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The sixth novel by Fyodor Mikhailovich Dostoevsky “Demons” also called “The Possessed” was written in 1872. This is one of the most politicized works of the writer, which he wrote under the impression of the activities of the emerging terrorist and revolutionary movements in Russia. The novel became a kind of warning about a social catastrophe, which will lead to cruel methods of achieving the idea of universal happiness and the principle “the end justifies the means.”
Cover of the first edition of “Demons” by Fyodor Mikhailovich Dostoevsky
Dostoevsky did not plan a grandiose thing: he wanted to express himself on the topic of the emerging “Nechaevism” and similar political phenomena on several pages. The work was not even conceived in an artistic style, but as a result, a prediction novel came out from under his pen, which has not lost its relevance so far.
Russian society rather coolly accepted the new novel, and some critics even declared the work “slander” and “nonsense”. Over time, the situation has changed little. Most supporters of the Russian revolutionary movement perceived “Demons” as a vicious caricature of their ideas. Such a reputation prevented the wide popularity of the work.
Unlike Russia, Western culture has appreciated the socio-moral depth of the novel. “Demons” by Fyodor Mikhailovich Dostoevsky had a huge influence on the philosophical literature of the turn of the 19th-20th centuries, of which Nietzsche and Camus were famous representatives .
The attitude towards “Demons” in the post-Soviet space has changed quite recently. Contemporaries understood the prophecy of Dostoevsky’s ideas, his desire to show the world the danger of radical revolutionary and atheistic ideas. The writer expressed the depth of alienation towards his characters in the title and epigraph, taken from Pushkin ‘s poem of the same name . Who is the main “demon” in the work?
Initially, “Demons” was supposed to become part of a single epic novel, but due to financial problems, the author could not realize his plan and his publisher Katkov set strict conditions for the work of the writer. So instead of a big novel, the author released five books: “Teenager”, “Crime and Punishment”, “Demons”, “The Brothers Karamazov”, “Idiot”.
Also, in the novel, you can find references to real people. as example, Dostoevsky ridiculed I.S. Turgenev with whom he didn’t agree on the liberal-Western ideology , using the image of Karamzinov. The prototype of Stavrogin is the head of the Petrashevsky circle, for participation in which the young Dostoevsky was almost executed. One more thing is the removal of the chapters (“At Tikhon’s”), where Stavrogin tells the elder about the molestation of the girl. It was banned in Russia and removed from the novel by the publisher himself. However, it is there that Stavrogin’s worldview clashes with Tikhon’s Christian morality, and the reader sees the defeat of the “demonic personality.”
IN UNDERTAKING to describe the recent and strange incidents in our town, till lately wrapped in uneventful obscurity, I find myself forced in absence of literary skill to begin my story rather far back, that is to say, with certain biographical details concerning that talented and highly-esteemed gentleman, Stepan Trofimovitch Verhovensky. I trust that these details may at least serve as an introduction, while my projected story itself will come later.
I will say at once that Stepan Trofimovitch had always filled a particular rôle among us, that of the progressive patriot, so to say, and he was passionately fond of playing the part—so much so that I really believe he could not have existed without it. Not that I would put him on a level with an actor at a theatre, God forbid, for I really have a respect for him. This may all have been the effect of habit, or rather, more exactly of a generous propensity he had from his earliest years for indulging in an agreeable day-dream in which he figured as a picturesque public character. He fondly loved, for instance, his position as a “persecuted” man and, so to speak, an “exile.” There is a sort of traditional glamour about those two little words that fascinated him once for all and, exalting him gradually in his own opinion, raised him in the course of years to a lofty pedestal very gratifying to vanity. In an English satire of the last century, Gulliver, returning from the land of the Lilliputians where the people were only three or four inches high, had grown so accustomed to consider himself a giant among them, that as he walked along the streets of London he could not help crying out to carriages and passers-by to be careful and get out of his way for fear he should crush them, imagining that they were little and he was still a giant. He was laughed at and abused for it, and rough coachmen even lashed at the giant with their whips. But was that just? What may not be done by habit? Habit had brought Stepan Trofimovitch almost to the same position, but in a more innocent and inoffensive form, if one may use such expressions, for he was a most excellent man.
