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Cette semaine, j’ai ajouté plus de livres d’Alexandre Pouchkine en anglais sur notre page Littérature Russe ainsi que “Mymy” en russe d’Ivan Sergueïevitch Tourgueniev. J’ai également changé la plupart des images de présentation et continué les livres bilingues (pas encore disponibles).
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“Trinity” which is also called “Hospitality of Abraham” is an icon of the Holy Trinity, painted by Andrei Rublev in the 15th century. It is one of the most famous Russian icons, and also the most famous of his works. It is one of two (together with frescoes in Vladimir ) surviving works, which, according to scientists , authentically belong to him. It is now in one of the halls of the Tretyakov Gallery.
Andrei Rublev, whose “Trinity” is perceived by many as the very proof of the existence of God, was canonized by the Russian Orthodox Church in 1988. Posthumously, he became the first canonized artist.
The famous icon “Trinity” by Andrei Rublev left the Tretyakov Gallery for the first time since 1917 and was transported to the Trinity-Sergius Lavra for two days on July 17, 2022.
Today, on July 19, 2022, “The Holy Trinity icon of St. Andrei Rublev has returned to the State Tretyakov Gallery and is now being studied by restorers. The museum added that: “There are no visible signs of deterioration in the condition of this most important work of ancient Russian art”. And after a detailed and comprehensive examination of the icon, a decision will be made on the timing of the return of the “Trinity” to the gallery’s exposition.
Andrei Rublev was born in the late 60s of the XIV century in the small town of Radonezh, not far from the Trinity-Sergius Lavra. Historians think that in his youth Andrei was a novice of this monastery, and then he took the rank of a monk. In 1380 during the Battle of Kulikovoin , Rublev was already a member of the princely artel of craftsmen, who moved from city to city and was engaged in the construction and decoration of churches. Like any medieval master, he did not sign his works, and his name was rarely mentioned in the annals. Nevertheless, careful research by historians of ancient Russian art suggests that he was a monk of the Trinity-Sergius Monastery, for the Trinity Cathedral of which he painted his masterpiece
There are 2 opinions on the issue of dating the icon. It could have been painted for the wooden church of the Trinity Monastery, built by hegumen Nikon after the invasion of Edigey. In this case Scholars date the icon to 1412. But others determine the 20s. 15th century linking its origin with the stone cathedral of the monastery, founded in 1422. It is possible that Hegumen Nikon, who became the abbot of the Trinity-Sergius Monastery after Sergius of Radonezh didn’t like that the newly erected white-stone Trinity Cathedral was not decorated with paintings. Anticipating his imminent death and wishing to complete the decoration of the cathedral during his lifetime, Nikon called for work Andrei Rublev and Daniil Cherny.
They were famous painters, “fair grandees, superior to all and perfect in virtue.” Their work consisted not only in painting the temple with frescoes, they also had to paint a large number of icons for a high multi-tiered iconostasis. During his lifetime, Hegumen Nikon wanted not only to see the temple decorated, but he also wanted to have an icon painted, which was to become the main monument “in praise of Sergius of Radonezh”
This board of the icon painter quickly became a model for all subsequent creators of images of the Holy Trinity and by 1551, the Stoglavy Cathedral announced that all future images must comply with it. In 1575, Tsar Ivan the Terrible ordered to decorate it with a gold salary, which is also called a golden riza. A salary is an overhead decoration fixed on top of an icon painting, covering the entire icon board on top of the paint layer, except for a few significant elements. It closes the pictorial image, leaving open faces, arms and legs. Subsequently, the salaries were also changed by other kings, and the icon itself was updated in accordance with the ideas of the artists of those times.
The restoration of the original appearance of the work was taken up only by 1904. Here we can see the Icon in 1904 with the salary just removed. The original painting is hidden under a layer of writing from the late 19th century.
And a photo of “Trinity” after the completion of clearing Guryanov. 1904.
“Airy”, transparent colors, in which our contemporary often sees a special author’s intention, creating the color and atmosphere of Rublev’s “Trinity”, making the figures of angels thin and incorporeal are a consequence of restorations and renovations.
On the instructions of the Commission for the Protection of Monuments of Art and Antiquities of the Trinity-Sergius Lavra, they returned to the restoration of the Trinity in 1918. At that time the icon was already significantly damaged and needed special storage, however, it was transferred to the collection of the Tretyakov Gallery only in 1929. During the war, in 1941, the Trinity was evacuated to Novosibirsk, and returned from the evacuation in October 1944.
Each year the Icon is transferred to the church on the feast of the Trinity, but in 2007 the Icon was taken to the building on Krymsky Val because it had been damaged during transportation and needed additional reinforcement.
Now the icon is stored in a special icon case and its condition is stable, but there are irreversible damages.
The Holy Trinity of Rublev is written according to a biblical story from the Old Testament, according to which three pilgrim angels came to Abraham with the good news: he will have a son who will become the progenitor of the entire Jewish people. But there are also many important references to all the key biblical points. The picture embodies a lot, while remaining quite simple.
The form that most clearly expresses the idea of the consubstantiality of the three hypostases of the Holy Trinity, in the Rublev icon, is the circle which is the basis of the composition.
On the Icon we see three angels gathered around the table, on which the sacrificial bowl stands, for a quiet, unhurried conversation.
Three angels are the embodiment of the one God. This is indicated by a number of important symbols. First, they are dressed in azure robes which symbolizes their unearthly essence. The prototype of the Father is an angel sitting in the middle. This is indicated by his regal purple robes decorated with clavius (vertical stripes from the shoulder to the bottom edge). The middle angel is determined not only by its central position, but also by its monumentality. The turn of the head and the bend of the right hand of the central angel express the imperious and powerful motor principle, which is the initial and decisive moment of the composition. But since each of the wanderers has scepters of power, one can speak of a trinity.
God the Son is symbolized here by the angel sitting on the right. His head is lowered most humbly, and his hand is closest to the bowl. if we recall the biblical phrase “And a branch will come from the root of Jesse, and a branch will grow from its root”, then it immediately becomes clear that the right angel personifies God the Son. Also according to Ulyanov, “… the right angel’s himation is girded from right to left. And according to Russian custom, on a dead man, clothes were fastened not on the right side, as in life, but on the left side, like on a woman.”
The third angel, located on the left, becomes the personification of the Holy Spirit.
The combination of blue and red is inherent only in the clothes of the middle and left angels symbolizing the dogma about the procession of the grace of the Holy Spirit, The contours and folds of their robes are fragile and weightless, the harmony of blue, cornflower blue, pale green, golden yellow colors is pure, behind their backs are wings, in their hands are thin staffs, and around their heads are luminous halos.
The image contains more than the divine wanderers. In the background, a church or an entrance to the house of Abraham is visible, and the silhouette of a tree which could be the tree of knowledge from the garden of Eden, and at the same time it could be the oak under which Abraham rested.
Looking more closely, you will be able to see a mountain, located in the upper right corner, that becomes a symbol of Golgotha, to which Jesus ascended with his cross. An ancient symbol of everything sublime, in the Bible, “mountain” is the image of “rapture of the spirit”, therefore the most significant events take place on it.
The icon “Trinity” by Andrei Rublev is inscribed in a circular composition. Italian artists of those times also inscribed groups of angelic entities in a circular composition for greater symbolism. But Rublev’s composition is strikingly different from the classical one. The circle is imperceptible at first sight, and looking at this work of art in more detail, it can be noted that everything here is inscribed in a circular structure, symbolizing the trinity, as well as eternity, infinity.
Even the heads of the angels are bowed, allowing the overall silhouette to organically form a single circle. It has long symbolized eternity, the vicious circle of human existence, from the birth of the world to the end, which becomes a new beginning. In the context of the three angels, it is also interpreted as a symbol of the trinity of the Christian God.
Many researchers draw attention to the fact that the “Trinity” was created during the period of confrontation between the Russian princes and the Tatar-Mongol yoke and pointed to the need for unity. Peace, harmony, and love, this is what Andrei Rublev called his contemporaries to. It was a call to unite all Russian people – a call based on a deep philosophical awareness of the structure of the world, the moral cohesion of people.
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La « Trinité » , également appelée « Hospitalité d’Abraham » , est une icône de la Sainte Trinité, peinte par Andrei Rublev au XVe siècle. C’est l’une des icônes russes les plus célèbres, et aussi la plus célèbre de ses œuvres. C’est l’une des deux œuvres survivantes (avec les fresques de Vladimir) qui, selon les scientifiques, lui appartiennent authentiquement. Elle est maintenant dans l’une des salles de la galerie Tretiakov.
Andrei Rublev, dont la « Trinité » est perçue par beaucoup comme la preuve même de l’existence de Dieu, a été canonisé par l’Église orthodoxe russe en 1988. À titre posthume, il est devenu le premier artiste canonisé.
La célèbre icône “Trinity” d’Andrei Rublev a quitté la galerie Tretiakov pour la première fois depuis 1917 et a été transportée dans la laure Trinity-Sergius pour deux jours le 17 juillet 2022.
Aujourd’hui, le 19 juillet 2022, “L’icône de la Sainte Trinité de Saint Andrei Rublev est revenue à la Galerie nationale Tretiakov et est actuellement étudiée par les restaurateurs. Le musée a ajouté que: “Il n’y a aucun signe visible de détérioration de l’état de cette œuvre la plus importante de l’art russe ancien”. Et après un examen détaillé et complet de l’icône, une décision sera prise sur le moment du retour de la «Trinité» dans l’exposition de la galerie.
Andrei Rublev est né à la fin des années 60 du XIVe siècle dans la petite ville de Radonezh, non loin de la Trinity-Sergius Lavra. Les historiens pensent que dans sa jeunesse Andrei était un novice de ce monastère, puis il a pris le rang de moine. En 1380, lors de la bataille de Kulikovoin, Rublev était déjà membre de l’artel princier des artisans, qui se déplaçait de ville en ville et s’occupait de la construction et de la décoration des églises. Comme tout maître médiéval, il ne signait pas ses œuvres, et son nom était rarement mentionné dans les annales. Néanmoins, des recherches minutieuses menées par des historiens de l’art russe ancien suggèrent qu’il était un moine du monastère de la Trinité-Sergius, pour la cathédrale de la Trinité dont il a peint son chef-d’œuvre.
Il y a 2 opinions sur la question de la datation de l’icône. Elle aurait pu être peinte pour l’église en bois du monastère de la Trinité, construite par l’higoumène Nikon après l’invasion d’Edigey. Dans ce cas, les érudits datent l’icône à 1412. Mais d’autres déterminent les années 20 du 15ème siècle reliant son origine à la cathédrale en pierre du monastère, fondée en 1422. Il est possible que l’hégumène Nikon, qui devint l’abbé du monastère de la Trinité-Sergius après Sergius de Radonezh, n’ait pas aimé que la Trinité en pierre blanche nouvellement érigée ne soit pas décorée de peintures. Anticipant sa mort imminente et souhaitant achever de son vivant la décoration de la cathédrale, Nikon fait appel à Andrei Rublev et Daniil Cherny.
C’étaient des peintres célèbres, « beaux grands, supérieurs à tous et parfaits en vertu ». Leur travail consistait non seulement à peindre le temple avec des fresques, ils devaient également peindre un grand nombre d’icônes pour une iconostase à plusieurs niveaux. De son vivant, Hegumen Nikon voulait non seulement voir le temple décoré, mais il voulait aussi faire peindre une icône, qui devait devenir le monument principal “à la louange de Sergius de Radonezh”
Cette planche du peintre d’icônes devint rapidement un modèle pour tous les créateurs ultérieurs d’images de la Sainte Trinité et en 1551, la cathédrale Stoglavy annonça que toutes les images futures devaient s’y conformer. En 1575, le tsar Ivan le Terrible ordonna de le décorer d’un salaire en or, également appelé riza en or. Un salaire est une décoration suspendue fixée au-dessus d’une peinture d’icônes, couvrant l’ensemble du panneau d’icônes au-dessus de la couche de peinture, à l’exception de quelques éléments significatifs. Il ferme l’image picturale, laissant ouverts les visages, les bras et les jambes. Par la suite, les salaires ont également été modifiés par d’autres rois et l’icône elle-même a été mise à jour conformément aux idées des artistes de l’époque.
La restauration de l’aspect original de l’œuvre n’a été entreprise qu’en 1904. Ici, nous pouvons voir l’icône en 1904 avec le salaire juste supprimé. La peinture originale est cachée sous une couche de peinture de la fin du XIXe siècle.
Et une photo de “Trinity” après l’achèvement du nettoyage de Guryanov. 1904.
Les couleurs «aérées», transparentes, dans lesquelles nos contemporains voient souvent l’intention d’un auteur particulier, créant la couleur et l’atmosphère de la «Trinité» de Rublev, rendant les figures d’anges minces et incorporelles sont une conséquence des restaurations et des rénovations.
Sur les instructions de la Commission pour la protection des monuments d’art et des antiquités de la laure Trinité-Sergius, ils sont revenus à la restauration de la Trinité en 1918. A cette époque, l’icône était déjà considérablement endommagée et nécessitait un stockage spécial, cependant, elle n’a été transféré à la collection de la galerie Tretiakov qu’en 1929. Pendant la guerre, en 1941, la Trinité a été évacuée à Novossibirsk et est revenue de l’évacuation en octobre 1944.
Chaque année, l’icône est transférée à l’église lors de la fête de la Trinité, mais en 2007, l’icône a été transportée au bâtiment de Krymsky Val car elle avait été endommagée pendant le transport et avait besoin de renforts supplémentaires.
Maintenant, l’icône est stockée dans un boîtier d’icône spécial et son état est stable, mais il y a des dommages irréversibles.
La Sainte Trinité de Rublev est écrite selon une histoire biblique de l’Ancien Testament, selon laquelle trois anges pèlerins sont venus à Abraham avec la bonne nouvelle : il aura un fils qui deviendra l’ancêtre de tout le peuple juif. Mais il y a aussi de nombreuses références importantes à tous les points clés de la Bible. L’Icon incarne beaucoup, tout en restant assez simple.
La forme qui exprime le plus clairement l’idée de la consubstantialité des trois hypostases de la Sainte Trinité, dans l’icône Rublev, est le cercle qui est à la base de la composition.
Sur l’Icône, nous voyons trois anges réunis autour de la table, sur laquelle se dresse le bol sacrificiel, pour une conversation calme et sans hâte.
Trois anges sont l’incarnation du Dieu unique. Ceci est indiqué par un certain nombre de symboles importants. Tout d’abord, ils sont vêtus de robes d’azur qui symbolisent leur essence surnaturelle. Le prototype du Père est un ange assis au milieu. Ceci est indiqué par ses robes violettes royales décorées de clavius (rayures verticales de l’épaule au bord inférieur). L’ange du milieu est déterminé non seulement par sa position centrale, mais aussi par sa monumentalité. Le tour de tête et la courbure de la main droite de l’ange central expriment le principe moteur impérieux et puissant, qui est le moment initial et décisif de la composition. Mais puisque chacun des anges possède des sceptres de pouvoir, on peut parler d’une trinité.
Dieu le Fils est symbolisé ici par l’ange assis à droite. Sa tête est baissée très humblement et sa main est la plus proche du bol. Si nous nous souvenons de la phrase biblique “Et une branche sortira de la racine de Jessé, et une branche poussera de sa racine”, alors il devient immédiatement clair que l’ange droit personnifie Dieu le Fils. Aussi selon Oulianov, « … l’himation de l’ange droit est ceint de droite à gauche. Et selon la coutume russe, sur un homme mort, les vêtements n’étaient pas attachés du côté droit, comme dans la vie, mais du côté gauche, comme sur une femme.
Le troisième ange, situé à gauche, devient la personnification du Saint-Esprit.
La combinaison du bleu et du rouge n’est inhérente qu’aux vêtements des anges du milieu et de gauche symbolisant le dogme de la procession de la grâce du Saint-Esprit. Les contours et les plis de leurs robes sont fragiles et légers, l’harmonie des couleurs bleu, bleu bleuet, vert pâle, jaune doré est pure, derrière leur dos se trouvent des ailes, dans leurs mains de fins bâtons et autour de leur tête des auréoles lumineuses.
L’image contient plus que les anges divins. En arrière-plan, une église ou une entrée de la maison d’Abraham est visible, et la silhouette d’un arbre qui pourrait être l’arbre de la connaissance du jardin d’Eden, et en même temps ce pourrait être le chêne sous lequel Abraham s’est reposé .
En regardant de plus près, vous pourrez voir une montagne, située dans le coin supérieur droit, qui devient un symbole du Golgotha, vers lequel Jésus est monté avec sa croix. Ancien symbole de tout ce qui est sublime, dans la Bible, la «montagne» est l’image du «ravissement de l’esprit», c’est pourquoi les événements les plus significatifs s’y déroulent.
L’icône “Trinity” d’Andrei Rublev est inscrite dans une composition circulaire. Les artistes italiens de cette époque ont également inscrit des groupes d’entités angéliques dans une composition circulaire pour un plus grand symbolisme. Mais la composition de Rublev est remarquablement différente de la composition classique. Le cercle est imperceptible à première vue, et en regardant cette œuvre d’art plus en détail, on peut constater que tout ici s’inscrit dans une structure circulaire, symbolisant la trinité, ainsi que l’éternité, l’infini.
Même les têtes des anges sont inclinées, permettant à la silhouette globale de former organiquement un seul cercle. Il a longtemps symbolisé l’éternité, le cercle vicieux de l’existence humaine, de la naissance du monde à la fin, qui devient un nouveau commencement. Dans le contexte des trois anges, il est également interprété comme un symbole de la trinité du Dieu chrétien.
De nombreux chercheurs attirent l’attention sur le fait que la «Trinité» a été créée pendant la période de confrontation entre les princes russes et le joug tatar-mongol et ont souligné le besoin d’unité. Paix, harmonie et amour, voilà ce à quoi Andrei Rublev appelait ses contemporains. C’était un appel à unir tout le peuple russe, un appel basé sur une profonde conscience philosophique de la structure du monde, de la cohésion morale des peuples.
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This week I added more books of Dostoevsky in English and French on our Russian Literature page and “The Tasman to the rescue“, an Antarctic Mystery by Jules Verne in English. I also continued the bilingual books (not available yet), wrote the articles…
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Cette semaine, j’ai ajouté plus de livres de Dostoïevski en anglais et en français sur notre page Littérature russe et « Le Tasman à la rescousse », un mystère antarctique de Jules Verne en anglais. J’ai aussi continué les livres bilingues (pas encore disponibles), écrit les articles…
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The painting “Girl with Peaches” («Девочка с персиками») is a recognized masterpiece of the Russian artist Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) (Серов Валентин Александрович). It was painted in 1887 and is an oil on canvas measuring 91 x 85 cm, now located in the State Tretyakov Gallery in Moscow. This is one of the first and most significant works in the direction of Russian impressionism for which it paved the way. This picture combines several genres: there is a landscape , a still life , and a portrait .
Valentin Serov first went to the Abramtsevo estate in 1875 with his mother, and growing up continued to often visit the estate.
Serov wrote “Girl with Peaches” when he was not yet 22 years old. Valentin Aleksandrovich sought to create not just a portrait, but a living picture that reflected a moment in life. He was inspired by the beauty and spontaneity of Verusha, and invited the 11-year-old Vera Mamontova to pose after seeing her running into the house, taking a peach, and sitting down at the table. Vera posed for Serov every day for almost two months.
The expressiveness of the picture is given by bright details, a play of highlights and a young image of the heroine of the portrait. The artist placed the girl in an atmosphere of a carefree sunny day, ripe peaches and a cozy dining room. The peculiarity of this portrait was that Serov added to it elements of a still life (fruits on the table, a knife, leaves) and a landscape (a garden outside the window). This technique allowed to expand the general meaning of the picture.
In the center of the composition is Mamontov’s daughter Verochka. She is sitting at a large table covered with a white tablecloth, and there are several chairs with high backs nearby. The objects in the room indicate that the girl lives in a wealthy family, and many chairs in the dining room are reminiscent of a large family.
The girl is dressed in a light pink loose blouse with a turn-down collar and a puffy bow. This bow tells about the romantic and bright character of the girl. There is no feeling that she was preparing to pose. The artist deliberately left her hair the way they were, sticking out in unruly curls. She certainly frolicked in the garden and wants to run to play again. It seems hard for her to sit still. There is a blush on her cheeks, making her look like the peaches that lying on the table. The happy look of the girl says that she lives among people who love her.
She holds a peach in her hands, which look very tanned. We can say that the girl spent the summer outdoors outside the city. Three more fruits and a silver carving knife lie on the table nearby. The peaches are beautifully combined with yellow leaves which talks about the time of fruit ripening. It can be seen that the objects were not laid out on purpose, but the moment was chosen spontaneously. The peaches have their own history. They were raised in a greenhouse by a gardener specially hired by the owner of the estate. These fruits indicate the prosperity of the owners of the estate and a penchant for the exotic.
The girl is surrounded by various objects. We see the backs of the chairs around the dining table. Behind the girl is a figure of a grenadier, reminiscent of the children in the house.
There is a painted plate on the wall. The plate is drawn as a tribute to Savva Mamontov, who was fond of pottery arts.
Another detail that reflects an outstanding intuitive impressionist in Serov is as if a random edge to the composition. The door on the girl’s right, a half of a chair cut by the frame give the image a look of reality, spontaneous and relaxed. The art historian Mark Copshitzer noted, ” a chair, part of which is captured on canvas, has its continuation beyond the space of the painting, it marks the beginning of the whole world which did not appear on the painting, with its chairs and tables, and other peaches, and the other girls”.
Outside the window, the garden begins to turn yellow. Summer is coming to an end. Maple leaves, in turn, are depicted because the artist began work on the canvas in the height of summer, and finished only in September. In addition, maple autumn leaves create a special contrast in comparison with ripe peaches, reminiscent of the transience of everything and the need to enjoy the sun, as well as everything that happens around.
Serov achieved a fantastic effect of lightness and freshness by placing the light source behind the model. Shining through the leaves, the sun’s rays reflecting off the tablecloths and the girl’s blouse, it adds pink and gold to the space around the subject. Warm, delicate colors, soft reflected light, a lot of air were unusual for Russian painting of those years.
The main difference from the canvases of other portrait painters is the fullness of light. The main character sits in front of the window and is well lit, sun glare on all objects, on hair and clothes. Light dissolves the contours of objects, this brings the work closer to the canvases of the French Impressionists.
The statement of the author himself about the idea of the picture has been preserved. He wrote that he wanted to achieve a special freshness in his painting. The girl was supposed to look in the picture the same as on that summer day. The bright image of Vera coincided with how the artist imagined beauty. The author dreamed of conveying on canvas the joy of life that surrounds the girl and lives in her.
The artist succeeded superbly. Together with him we admire the carefree world of childhood. These moments are especially valuable because they pass quickly. The transience of time is reminiscent of autumn leaves in the foreground of the picture and the coming autumn outside the window. You can feel the philosophical message in the picture. The artist shows the transience of time. Summer changes very quickly, and youth also passes quickly.
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Le tableau “Fille aux Pêches” (“Девочка с персиками”) est un chef-d’œuvre reconnu de l’artiste russe Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) (Серов Валентин Александрович). Il a été peint en 1887 et est une peinture à l’huile sur toile mesurant 91 x 85 cm, maintenant situé dans la Galerie nationale Tretiakov à Moscou. C’est l’une des premières et des plus importantes œuvres dans la direction de l’impressionnisme russe auquel elle a ouvert la voie. Ce tableau mêle plusieurs genres : il y a un paysage, une nature morte, et un portrait.
Valentin Serov est allé pour la première fois au domaine d’Abramtsevo en 1875 avec sa mère et, en grandissant, il a continué à visiter souvent le domaine.
Serov a peint “La Fille aux Pêches” alors qu’il n’avait pas encore 22 ans. Valentin Aleksandrovich a cherché à créer non seulement un portrait, mais une image vivante qui reflètait un moment de la vie. Il a été inspiré par la beauté et la spontanéité de Verusha et a invité Vera Mamontova, 11 ans, à poser après l’avoir vue courir dans la maison, prendre une pêche et s’asseoir à table. Vera a posé pour Serov tous les jours pendant près de deux mois.
L’expressivité de l’image est donnée par des détails lumineux, un jeu de reflets et la jeune image de l’héroïne du portrait. L’artiste a placé la jeune fille dans une atmosphère de journée ensoleillée insouciante, avec des pêches mûres et dans une salle à manger confortable. La particularité de ce portrait était que Serov y a ajouté des éléments de nature morte (des fruits sur la table, un couteau, des feuilles) et, un paysage (un jardin à l’extérieur de la fenêtre). Cette technique a permis d’élargir le sens général de l’image.
Au centre de la composition se trouve la fille de Mamontov, Verochka. Elle est assise à une grande table recouverte d’une nappe blanche, et il y a plusieurs chaises à haut dossier à proximité. Les objets dans la pièce indiquent que la jeune fille vit dans une famille aisée, et de nombreuses chaises dans la salle à manger rappellent une famille nombreuse.
La fille est vêtue d’un chemisier ample rose clair avec un col rabattu et un nœud bouffant. Ce nœud bouffant raconte le caractère romantique et lumineux de la fille. Il n’y a aucun sentiment qu’elle se préparait à poser. L’artiste a délibérément laissé ses cheveux tels qu’ils étaient, formant des boucles indisciplinées. Elle a certainement gambadé dans le jardin et veut courir pour rejouer. Il semble difficile pour elle de rester assise. Il y a une rougeur sur ses joues, la faisant ressembler aux pêches qui se trouvent sur la table. Le regard heureux de la jeune fille dit qu’elle vit parmi des gens qui l’aiment.
Elle tient une pêche dans ses mains, qui ont l’air très bronzées. On peut dire que la jeune fille a passé l’été à l’extérieur de la ville. Trois autres fruits et un couteau à découper en argent reposent sur la table à proximité. Les pêches sont magnifiquement combinées avec des feuilles jaunes qui parlent du moment de la maturation des fruits. On voit que les objets n’ont pas été disposés exprès, mais le moment a été choisi spontanément. Les pêches ont leur propre histoire. Elles ont été élevés dans une serre par un jardinier spécialement engagé par le propriétaire du domaine. Ces fruits témoignent de la prospérité des propriétaires du domaine et d’un penchant pour l’exotisme.
La jeune fille est entourée de divers objets. On voit les dossiers des chaises autour de la table à manger. Derrière la fille se trouve une figure de grenadier, rappelant les enfants de la maison.
Il y a une assiette peinte sur le mur. L’assiette est dessinée en hommage à Savva Mamontov, qui aimait les arts de la poterie.
Un autre détail qui reflète un impressionniste intuitif exceptionnel chez Serov est le bord aléatoire de la composition. La porte à droite de la jeune fille, une moitié de chaise coupée par le cadre donnent à l’image un aspect de réalité, spontané et détendu. L’historien de l’art Mark Copshitzer a noté : « une chaise, dont une partie est capturée sur toile, a sa continuation au-delà de l’espace du tableau, elle marque le début du monde entier qui n’apparaissait pas sur la toile, avec ses chaises et ses tables, et d’autres pêches, et les autres filles ».
Derrière la fenêtre, le jardin commence à jaunir. L’été touche à sa fin. Les feuilles d’érable, à leur tour, sont représentées parce que l’artiste a commencé à travailler sur la toile au plus fort de l’été et n’a terminé qu’en septembre. De plus, les feuilles d’érable d’automne créent un contraste particulier par rapport aux pêches mûres, rappelant la fugacité de tout et la nécessité de profiter du soleil, ainsi que de tout ce qui se passe autour.
Serov a obtenu un fantastique effet de légèreté et de fraîcheur en plaçant la source lumineuse derrière le modèle. Brillant à travers les feuilles, les rayons du soleil se reflétant sur la nappe et le chemisier de la fille, il ajoute du rose et de l’or à l’espace autour du sujet. Des couleurs chaudes et délicates, une douce lumière réfléchie, beaucoup d’air étaient inhabituels pour la peinture russe de ces années.
La principale différence avec les toiles des autres portraitistes est la plénitude de la lumière. Le personnage principal est assis devant la fenêtre et est bien éclairé, les reflets du soleil sur tous les objets, sur les cheveux et les vêtements. La lumière dissout les contours des objets, ce qui rapproche l’œuvre des toiles des impressionnistes français.
La déclaration de l’auteur lui-même sur l’idée de l’image a été conservée. Il a écrit qu’il voulait obtenir une fraîcheur particulière dans sa peinture. La fille était censée avoir l’air sur la peinture de la même manière que ce jour d’été. L’image lumineuse de Vera coïncidait avec la façon dont l’artiste imaginait la beauté. L’auteur rêvait de transmettre sur toile la joie de vivre qui entourait et habitait la jeune fille.
L’artiste a superbement réussi. Avec lui, nous admirons le monde insouciant de l’enfance. Ces moments sont particulièrement précieux car ils passent vite. La fugacité du temps est rappelée par les feuilles d’automne au premier plan de l’image et par l’automne qui vient à l’extérieur de la fenêtre. Vous pouvez sentir le message philosophique dans l’image. L’artiste montre la fugacité du temps. L’été change très vite et la jeunesse passe aussi vite.
J’espère que vous avez apprécié ce tableau autant que moi.
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A musical slide show of the photos I took during a little walk I had in Strasbourg. I followed the trams tracks from Elsau to the “Parc de l’Etoile” . The map is under the video if you want more details.
I hope you enjoyed the photos.
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Un diaporama musical des photos que j’ai prises lors d’une petite balade à Strasbourg. J’ai suivi les voies des trams d’Elsau jusqu’au « Parc de l’Etoile ». La carte est sous la vidéo si vous voulez plus de détails.
J’espère que vous avez apprécié les photos.
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This week I added more books of Dostoevsky in English as well as a few books from George Orwell, and “War and Peace” by Tolstoy, in Russian. You can find them on our English Literature page or on our Russian Literature page.
I hope you’ll find something to enjoy
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