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Découvrez « Nuit au clair de lune sur le Dniepr » d’Arkhip Kuindzhi

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« Nuit au clair de lune sur le Dniepr » (Лунная ночь на Днепре) est considérée comme l’œuvre la plus célèbre d’Arkhip Kuindzhi (Архип Куинджи). C’est un paysage représentant une large rivière par une nuit d’été au clair de lune. Il s’agit d’une huile sur toile de 105X146 cm peinte en 1880 et conservée au Musée d’État Russe de Saint-Pétersbourg.

Dans « Nuit au clair de lune sur le Dniepr », l’espace de l’image “est organisé par un flux de lumière pénétrant dans les profondeurs de l’image”. ce qui était caractéristique du romantisme et pouvait être considéré comme une rupture avec les principes du classicisme et du réalisme .

"Moonlight Night on the Dnieper" by Arkhip Kuindzhi

“Nuit au clair de lune sur le Dniepr” d’Arkhip Kuindzhi

Alors qu’il travaillait sur le tableau « Nuit au clair de lune sur le Dniepr », Kuindzhi a invité des amis et des connaissances dans son atelier afin de tester la force de l’influence de la toile sur eux.

Ivan Turgenev a été l’un des premiers à voir le nouveau tableau de Kuindzhi et, selon Yakov Polonsky, il était ravi. Le poète Yakov Polonsky lui-même a écrit: «Dans un cadre doré ou à travers une fenêtre ouverte, nous avons vu ce mois-ci, ces nuages, cette distance sombre, ces« lumières tremblantes de villages tristes »et ces jeux de lumière, ce mois de reflet argenté dans les jets du Dniepr, enveloppant le lointain, cette nuit poétique, calme, majestueuse »

En octobre-novembre 1880, pour la première fois dans l’histoire de l’art russe, un seul tableau a été présenté à l’exposition. Ce tableau était “Nuit au clair de lune sur le Dniepr” qui a été exposé dans une pièce semi-obscure, dont les fenêtres étaient drapées, dans le bâtiment de la Société pour l’encouragement des artistes à Saint-Pétersbourg. Beaucoup de gens faisaient la queue pour voir la toile souvent plus d’une fois.

En regardant la peinture, les gens ne comprenaient pas pourquoi une telle lumière inhabituelle provenait de l’image. Il semblait impossible d’obtenir un tel effet uniquement avec de la peinture à l’huile. Certains ont même essayé de regarder derrière l’image pour voir s’il y avait une lampe. De nombreuses rumeurs circulaient et l’artiste était soupçonné d’utiliser des peintures nacrées insolites importées du Japon ou de Chine, et a même été accusé d’avoir des liens avec des esprits maléfiques. Le battage médiatique a atteint un tel degré que l’artiste a décidé de s’isoler pendant 20 ans. Le secret était simple. Kuindzhi était un expérimentateur passionné et mélangeait non seulement des peintures, mais il y ajoutait également des éléments chimiques.

À la fin de 1880, une fois l’exposition terminée, le grand-duc Konstantin Konstantinovich, qui a acheté « Nuit au clair de lune sur le Dniepr », est parti en voyage en mer, emportant avec lui le tableau. Kuindzhi était catégoriquement contre, craignant pour la sécurité de la peinture dans des conditions de forte humidité et d’évaporation d’eau de mer. Les deux pourraient avoir un effet négatif sur la couleur des peintures. Malheureusement ses craintes se sont confirmées et la toile a été sérieusement endommagée pendant le voyage. Konstantin Konstantinovich a demandé à Kuindzhi de restaurer la toile, et l’artiste a accepté mais il n’a pas été possible de restaurer complètement l’image. Dans une large mesure, cela était dû au fait que lors de la création de la toile, des peintures contenant du bitume , qui s’assombrissaient sous l’influence de la lumière vive et de l’air marin, ont été utilisées.

"Moonlight Night on the Dnieper" (dark) by Arkhip Kuindzhi

“Nuit au clair de lune sur le Dniepr” (assombri) par Arkhip Kuindzhi

Arkhip Kuindzhi a répété et varié à plusieurs reprises la toile «Nuit au clair de lune sur le Dniepr». Une répétition à grande échelle de la peinture, appelée “Nuit sur le Dniepr”, est conservée à la galerie nationale Tretiakov et d’autres répétitions de la toile sont conservées au musée d’art de Simferopol, à la galerie d’art d’Astrakhan, au musée national d’art de Biélorussie, et la galerie d’art de Kiev.

La Galerie nationale Tretyakov possède également une version réduite non datée du tableau “Nuit sur le Dniepr”, et au Musée d’Etat russe il existe une autre version sous le même nom qui est un papier sur toile, huile, 40 × 54 cm reçu en 1930 de la Société nommée d’après AI Kuindzhi.