I am even inclined to suppose that towards the end he had been entirely forgotten everywhere; but still it cannot be said that his name had never been known. It is beyond question that he had at one time belonged to a certain distinguished constellation of celebrated leaders of the last generation, and at one time—though only for the briefest moment—his name was pronounced by many hasty persons of that day almost as though it were on a level with the names of Tchaadaev, of Byelinsky, of Granovsky, and of Herzen, who had only just begun to write abroad. But Stepan Trofimovitch’s activity ceased almost at the moment it began, owing, so to say, to a “vortex of combined circumstances.” And would you believe it? It turned out afterwards that there had been no “vortex” and even no “circumstances,” at least in that connection. I only learned the other day to my intense amazement, though on the most unimpeachable authority, that Stepan Trofimovitch had lived among us in our province not as an “exile” as we were accustomed to believe, and had never even been under police supervision at all. Such is the force of imagination! All his life he sincerely believed that in certain spheres he was a constant cause of apprehension, that every step he took was watched and noted, and that each one of the three governors who succeeded one another during twenty years in our province came with special and uneasy ideas concerning him, which had, by higher powers, been impressed upon each before everything else, on receiving the appointment. Had anyone assured the honest man on the most irrefutable grounds that he had nothing to be afraid of, he would certainly have been offended. Yet Stepan Trofimovitch was a most intelligent and gifted man, even, so to say, a man of science, though indeed, in science … well, in fact he had not done such great things in science. I believe indeed he had done nothing at all. But that’s very often the case, of course, with men of science among us in Russia.
Le sixième roman de Fyodor Mikhailovich Dostoevsky “Démons” également appelé “Les Possédés” a été écrit en 1872. C’est l’une des œuvres les plus politisées de l’écrivain, qu’il a écrite sous l’impression des activités des mouvements terroristes et révolutionnaires émergents en Russie. Le roman est devenu une sorte d’avertissement sur une catastrophe sociale, qui conduira à des méthodes cruelles pour réaliser l’idée du bonheur universel et le principe « la fin justifie les moyens ».
Cover of the first edition of “Demons” by Fyodor Mikhailovich Dostoevsky
Dostoïevski n’a rien prévu de grandiose: il a voulu s’exprimer sur le thème de l’émergence du «néchaevisme» et de phénomènes politiques similaires sur plusieurs pages. Le travail n’a même pas été conçu dans un style artistique, mais le résultat a été qu’un roman de prédiction est sorti de sous sa plume, et celui-ci n’a pas perdu sa pertinence aujourd’hui.
La société russe a plutôt froidement accepté le nouveau roman, et certains critiques ont même qualifié l’œuvre de “calomnie” et “d’absurdité”. Au fil du temps, la situation a peu évolué. La plupart des partisans du mouvement révolutionnaire russe ont perçu les « démons » comme une caricature vicieuse de leurs idées. Une telle réputation a empêché la grande popularité de l’œuvre.
Contrairement à la Russie, la culture occidentale a apprécié la profondeur socio-morale du roman. Les “Démons” de Fiodor Mikhaïlovitch Dostoïevski ont eu une énorme influence sur la littérature philosophique du tournant des XIXe et XXe siècles, dont Nietzsche et Camus étaient des représentants célèbres.
L’attitude envers les “Démons” dans l’espace post-soviétique a changé assez récemment. Les contemporains ont compris la prophétie des idées de Dostoïevski, son désir de montrer au monde le danger des idées radicales révolutionnaires et athées. L’écrivain a exprimé la profondeur de l’aliénation envers ses personnages dans le titre et l’épigraphe, tirés du poème de Pouchkine du même nom.
Initialement, «Démons» était censé faire partie d’un seul roman épique, mais en raison de problèmes financiers, l’auteur n’a pas pu réaliser son plan et son éditeur Katkov a imposé des conditions strictes au travail de l’écrivain. Ainsi, au lieu d’un grand roman, l’auteur a publié cinq livres: «Adolescent», «Crime et châtiment», «Démons», «Les frères Karamazov», «Idiot».
De plus, dans le roman, vous pouvez trouver des références à de vraies personnes. à titre d’exemple, Dostoïevski a ridiculisé I.S. Tourgueniev avec qui il n’était pas d’accord sur l’idéologie libérale-occidentale, utilisant l’image de Karamzinov. Le prototype de Stavroguine est le chef du cercle Petrashevsky, pour sa participation dans laquelle le jeune Dostoïevski a failli être exécuté. Une dernière chose est la suppression des chapitres («Chez Tikhon»), où Stavrogin raconte à l’aîné l’agression de la fille. Il a été interdit en Russie et retiré du roman par l’éditeur lui-même. Cependant, c’est là que la vision du monde de Stavroguine se heurte à la morale chrétienne de Tikhon, et le lecteur voit la défaite de la « personnalité démoniaque ».
Pour raconter les événements si étranges survenus dernièrement dans notre ville, je suis obligé de remonter un peu plus haut et de donner au préalable quelques renseignements biographiques sur une personnalité distinguée: le très-honorable Stépan Trophimovitch Verkhovensky. Ces détails serviront d’introduction à la chronique que je me propose d’écrire.
Je le dirai franchement: Stépan Trophimovitch a toujours tenu parmi nous, si l’on peut ainsi parler, l’emploi de citoyen; il aimait ce rôle à la passion, je crois même qu’il serait mort plutôt que d’y renoncer. Ce n’est pas que je l’assimile à un comédien de profession: Dieu m’en préserve, d’autant plus que, personnellement, je l’estime. Tout, dans son cas, pouvait être l’effet de l’habitude, ou mieux, d’une noble tendance qui, dès ses premières années, avait constamment poussé à rêver une belle situation civique. Par exemple, sa position de «persécuté» et d’»exilé» lui plaisait au plus haut point. Le prestige classique de ces deux petits mots l’avait séduit une fois pour toutes; en se les appliquant, il se grandissait à ses propres yeux, si bien qu’il finit à la longue par se hisser sur une sorte de piédestal fort agréable à la vanité.
Je crois bien que, vers la fin, tout le monde l’avait oublié, mais il y aurait injustice à dire qu’il fut toujours inconnu. Les hommes de la dernière génération entendirent parler de lui comme d’un des coryphées du libéralisme. Durant un moment, — une toute petite minute, — son nom eut, dans certains milieux, à peu près le même retentissement que ceux de Tchaadaïeff, de Biélinsky, de Granovsky et de Hertzen qui débutait alors à l’étranger. Malheureusement, à peine commencée, la carrière active de Stépan Trophimovitch s’interrompit, brisée qu’elle fût, disait-il par le «tourbillon des circonstances». À cet égard, il se trompait. Ces jours-ci seulement j’ai appris avec une extrême surprise, — mais force m’a été de me rendre à l’évidence, — que, loin d’être en exil dans notre province, comme chacun le pensait chez nous, Stépan Trophimovitch n’avait même jamais été sous la surveillance de la police. Ce que c’est pourtant que la puissance de l’imagination! Lui-même crut toute sa vie qu’on avait peur de lui en haut lieu, que tous ses pas étaient comptés, toutes ses démarches épiées, et que tout nouveau gouverneur envoyé dans notre province arrivait de Pétersbourg avec des instructions précises concernant sa personne. Si l’on avait démontré clair comme le jour au très-honorable Stépan Trophimovitch qu’il n’avait absolument rien à craindre, il en aurait été blessé à coup sûr. Et cependant c’était un homme fort intelligent…
La « Trinité » , également appelée « Hospitalité d’Abraham » , est une icône de la Sainte Trinité, peinte par Andrei Rublev au XVe siècle. C’est l’une des icônes russes les plus célèbres, et aussi la plus célèbre de ses œuvres. C’est l’une des deux œuvres survivantes (avec les fresques de Vladimir) qui, selon les scientifiques, lui appartiennent authentiquement. Elle est maintenant dans l’une des salles de la galerie Tretiakov.
Andrei Rublev, dont la « Trinité » est perçue par beaucoup comme la preuve même de l’existence de Dieu, a été canonisé par l’Église orthodoxe russe en 1988. À titre posthume, il est devenu le premier artiste canonisé.
La célèbre icône “Trinity” d’Andrei Rublev a quitté la galerie Tretiakov pour la première fois depuis 1917 et a été transportée dans la laure Trinity-Sergius pour deux jours le 17 juillet 2022.
Aujourd’hui, le 19 juillet 2022, “L’icône de la Sainte Trinité de Saint Andrei Rublev est revenue à la Galerie nationale Tretiakov et est actuellement étudiée par les restaurateurs. Le musée a ajouté que: “Il n’y a aucun signe visible de détérioration de l’état de cette œuvre la plus importante de l’art russe ancien”. Et après un examen détaillé et complet de l’icône, une décision sera prise sur le moment du retour de la «Trinité» dans l’exposition de la galerie.
Троица – Андрей Рублев Trinité : Andreï Roublev
Andrei Rublev est né à la fin des années 60 du XIVe siècle dans la petite ville de Radonezh, non loin de la Trinity-Sergius Lavra. Les historiens pensent que dans sa jeunesse Andrei était un novice de ce monastère, puis il a pris le rang de moine. En 1380, lors de la bataille de Kulikovoin, Rublev était déjà membre de l’artel princier des artisans, qui se déplaçait de ville en ville et s’occupait de la construction et de la décoration des églises. Comme tout maître médiéval, il ne signait pas ses œuvres, et son nom était rarement mentionné dans les annales. Néanmoins, des recherches minutieuses menées par des historiens de l’art russe ancien suggèrent qu’il était un moine du monastère de la Trinité-Sergius, pour la cathédrale de la Trinité dont il a peint son chef-d’œuvre.
Il y a 2 opinions sur la question de la datation de l’icône. Elle aurait pu être peinte pour l’église en bois du monastère de la Trinité, construite par l’higoumène Nikon après l’invasion d’Edigey. Dans ce cas, les érudits datent l’icône à 1412. Mais d’autres déterminent les années 20 du 15ème siècle reliant son origine à la cathédrale en pierre du monastère, fondée en 1422. Il est possible que l’hégumène Nikon, qui devint l’abbé du monastère de la Trinité-Sergius après Sergius de Radonezh, n’ait pas aimé que la Trinité en pierre blanche nouvellement érigée ne soit pas décorée de peintures. Anticipant sa mort imminente et souhaitant achever de son vivant la décoration de la cathédrale, Nikon fait appel à Andrei Rublev et Daniil Cherny.
Cathédrale de la Trinité de la Laure Trinité-Sergius
C’étaient des peintres célèbres, « beaux grands, supérieurs à tous et parfaits en vertu ». Leur travail consistait non seulement à peindre le temple avec des fresques, ils devaient également peindre un grand nombre d’icônes pour une iconostase à plusieurs niveaux. De son vivant, Hegumen Nikon voulait non seulement voir le temple décoré, mais il voulait aussi faire peindre une icône, qui devait devenir le monument principal “à la louange de Sergius de Radonezh”
Cette planche du peintre d’icônes devint rapidement un modèle pour tous les créateurs ultérieurs d’images de la Sainte Trinité et en 1551, la cathédrale Stoglavy annonça que toutes les images futures devaient s’y conformer. En 1575, le tsar Ivan le Terrible ordonna de le décorer d’un salaire en or, également appelé riza en or. Un salaire est une décoration suspendue fixée au-dessus d’une peinture d’icônes, couvrant l’ensemble du panneau d’icônes au-dessus de la couche de peinture, à l’exception de quelques éléments significatifs. Il ferme l’image picturale, laissant ouverts les visages, les bras et les jambes. Par la suite, les salaires ont également été modifiés par d’autres rois et l’icône elle-même a été mise à jour conformément aux idées des artistes de l’époque.
La restauration de l’aspect original de l’œuvre n’a été entreprise qu’en 1904. Ici, nous pouvons voir l’icône en 1904 avec le salaire juste supprimé. La peinture originale est cachée sous une couche de peinture de la fin du XIXe siècle.
Троица – Андрей Рублев Trinité : Andreï Roublev
Et une photo de “Trinity” après l’achèvement du nettoyage de Guryanov. 1904.
Троица – Андрей Рублев Trinité : Andreï Roublev
Les couleurs «aérées», transparentes, dans lesquelles nos contemporains voient souvent l’intention d’un auteur particulier, créant la couleur et l’atmosphère de la «Trinité» de Rublev, rendant les figures d’anges minces et incorporelles sont une conséquence des restaurations et des rénovations.
Sur les instructions de la Commission pour la protection des monuments d’art et des antiquités de la laure Trinité-Sergius, ils sont revenus à la restauration de la Trinité en 1918. A cette époque, l’icône était déjà considérablement endommagée et nécessitait un stockage spécial, cependant, elle n’a été transféré à la collection de la galerie Tretiakov qu’en 1929. Pendant la guerre, en 1941, la Trinité a été évacuée à Novossibirsk et est revenue de l’évacuation en octobre 1944.
Chaque année, l’icône est transférée à l’église lors de la fête de la Trinité, mais en 2007, l’icône a été transportée au bâtiment de Krymsky Val car elle avait été endommagée pendant le transport et avait besoin de renforts supplémentaires.
Maintenant, l’icône est stockée dans un boîtier d’icône spécial et son état est stable, mais il y a des dommages irréversibles.
La Sainte Trinité de Rublev est écrite selon une histoire biblique de l’Ancien Testament, selon laquelle trois anges pèlerins sont venus à Abraham avec la bonne nouvelle : il aura un fils qui deviendra l’ancêtre de tout le peuple juif. Mais il y a aussi de nombreuses références importantes à tous les points clés de la Bible. L’Icon incarne beaucoup, tout en restant assez simple.
La forme qui exprime le plus clairement l’idée de la consubstantialité des trois hypostases de la Sainte Trinité, dans l’icône Rublev, est le cercle qui est à la base de la composition.
Sur l’Icône, nous voyons trois anges réunis autour de la table, sur laquelle se dresse le bol sacrificiel, pour une conversation calme et sans hâte.
Троица – Андрей Рублев Trinité : Andreï Roublev
Trois anges sont l’incarnation du Dieu unique. Ceci est indiqué par un certain nombre de symboles importants. Tout d’abord, ils sont vêtus de robes d’azur qui symbolisent leur essence surnaturelle. Le prototype du Père est un ange assis au milieu. Ceci est indiqué par ses robes violettes royales décorées de clavius (rayures verticales de l’épaule au bord inférieur). L’ange du milieu est déterminé non seulement par sa position centrale, mais aussi par sa monumentalité. Le tour de tête et la courbure de la main droite de l’ange central expriment le principe moteur impérieux et puissant, qui est le moment initial et décisif de la composition. Mais puisque chacun des anges possède des sceptres de pouvoir, on peut parler d’une trinité.
Dieu le Fils est symbolisé ici par l’ange assis à droite. Sa tête est baissée très humblement et sa main est la plus proche du bol. Si nous nous souvenons de la phrase biblique “Et une branche sortira de la racine de Jessé, et une branche poussera de sa racine”, alors il devient immédiatement clair que l’ange droit personnifie Dieu le Fils. Aussi selon Oulianov, « … l’himation de l’ange droit est ceint de droite à gauche. Et selon la coutume russe, sur un homme mort, les vêtements n’étaient pas attachés du côté droit, comme dans la vie, mais du côté gauche, comme sur une femme.
Le troisième ange, situé à gauche, devient la personnification du Saint-Esprit.
La combinaison du bleu et du rouge n’est inhérente qu’aux vêtements des anges du milieu et de gauche symbolisant le dogme de la procession de la grâce du Saint-Esprit. Les contours et les plis de leurs robes sont fragiles et légers, l’harmonie des couleurs bleu, bleu bleuet, vert pâle, jaune doré est pure, derrière leur dos se trouvent des ailes, dans leurs mains de fins bâtons et autour de leur tête des auréoles lumineuses.
L’image contient plus que les anges divins. En arrière-plan, une église ou une entrée de la maison d’Abraham est visible, et la silhouette d’un arbre qui pourrait être l’arbre de la connaissance du jardin d’Eden, et en même temps ce pourrait être le chêne sous lequel Abraham s’est reposé .
En regardant de plus près, vous pourrez voir une montagne, située dans le coin supérieur droit, qui devient un symbole du Golgotha, vers lequel Jésus est monté avec sa croix. Ancien symbole de tout ce qui est sublime, dans la Bible, la «montagne» est l’image du «ravissement de l’esprit», c’est pourquoi les événements les plus significatifs s’y déroulent.
L’icône “Trinity” d’Andrei Rublev est inscrite dans une composition circulaire. Les artistes italiens de cette époque ont également inscrit des groupes d’entités angéliques dans une composition circulaire pour un plus grand symbolisme. Mais la composition de Rublev est remarquablement différente de la composition classique. Le cercle est imperceptible à première vue, et en regardant cette œuvre d’art plus en détail, on peut constater que tout ici s’inscrit dans une structure circulaire, symbolisant la trinité, ainsi que l’éternité, l’infini.
Même les têtes des anges sont inclinées, permettant à la silhouette globale de former organiquement un seul cercle. Il a longtemps symbolisé l’éternité, le cercle vicieux de l’existence humaine, de la naissance du monde à la fin, qui devient un nouveau commencement. Dans le contexte des trois anges, il est également interprété comme un symbole de la trinité du Dieu chrétien.
De nombreux chercheurs attirent l’attention sur le fait que la «Trinité» a été créée pendant la période de confrontation entre les princes russes et le joug tatar-mongol et ont souligné le besoin d’unité. Paix, harmonie et amour, voilà ce à quoi Andrei Rublev appelait ses contemporains. C’était un appel à unir tout le peuple russe, un appel basé sur une profonde conscience philosophique de la structure du monde, de la cohésion morale des peuples.
J’espère que vous avez apprécié cette icône autant que moi
Le tableau “Fille aux Pêches” (“Девочка с персиками”) est un chef-d’œuvre reconnu de l’artiste russe Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) (Серов Валентин Александрович). Il a été peint en 1887 et est une peinture à l’huile sur toile mesurant 91 x 85 cm, maintenant situé dans la Galerie nationale Tretiakov à Moscou. C’est l’une des premières et des plus importantes œuvres dans la direction de l’impressionnisme russe auquel elle a ouvert la voie. Ce tableau mêle plusieurs genres : il y a un paysage, une nature morte, et un portrait.
La Fille aux Pêches
Valentin Serov est allé pour la première fois au domaine d’Abramtsevo en 1875 avec sa mère et, en grandissant, il a continué à visiter souvent le domaine.
Serov a peint “La Fille aux Pêches” alors qu’il n’avait pas encore 22 ans. Valentin Aleksandrovich a cherché à créer non seulement un portrait, mais une image vivante qui reflètait un moment de la vie. Il a été inspiré par la beauté et la spontanéité de Verusha et a invité Vera Mamontova, 11 ans, à poser après l’avoir vue courir dans la maison, prendre une pêche et s’asseoir à table. Vera a posé pour Serov tous les jours pendant près de deux mois.
Vera Mamontov. Photo from 1888
L’expressivité de l’image est donnée par des détails lumineux, un jeu de reflets et la jeune image de l’héroïne du portrait. L’artiste a placé la jeune fille dans une atmosphère de journée ensoleillée insouciante, avec des pêches mûres et dans une salle à manger confortable. La particularité de ce portrait était que Serov y a ajouté des éléments de nature morte (des fruits sur la table, un couteau, des feuilles) et, un paysage (un jardin à l’extérieur de la fenêtre). Cette technique a permis d’élargir le sens général de l’image.
Au centre de la composition se trouve la fille de Mamontov, Verochka. Elle est assise à une grande table recouverte d’une nappe blanche, et il y a plusieurs chaises à haut dossier à proximité. Les objets dans la pièce indiquent que la jeune fille vit dans une famille aisée, et de nombreuses chaises dans la salle à manger rappellent une famille nombreuse.
La fille est vêtue d’un chemisier ample rose clair avec un col rabattu et un nœud bouffant. Ce nœud bouffant raconte le caractère romantique et lumineux de la fille. Il n’y a aucun sentiment qu’elle se préparait à poser. L’artiste a délibérément laissé ses cheveux tels qu’ils étaient, formant des boucles indisciplinées. Elle a certainement gambadé dans le jardin et veut courir pour rejouer. Il semble difficile pour elle de rester assise. Il y a une rougeur sur ses joues, la faisant ressembler aux pêches qui se trouvent sur la table. Le regard heureux de la jeune fille dit qu’elle vit parmi des gens qui l’aiment.
La Fille aux Pêches – partie Verochka
Elle tient une pêche dans ses mains, qui ont l’air très bronzées. On peut dire que la jeune fille a passé l’été à l’extérieur de la ville. Trois autres fruits et un couteau à découper en argent reposent sur la table à proximité. Les pêches sont magnifiquement combinées avec des feuilles jaunes qui parlent du moment de la maturation des fruits. On voit que les objets n’ont pas été disposés exprès, mais le moment a été choisi spontanément. Les pêches ont leur propre histoire. Elles ont été élevés dans une serre par un jardinier spécialement engagé par le propriétaire du domaine. