qui est un monument architectural du XVIIe siècle.

Auteur : Ludvig14 – Travail personnel, CC BY-SA 3.0,

Vous pouvez visiter cette superbe Galerie virtuellement :

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Sources: Здание в Лаврушинском переулке

Государственная Третьяковская галерея

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History Of the State Tretyakov Gallery

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The State Tretyakov Gallery is a Moscow art museum which was founded in 1856 by Pavel Tretyakov. It was opened to the public in 1867 and transferred to Moscow in 1892. As of 2018, the exposition consisted of more than 180 000 items, including paintings, sculptures and items made out of precious metals created from the 11th to the 20th century.

After having created the Kostroma Linen Manufactory, which was quite a successful business, Pavel Mikhailovitch Tretyakov and his brother Sergei became interested in collecting paintings.

So, the gallery was founded in 1856, with the acquisition of “The Temptation” by Nikolai Schilder and “Skirmish with Finnish Smugglers” by Vasily Khudyakov, by Pavel Tretyuakov. He said:

For me, who truly and ardently love painting, there can be no better desire than to start a public, accessible repository of fine arts, bringing benefit to many, all pleasure. I would like to leave you the national gallery, that is, consisting of paintings by Russian artists

His brother Sergei was more interested in canvases of Western European masters widening the exhibitions.

Sketch of the Gallery’s façade in the “Russian style”. V.M.Vasnetsov

In 1867 the Moscow City Gallery of Pavel and Sergei Tretyakov which at the time contained 1276 paintings, 471 drawings, 10 sculpture by Russian artists and 84 paintings by foreign masters was opened to the public.

In 1859, after that the brothers purchased more than 140 works from the Turkestan series of paintings and sketches by Vasily Vereshchagin they ran out of places for the exposition. A two-story building adjacent to southern wall of the mansion and turned toward the Church of St Nicholas in Tolmachi was build. Its construction was headed by the architect Alexander Kaminsky . In 1874 the collection was moved there and the gallery opened to the public.

By the end of the 1880s, the gallery building was repeatedly completed due to the growing collection which already occupied 14 rooms and constantly surpassed its exposition possibilities.

In 1882, the exposition area was expanded again at the expense of the garden surrounding the house. Three new halls appeared downstairs and upstairs which were located at an angle to the old building of the Gallery, parallel to Maly Tolmachecsky Lane.

It was followed in 1885 by the apparition of three halls on the top floor and five in the bottom.

In 1892 the fourth extension was completed and two large and one small halls were added on the upper floor, and three small ones below. and, after the death of his brother Sergei, Pavel donated the gallery, which at the time contained more than 2000 works of painting, sculpture and graphics, to Moscow.

*Exposition of the City Art Gallery of P. M. and S. M. Tretyakov. 1898*

In may 1900, at a meeting of the Council of the gallery which included the artists V. M. Vasnetov, V. D. Polenov and a number of Moscow architects it was decided that the facade of the gallery should be built in the “Russian Style”. The work was entrusted to V. M. Vasnetsov and the construction of the new façade which became the emblem of the Tretyakov Gallery began in 1902 and ended in 1904.

On April 1913 Emmanuilovitch Grabar who was a prominent artist, architect and art historian was elected as a trustee of the Tretyakov Gallery. His reforms turned the Tretyakov Gallery into a Europeean-style museum with exposition built on a chronological basis and in december 1913, on the fifteenth anniversary of the death of the founder of the gallery, the reformed museum was opened to the public.

Автор: анонимный фотограф фототипии П. П. Павлова – Альбом зданий, принадлежащих Московскому городскому общественному управлению. — Москва: Фототипия П. П. Павлова, 191-. — Т. 1., Общественное достояние,

On June 1918 the Tretyakov Gallery was declared a State property of the Russian Federative Soviet Republic and became known as the State Tretyakov Gallery. Between 1918 and 1922, the gallery collection increased by almost 50% thanks to the numerous contributions from the State Museum Fund. But the drawback was that many exhibition halls were given over to storage for paintings.

A. V. Shchusev became the director of the gallery in 1926 and did a lot to expand the existing premises and build a new one. So in 1927, the Gallery received the former house of Sokolikov situated on Maly Tolomachevsky Lane. In 1928 after its restructuring, it was turned into a service building which housed the administration of the Gallery as well as a scientific department, a library, a department of manuscripts, and graphics funds. It was attached to the Gallery later with a special extension .

In 1928, the heating and ventilation was rebuilt and in 1929 the Gallery was finally electrified. Effectively before that time, the Gallery had been opened to visitors only during the daytime.

In 1929 the building of the Church of St Nicholas in Tolmachi closed and it was transferred to the Gallery in 1932. It became a storehouse for paintings until it was connected to the exposition halls by a newly built two story of which the top floor had been specially designed to display A. A. Ivanov’s painting “The Appearance of Christ to the People”. And a new passage between the halls was created to ensure the continuity of the view which resulted in an increased area of exposition and a new concept for the placement of works.

A. A. Ivanov’s painting “The Appearance of Christ to the People”

In 1936, according to the project of the architect A.V. Shchusev, a new two story building appeared on the north side of the main building. It included 4 spacious halls on each floor which were used for exhibitions and have been included in the main exhibition route since 1940.

On the night of August 11-12, 1941 two high-explosive bombs fell on the building as a result of a German air raid. The bombs destroyed the glass covering in several places of the roof and the interfloor ceiling of the upper hall N 6 and the lower one N 49 collapsed. The floors in the basement wardrobe were smashed, the main entrance was damaged and the heating and ventilation system failed.

A second bombing in the night of 12-13, 1941 destroyed a two story residential building next to the Gallery.

The restauration of the Gallery began in 1942 and by 1944 out of 52 halls, 40 had been renovated.

In May 1956, the 100th anniversary of the Gallery was celebrated and in 1955-1957, the A.A. Ivanov Hall was completed.

By the mid 1980 the need to expand again was felt because of the increased number of visitors.

In 1985 a depository was out in operation after 2 years of construction. And in 1986 the reconstruction of the main building of the Tretyakov Gallery began based on he idea of preserving the historical appearance of the building.

In 1989, on the south side of the main building a new building housing a conference hall, an information and computing center, a children’s studio and exhibition halls was built. Since most of the engineering systems and services were concentrated there it was called the Corps of Engineers.

The reconstruction lasted from 1985 to 1995 and included the museum ensemble of the church of St. Nicholas in Tomachi which is an architectural monument of the 17th century.

Автор: Ludvig14 – Собственная работа, CC BY-SA 3.0,

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Sources: Здание в Лаврушинском переулке

Государственная Третьяковская галерея

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