Description de la peinture

"Moonlight Night on the Dnieper" (part - moon) by Arkhip Kuindzhi

“Nuit au clair de lune sur le Dniepr” (partie – lune) par Arkhip Kuindzhi

Le tableau représente une nuit d’été dans laquelle l’artiste a choisi une perspective de loin et d’en haut, laissant la majeure partie de la toile pour un ciel nuageux. L’obscurité du ciel se répand sur la surface de la terre, créant une impression d’infini. Dans l’interstice formé entre les nuages brille la pleine lune dont la lumière fluctue sur les eaux sombres du Dniepr. La rivière coule calmement entre les berges et se confond avec le ciel sombre.

Grâce au clair de lune, des cabanes basses aux fenêtres scintillantes, des sentiers menant à la rivière, ainsi que la silhouette d’un moulin à vent sont visibles sur la rive proche de la rivière.

"Moonlight Night on the Dnieper" (part - river) by Arkhip Kuindzhi

“Nuit au clair de lune sur le Dniepr” (partie – rivière) par Arkhip Kuindzhi

Il est presque impossible de trouver les mêmes nuances dans la couleur noire qui a été utilisée pour écrire le ciel et la plaine. Lorsque vous décrivez une plaine qui s’étend sur la rive opposée, à mesure que vous vous éloignez de la rivière, la couleur noire devient de plus en plus profonde, se confondant presque à l’horizon avec le ton du ciel nocturne.

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Discover “Moonlight Night on the Dnieper” by Arkhip Kuindzhi

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“Moonlight Night on the Dnieper” (Лунная ночь на Днепре) is considered Arkhip Kuindzhi’s (Архип Куинджи) most famous work. It is a landscape depicting a wide river on a summer moonlight night. It is an oil on canvas of 105X146 cm painted in 1880 and stored in the State Russian Museum in St. Petersburg.

In “Moonlight Night on the Dnieper” the space of the picture “is organized by a stream of light streaming into the depths of the picture.” which was characteristic of romanticism , and it could be seen as a departure from the principles of classicism and realism .

“Moonlight Night on the Dnieper” by Arkhip Kuindzhi

While working on the painting “Moonlight Night on the Dnieper”, Kuindzhi invited friends and acquaintances to his workshop in order to test the strength of the canvas’s influence on them.

Ivan Turgenev was one of the first to see Kuindzhi’s new painting, and, according to Yakov Polonsky, he was delighted. The poet Yakov Polonsky himself wrote: “In a golden frame or through an open window we saw this month, these clouds, this dark distance, these“ trembling lights of sad villages ”and these play of light, this silvery reflection month in the jets of the Dnieper, enveloping the distance, this poetic, quiet, majestic night”

In October-November 1880 for the first time in the history of Russian art a single painting was shown at the exhibition. This painting was “Moonlight Night on the Dnieper” which was was exhibited in a semi-dark room, the windows of which were draped, in the building of the Society for the Encouragement of Artists in St. Petersburg. Many people lined up to see the canvas often more than once.

When watching the painting people did not understand why such an unusual light came from the picture. It seemed impossible to achieve such an effect just with oil paint. Some even tried to look behind the picture to see if there was a lamp. There were many rumors and the artist was suspected of using some unusual mother-of-pearl paints brought from Japan or China, and even accused of having links with evil spirits. The hype rose to such an extend that the artist decided to go into seclusion for 20 years. The secret was simple. Kuindzhi was a passionate experimenter, and mixed not only paints, but he also added chemical elements to them.

At the end of 1880, after the exhibition was completed, Grand Duke Konstantin Konstantinovich who bought “Moonlit Night on the Dnieper” went on a sea voyage, taking with him the painting. Kuindzhi was categorically against it, fearing for its safety in conditions of high humidity and sea water evaporation. Both could have a negative effect on the color of the paints. Sadly his fears were confirmed and the canvas was seriously damaged during the journey. Konstantin Konstantinovich asked Kuindzhi to restore the canvas, and the artist agreed but it was not possible to completely restore the picture. To a large extent, this was due to the fact that when creating the canvas, paints were used that contained bitumen , which darkened under the influence of bright light and sea air

“Moonlight Night on the Dnieper” (dark) by Arkhip Kuindzhi

Arkhip Kuindzhi repeatedly repeated and varied the canvas “Moonlight Night on the Dnieper”. A full-scale repetition of the painting, called “Night on the Dnieper”, is stored in the State Tretyakov Gallery and other repetitions of the canvas are kept in the Simferopol Art Museum, the Astrakhan Art Gallery, the National Art Museum of Belarus, and the Kiev Art Gallery.

The State Tretyakov Gallery also has an undated reduced version of the painting “Night on the Dnieper”, and in the State Russian Museum there is another version under the same name which is a paper on canvas, oil, 40 × 54 cm received in 1930 from the Society named after A. I. Kuindzhi.

Description of the painting

“Moonlight Night on the Dnieper” (part – moon) by Arkhip Kuindzhi

The painting depicts a summer night in which the artist chose a perspective from a distance and from above, leaving most of the canvas for a cloudy sky. The darkness of the sky, spreads over the earth’s surface, creating the impression of infinity. In the gap formed between the clouds, the full moon shines , the light of which fluctuates on the dark waters of the Dnieper. The river flows calmly among the banks and merges with the dark sky.

Thanks to the moonlight, low huts with twinkling windows, paths leading to the river, as well as the silhouette of a windmill are visible on the near bank of the river.

“Moonlight Night on the Dnieper” (part – river) by Arkhip Kuindzhi

It is almost impossible to find the same shades in the black color that was used when writing the sky and the plain. When depicting a plain that stretches on the far bank, as you move away from the river, the black color becomes deeper and deeper, almost merging at the very horizon with the tone of the night sky.

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Découvrez le célèbre tableau “Les freux sont arrivées” d’Alexey Savrasov

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“Les freux sont arrivées” est considéré comme l’œuvre la plus célèbre de Savrassov. Dans ce tableau, l’artiste russe a montré un exemple d’une nouvelle vision du monde, très réaliste et supérieure aux classiques. “Les freux sont arrivées” a ouvert la voie au style lyrique dans la peinture russe et a marqué une nouvelle étape dans le développement de la peinture de paysage russe. Les connaisseurs de la peinture ont tellement aimé le tableau que l’artiste a dû répéter le tableau plusieurs fois.

“Les freux sont arrivées” (Грачи прилетели) est une huile sur toile de 62X48,5 cm peinte par Alexei Savrasov (Алексей Саврасов) en 1871. C’est un paysage réaliste qui se trouve maintenant à la Galerie nationale Tretiakov.

L’image représente un jour de printemps, couvert, mais d’après les premiers messagers du printemps que sont les freux, le printemps se fait déjà sentir et n’est pas loin. Les premiers oiseaux du printemps s’affairent sur trois bouleaux noueux : les jeunes couples construisent de nouveaux nids, les vieux renouvellent ceux de l’an dernier.

"The Rooks Have Arrived" by Alexey Savrasov

Alexei Savrasov, a commencé à écrire le futur chef-d’œuvre en mars 1871 dans le village de Molvitino (maintenant rebaptisé Susanino) où il n’a fait que des esquisses, finalisant la partie principale dans son atelier de Moscou.

Près de la moitié de la toile est occupée par le ciel. Des cumulus l’arpentent, les couleurs du ciel passent du gris blanchâtre au bleu pâle, une couleur très printanière. Il donne à l’image une légèreté extraordinaire.

Le soleil illumine de mille feux des troncs de bouleaux, une palissade en bois, les toits des cases du village, et le clocher en croupe de l’église de la Résurrection. Un autre signe que malgré l’abondance de nuances grises et bleutées, Savrasov a représenté une journée ensoleillée sont les ombres fines des troncs d’arbres sur la neige.

"The Rooks Have Arrived" part birches and birds by Alexey Savrasov

Au premier plan de l’image se trouvent plusieurs bouleaux tordus, encore nus. Leurs fines branches sont dirigées vers le haut, vers le soleil. De nombreuses corbeau freux font leur nid, volent de branche en branche, s’affairent. C’est l’arrivée de ces freux qui est un symbole du printemps à venir. Ils sont connus pour être des oiseaux migrateurs. Ils quittent leurs nids à l’automne, mais retournent dans ces terres chaudes au printemps. On peut aussi voir les traces d’oiseaux sur la neige. Il y a un saule caché derrière les bouleaux nus qui sert aussi de métaphore à la résurrection : avec ses branches, analogue des rameaux de palmier dans un climat froid, le dimanche des Rameaux était traditionnellement célébré en Rus’.

Au pied des bouleaux, il y a des taches sombres et dégelées dans la neige, et on peut déjà voir de petites flaques d’eau, signe qu’il fait plus chaud dehors. Pour rendre la couleur de la neige, l’artiste utilise diverses nuances de blanc, bleuté, gris. Au loin, au soleil, la croûte glacée semble même légèrement dorée.

Le ciel bleu-gris se reflète dans l’étang, qui s’est déjà débarrassé de la glace. Des arbres nus y sont également visibles. Savrasov a ajouté un peu de couleur vert pâle dans la zone où un buisson de genévrier est visible dans l’eau.

"The Rooks Have Arrived" part church by Alexey Savrasov

Il y a une église rurale avec un clocher en croupe visible derrière les bouleaux nous rappelant la résurrection du Christ. Les murs du temple et le clocher hexagonal sont blancs, du plâtre écaillé est visible ici et là. L’architecture de l’église suggère que nous avons devant nous un ancien bâtiment qui se dresse dans le village depuis des centaines d’années. C’est l’église orthodoxe de la résurrection du Christ dans le village de Molvitino (aujourd’hui Susanino). L’église a été construite à la fin du 17ème siècle et s’y trouve toujours aujourd’hui.

"The Rooks Have Arrived" part fields by Alexey Savrasov

Derrière l’église, des champs sans fin s’ouvrent avec de la neige qui n’a pas encore complètement fondu.

En bas à gauche l’artiste a signé son tableau.

"The Rooks Have Arrived" signature by Alexey Savrasov

Pour améliorer le son spatial de l’image, Savrasov a légèrement perturbé la perspective. Le premier plan de l’image est représenté de telle manière que l’artiste semble être proche du sol. Mais sous cet angle, l’horizon devrait être assez bas, alors que sur la photo il est représenté approximativement au milieu de la toile, au niveau des coupoles des églises. Cela a été fait par l’artiste afin de mieux montrer les distances à plat, qui jouent un rôle sémantique et figuratif important dans l’image.

Dans cette peinture, l’artiste a représenté de la manière la plus précise et la plus crédible le paysage russe, l’âme russe et leur nature.

En 1997, lors de la célébration du 100e anniversaire de la mort du grand artiste, la Banque centrale de Russie a émis une pièce commémorative en argent avec un portrait d’Alexei Savrasov représenté dessus et un fragment de son célèbre tableau “Les freux sont arrivées”.

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Discover the famous painting “The Rooks Have Arrived” by Alexey Savrasov

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“The Rooks Have Arrived” is considered Savrasov’s most famous work. In this painting the Russian artist showed an example of a new vision of the world, very realistic and superior to the classics. “The Rooks Have Arrived” opened the way for the lyrical style in Russian painting, and marked a new milestone in the development of Russian landscape painting”. Connoisseurs of painting liked the painting so much that the artist had to repeat the painting several times.

“The Rooks Have Arrived” (Грачи прилетели) is an oil on canvas of 62X48.5 cm painted by Alexei Savrasov (Алексей Саврасов) in 1871. It is a realistic landscape which is now in the State Tretyakov Gallery.

The picture depicts a spring day, overcast, but according to the first messengers of spring which are the rooks, the spring is already felt and is not far away. The first spring birds fuss on three gnarled birch trees: Young couples build new nests, old birds renew last year’s ones.

Alexei Savrasov, began to write the future masterpiece in March 1871 in the village of Molvitino (now renamed Susanino) where he made only sketches, finalizing the main part in his Moscow workshop.

Almost half of the canvas is occupied by the sky. Cumulus clouds roam it, the colors of the sky change from whitish-gray to pale blue, a very spring color. It gives the picture an extraordinary lightness.

The sun brightly illuminates birch trunks, a wooden fence, the roofs of village huts, and the hipped bell tower of the Resurrection Church. Another sign that, despite the abundance of gray and bluish shades, Savrasov depicted a sunny day are the thin shadows from tree trunks on the snow.

In the foreground of the picture are several twisted, still bare birches. Their thin branches are directed upwards, towards the sun. There are many black rooks making their nests, flying from branch to branch, busying themselves. It is the arrival of these rooks that is a symbol of the coming spring. They are known to be migratory birds. They leave their nests in autumn, but return to these warm lands again in spring. We can also see the traces of birds on the snow. There is a willow hidden behind the bare birches which also serves as a metaphor for the resurrection: with its branches, an analogue of palm branches in a cold climate, Palm Sunday was traditionally celebrated in Rus’.

At the foot of the birches there are dark, thawed patches in the snow, and small puddles can already be seen, which is a sign that it is getting warmer outside. To convey the color of snow, the artist uses various shades of white, bluish, gray. In the distance, in the sun, the icy crust seems even light golden.

Blue-gray sky is reflected in the pond, which has already got rid of the ice. Bare trees are also visible in it. Savrasov added a little pale green color in the area where a juniper bush is visible in the water. .

There is an inconspicuous rural church with a hipped bell tower visible behind the birches reminding us of the resurrection of Christ. . The walls of the temple and the hexagonal bell tower are white, peeling plaster is visible here and there. The architecture of the church suggests that we have before us an ancient building that has stood in the village for hundreds of years. It is the Orthodox Church of the Resurrection of Christ in the village of Molvitino (now Susanino). The church was built at the end of the 17th century and still stands there now.

Behind the church, endless fields open up with snow that has not completely melted yet.

On the bottom left the artist signed his painting.

To enhance the spatial sound of the image, Savrasov slightly disturbed the perspective. The foreground of the picture is depicted in such a way that the artist seems to be close to the ground. But from this angle , the horizon would have to be quite low, while in the picture it is depicted approximately in the middle of the canvas, at the level of church domes. This was done by the artist in order to better show the flat distances, which play an important semantic and figurative role in the picture.

In this painting, the artist most accurately and believably depicted the Russian landscape, the Russian soul, and their nature.

In 1997, when the 100th anniversary of the death of the great artist was celebrated, the Central Bank of Russia issued a commemorative silver coin with a portrait of Alexei Savrasov depicted on it and a fragment of his famous painting “The Rooks Have Arrived”.

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Découvrez le tableau « Calme » de Nikolai Nikanorovich Dubovskoy

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Le tableau « Calme » (Притихло), appelé « paysages d’humeur » est l’une des œuvres les plus célèbres et les plus significatives de Nikolai Dubovskoy (Николай Дубовской). Il s’agit d’un paysage qui est une huile sur toile de 76,5 X 128 cm achevé en 1890 et appartenant aujourd’hui au Musée d’État russe de Saint-Pétersbourg. La peinture a été exposée pour la première fois à la 18ème exposition de l’Association de l’Exposition d’Art Itinérante avec un grand succès. L’empereur Alexandre III l’a immédiatement acheté, et Nikolaï Dubovskoy a dû en faire une répétition pour Pavel Tretiakov qui voulait également l’acheter. La répétition de 86 X143 cm se trouve à la Galerie d’État Tretiakov à Moscou.

Nikolai Dubovskoy - Quiet - 1890 — Nikolai Dubovskoy – Quiet – 1890

Lors de la peinture du tableau «Calme», l’artiste a utilisé un croquis peint sur la côte baltique. Dans l’une de ses lettres, Nikolai Dubovskoy a écrit: « Le motif de la création de cette image était ce sentiment excitant qui a pris possession de moi à plusieurs reprises en observant la nature à un moment de silence avant un gros orage ou dans les intervalles entre deux orages, quand il est difficile de respirer, quand vous sentez votre insignifiance à l’approche des éléments. Cet état de nature – le silence avant un orage – peut être exprimé en un mot, «Calme». C’est le titre de mon tableau. »

Il y a plusieurs autres répétitions de l’auteur de la peinture. L’une de 1896, se trouve au musée d’art de Poltava. Une autre, datée de 1913-1915, appartient au musée d’art régional de Samara.

Il y a aussi une répétition d’auteur non datée qui se trouve au Musée régional des beaux-arts de Rostov, ainsi qu’au Musée national d’art de Biélorussie. Il y a une répétition intitulée « Un nuage approche » de 1912 qui se trouve au Musée Novocherkassk de l’histoire des Cosaques du Don.

La collection Musée-Réserve historique, artistique et architectural de Vladimir-Souzdal comprend également une répétition de l’huile sur toile de 69 × 112 cm des années 1890, et dans la galerie d’art régionale de Vologda, il y a une répétition de « Calme. Un nuage arrive », daté de 1912.

A cloud is coming (1912, NMIDC) — *A cloud is coming* (1912, NMIDC)

Une autre de 1890, également une huile sur toile de 85,6 × 133 cm est dans la collection du Zimmerli Museum de l’Université Rutgers situé à New Brunswic, New Jersey, États-Unis.

Description de la peinture

La peinture représente un paysage marin. Des nuages d’orage occupant presque toute la partie supérieure, pendent au-dessus de l’eau. Leur partie supérieure éclairée par le soleil ressemble à du coton blanc et la partie inférieure est remplie de noirceur inquiétante.

Il n’y a pas de vent, et les nuages clairs et sombres se reflètent dans l’eau lisse et noircie.

Au loin, vous pouvez voir la bande sombre de la côte, sur laquelle se trouvent des maisons d’un village. Les cimes rouge orangé vif des arbres et des buissons, se détachant sur le fond d’une forêt sombre, soulignent la tension de l’atmosphère.

Nikolai Dubovskoy - Quiet - 1890 - part boat — Nikolai Dubovskoy – Quiet – 1890 -part boat

Si vous regardez de près, sur la surface lisse et presque brillante de l’eau, vous pouvez voir un petit bateau qui se déplace vers le rivage avec un rameur. Mais la terre est encore loin, ce qui ne peut qu’inspirer la peur chez le propriétaire de ce bateau. Il semble que ce petit navire soit tellement sans défense contre un orage qui approche qu’il est sur le point de se perdre quelque part dans les vagues de la mer.

L’état de nature tendu avant la tempête est clairement ressenti, en regardant les nuages de pluie menaçants, il semble que quelque chose de terrible est sur le point de se produire. Mais le sentiment d’impuissance d’une personne devant les éléments naturels, exprimé par Dubovsky dans le tableau « Calme », ne doit pas être pris comme son contenu principal. On ne peut pas supposer que le but de l’artiste était la glorification des éléments et son pouvoir sur les gens. En témoigne le fait que pour l’image, il n’a pas choisi la tempête elle-même, mais le moment qui la précède. Un petit bateau se dirigeant vers le rivage et s’efforçant de l’atteindre le plus rapidement possible ne souligne pas du tout l’impuissance d’une personne car nous ne savons pas si le rameur atteindra le rivage en toute sécurité, cependant, dès que nous le remarquons, nous ne pouvons que souhaiter qu’il atteigne le rivage en toute sécurité.

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Discover the painting “Quiet” by Nikolai Nikanorovich Dubovskoy

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The painting “Quiet” (Притихло), which is referred as “landscapes of mood” is one of the most famous and most significant works of Nikolai Dubovskoy (Николай Дубовской). It is a landscape which is an oil on canvas of 76.5 X 128 cm completed in 1890 and now belonging to the State Russian Museum of Saint Petersburg. The painting was first exposed at the 18th exhibition of the Association of Traveling Art Exhibition with great success. Emperor Alexander III immediately purchased it, and Nikolai Dubovskoy had to make a copy for Pavel Tretyakov who also wanted to buy it. The copy of 86 X143 cm is in the State Tretyakov Gallery in Moscow.

When painting the painting “Quiet”, the artist used a sketch painted on the Baltic coast. In one of his letters, Nikolai Dubovskoy wrote: “The motive for creating this picture was that exciting feeling that took possession of me many times when observing nature at a moment of silence before a big thunderstorm or in the intervals between two thunderstorms, when it is difficult to breathe, when you feel your insignificance at the approach of the elements. This state in nature – the silence before a thunderstorm – can be expressed in one word, “Quiet”. This is the title of my painting.”

There are several more author’s repetitions of the painting. One from 1896, is in the Poltava Art Museum. Another one, dated 1913-1915, belongs to the Samara Regional Art Museum.

There is also an undated author’s repetition is in the Rostov Regional Museum of Fine Arts, as well as in The National Art Museum of Belarus. There is a repetition called “A cloud is approaching” from 1912 which is in the Novocherkassk Museum of the History of the Don Cossacks.

The collection Vladimir-Suzdal Historical, Artistic and Architectural Museum-Reserve also include a repetition of the oil on canvas of 69 × 112 cm from 1890s, and in the Vologda Regional Art Gallery there is a repetition of “Quiet. A cloud is coming”, dated 1912.

Another one from 1890, also an oil on canvas of 85.6 × 133 cm is in the collection of the Zimmerli Museum of Rutgers University situated in New Brunswic, New Jersey, USA.

The painting depicts a seascape. Thunderclouds occupying almost the entire upper part, hang over the water. Their upper part illuminated by the sun, resembles white cotton wool, and the lower part is filled with ominous blackness.

There is no wind, and light and dark clouds are reflected in the smooth and blackened water.

In the distance you can see the dark strip of the coast, on which there are houses of some village. Bright orange-red crowns of trees and bushes, standing out against the background of a dark forest, emphasize the tension of the atmosphere.

If you look closely, on a smooth, almost glossy surface of the water, you can see a tiny boat that is moving towards the shore with a rower. But the land is still far away, which cannot but inspire fear in the owner of this boat. It seems that this small ship is so defenseless against an approaching thunderstorm that it is about to get lost somewhere in the sea waves.

The tense state of nature before the storm is clearly felt, looking at the menacing rain clouds, it seems that something terrible is about to happen. But the feeling of a person’s helplessness in front of the natural elements, expressed by Dubovsky in the painting “Quiet”, should not be taken as its main content. It cannot be assumed that the artist’s goal was the glorification of the elements and its power over people. This is evidenced by the fact that for the image he chose not the storm itself, but the moment preceding it. A small boat heading towards the shore and striving to reach it as quickly as possible does not at all emphasize the impotence of a person as we do not know whether the rower will reach the shore safely, however, as soon as we notice him, we cannot but wish that he reaches the shore safely.

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Histoire des chambres de Kikin

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Les chambres de Kikin sont l’un des plus anciens bâtiments de Saint-Pétersbourg. Ce bâtiment est inclus dans le registre d’État unifié des objets du patrimoine culturel de la Russie. Le manoir qui a été reconstruit plusieurs fois se trouve dans la rue Stavropolskaya entre l’ancien Institut de recherche en ingénierie de radio de Leningrad et un immeuble résidentiel construit au début de notre siècle.

Авторство: Alex ‘Florstein’ Fedorov, CC BY-SA 4.0,

C’est la seule maison d’Alexander Kikin qui existe encore de nos jours.

Alexander Vasilyevich Kikin était un noble éminent et l’un des associés de Pierre le Grand. Il a accompagné le tsar dans la campagne d’Azov, puis est parti étudier la construction navale en Hollande. Après avoir été nommé chef de l’Amirauté de Saint-Pétersbourg en 1708, il a reçu le grade de conseiller de Pierre pour l’Amirauté en 1712.

Alexandre est devenu l’une des personnes les plus riches de Russie et a commencé à se construire un manoir. Malheureusement, lorsqu’un conflit éclata entre Pierre Ier et le tsarévitch Alexei, Kikin aida Alexei à se cacher à l’étranger et scella son propre destin. En 1718, avant que son manoir ne soit terminé, il fut placé en garde à vue, puis condamné à être roulé et il est mort d’une mort douloureuse sur le billot.

Les chambres Kikin ont été confisquées et toutes les propriétés de Kikin sont allées au trésor. Le palais d’hiver se dresse maintenant sur le deuxième terrain de Kikin.

La construction des chambres a commencé en 1714 et s’est terminée en 1720. Il est présumé que A. Schluter était l’architecte du bâtiment. Sa construction s’est déroulée en deux étapes. Initialement, la partie centrale de la maison était à deux étages et deux ailes à un étage, destinées aux besoins domestiques, la jouxtaient des deux côtés.

Les fenêtres et les portes des chambres Kikin étaient encadrées de chambranles et le toit était recouvert de tuiles plates. Le bâtiment avait des risalits latérales, qui étaient des corniches situées au centre et sur les côtés des façades. Leur caractéristique était la présence de boucles décoratives complexes, les soi-disant volutes et omoplates. Ils remplissaient non seulement des fonctions décoratives, mais aussi constructives, car ils contribuaient au renforcement du mur. Les chambres de Kikin étaient décorées d’un porche, auquel de petits escaliers menaient des deux côtés. Des balustres blancs leur donnaient un aspect spécial et solennel. Le bâtiment était orné de frontons et couronné d’un haut toit avec une fracture. La disposition interne de la structure était très similaire à la disposition des pièces du Grand Palais de Peterhof. En 1720, un second étage est construit sur les ailes latérales.

Une fois la construction des chambres terminée, la célèbre Kunstkamera et la bibliothèque de Pierre Ier ont été placées à l’intérieur où elles sont restées jusqu’en 1727.

Après l’exécution du propriétaire en 1718, la population croyait que le fantôme de Kikin errait dans la maison et peu de gens voulaient voir la collection appartenant au tsar. Le tsar recourant à la ruse, promit à tous ceux qui visitaient la Kunstkamera un verre de vodka ou une tasse de café afin de mieux faire connaitre les sciences naturelles. Cela fonctionna et l’exposition a eu de plus en plus de visiteurs.

De plus, Natalya Alekseevna, la sœur du tsar, a installé l’un des premiers théâtres de la ville dans une partie du bâtiment.

Il y a une légende bien connue qui dit qu’une fois Pierre le Grand, marchant le long des rives de la Neva, vit une branche d’arbre, qui a miraculeusement poussé dans son tronc et a décidé de construire un nouveau bâtiment pour la Kunstkamera où il a transféré sa collection en 1727.

Dans les années 1720, les Kikin Chambers ont été reconstruites par un architecte inconnu.

En 1733, un hôpital, un bureau et le quartier général des cavaliers militaires ont été ouverts dans les Chambres de Kikin. Lors de la construction de casernes pour le régiment des cavaliers militaires à côté des chambres, qui ont été adaptées pour l’infirmerie et le bureau du régiment, FB Rastrelli a érigé un clocher avec un dôme et une croix sur la partie médiane des chambres. La Grande Salle servait alors d’église régimentaire.

Au 19ème siècle, le bâtiment a été gravement endommagé. En 1829, les chambres de Kikin sont reconstruites selon le projet d’Alexander Staubert. Il fit preuve d’une extrême négligence dans sa démarche et détruisit tout le riche décor baroque qui ornait la façade de la maison. Les pilastres ont été enlevés, la superstructure-clocher de Rastrelli a été démolie. Les murs étaient recouverts de plâtre et il a ajouté 2 pièces au bâtiment du côté du remblai. En 1874, deux escaliers symétriques ont été ajoutés au bâtiment du côté Neva.

Pendant le siège de Leningrad, les chambres de Kikin ont été gravement endommagées par des bombes et des obus, et le bâtiment a été incendié à plusieurs reprises. Cependant, c’est à cette époque que le plâtre appliqué lors de la dernière restauration est tombé, laissant apparaître la façade d’origine du début du XVIIIe siècle.

Cela a permis de commencer à recréer les façades dans les formes de l’architecture pétrinienne.

Immédiatement après la guerre, la mise en œuvre d’un projet ambitieux de l’architecte I. Benois a commencé à redonner aux chambres Kikin leur aspect historique. Les pilastres ont été remis à leur place, les superstructures ultérieures du bâtiment ont été démolies et des frontons ont été attachés aux chambres des deux côtés. La restauration a été achevée en 1956.

En 1979, les autorités de Saint-Pétersbourg ont transféré les chambres Kikin à l’école de musique pour enfants n ° 12. Depuis 1995, l’école a été transformée en lycée musical de Saint-Pétersbourg, qui se trouve encore aujourd’hui dans ce bâtiment.

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History of Kikin chambers

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Kikin chambers is one of the oldest building in Saint Petersburg. This building is included in the Unified State Register of Cultural Heritage Objects of Russia. The mansion which was rebuilt several times is on Stavropolskaya street between the former Leningrad Radio Engineering Research Institute and a residential building built at the beginning of our century.

It is the only house of Alexander Kikin that still exist nowadays.

Alexander Vasilyevich Kikin was a proeminent nobleman and one of the associates of Peter the Great. He accompanied the tsar in the Azov campaign, then went to study shipbuilding in Hollands. After having been appointed head of the Saint Petersburg Admiralty in 1708, he was awarded the rank of Peter’s adviser for the Admiralty in 1712.

Alexander became one of the richest person in Russia and began to build himself a mansion. Sadly when a conflict arose between Peter I and Tsarevich Alexei, Kikin helped Alexei hide abroad sealing his own fate. In 1718, before his mansion was finished, he was taken into custody, sentenced to be wheeled and died a painful death on the chopping block.

The chambers were confiscated and all the properties of Kikin went to the treasury. The Winter Palace stands on Kikin’s second land plot now.

The construction of the chambers began in 1714 and ended in 1720. It is presumed that A. Schluter was the architect of the building. Its construction was carried out in two stages. Initially, the central part of the house was two-story, and two one-story wings, which were intended for household needs, adjoined it on both sides.

The windows and doorways of the Kikin chambers were framed with platbands, and the roof was covered with flat tiles. The building had side risalits, which were ledges located in the center and on the sides of the facades. Their feature was the presence of intricate decorative curls, the so-called volutes and shoulder blades. They performed not only decorative functions, but also constructive, as they contributed to the strengthening of the wall. Kikin’s chambers were decorated with a front porch, to which small stairs led from both sides. White balusters gave them a special, solemn look. The building was decorated with pediments, and it was crowned with a high roof with a fracture. The internal layout of the structure was very similar to the arrangement of rooms in the Peterhof Grand Palace. In 1720 a second floor was built over the side wings.

After the construction of the chambers was completed, the famous Kunstkamera and the library of Peter I were placed inside where they stayed until 1727.

After the execution of the owner in 1718, there was a belief among the people that the ghost of Kikin was wandering in the house and few people wanted to see the collection belonging to the tsar. The tsar resorting to cunning, promised everyone who visited the the Kunstkamera a glass of vodka or a cup of coffee in order to popularize the natural sciences. It worked and the exposition had many visitors.

In addition, Natalya Alekseevna, the tsar sister set up one of the first city theater in part of the building.

There is a well-known legend which says that once Peter the Great, walking along the banks of the Neva, saw a branch of a tree, which miraculously grew into his trunk and decided to build a new building for the Kunstkamera where he transferred his collection in 1727.

In the 1720s, the Kikin Chambers were rebuilt by an unknown architect.

In 1733, a hospital, an office and the headquarters of the Horse Guards were opened in the Kikin Chambers. During the construction of barracks for the regiment of the Horse Guards next to the chambers, which were adapted for the regimental infirmary and office, F. B. Rastrelli erected a bell tower with a dome and a cross over the middle part of the chambers. The Great Hall was then used for the regimental church.

In the 19th century the building was seriously damaged. In 1829, Kikin’s chambers were reconstructed according to the project of Alexander Staubert. He was extremely negligent in his approach and destroyed all the rich baroque decor that adorned the facade of the house. The pilasters were removed, the superstructure-bell tower by Rastrelli was demolished. The walls were covered with plaster, and he added 2 rooms to the building from the side of the embankment. In 1874, two symmetrical staircases were added to the building from the Neva side.

During the Siege of Leningrad, the Kikin chambers were badly damaged by bombs and shells, and the building was repeatedly on fire. However, it was at this time that the plaster applied during the last restoration fell off, revealing the original facade of the early 18th century.

This made it possible to start recreating the facades in the forms of Petrine architecture.

Immediately after the war, the implementation of an ambitious project by the architect I. Benois began to restore the Kikin chambers to their historical appearance. The pilasters were returned to their places, later superstructures to the building were demolished, and pediments were attached to the chambers from two sides. The restoration was completed in 1956.

In 1979, the authorities of St. Petersburg transferred the Kikin Chambers to the Children’s Music School No. 12. Since 1995, the school has been transformed into the St. Petersburg Musical Lyceum, which is located in this building to this day.

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Émail de Moscou à l’exposition Fabergé

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J’ai trouvé une vidéo très courte et agréable d’émail de Moscou à l’exposition Fabergé. J’aurais souhaité de la musique mais il y a des explications en russe pour ceux qui la comprennent. J’ai mis quelques photos de la vidéo et un lien pour que vous puissiez la regarder vous-même et j’espère l’apprécier autant que moi. Le signe montré à la fin de la vidéo dit: Service à thé et café O. Kurlyukov’s compagnie. Moscou. 1908-1917 . Argent, émail, nacre; monnayage, peinture, dorure.

Voir la vidéo : L’ émail de Moscou à l’exposition Fabergé

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Moscow enamel at the Faberge exhibition

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I found a very short and nice video of a Moscow enamel at the Faberge exhibition. I would have wish for music but there are explanation in Russian for those who understand it. I put a few pictures of the video and a link so you can watch it yourself and I hope enjoy it as I did. The sign showed at the the end of the video say: Tea and coffee service O. Kurlyukov’s firm. Moscow. 1908-1917 . Silver, enamel, mother of pearl; coinage, painting, gilding.

Watch the video: Moscow enamel at the Faberge exhibition

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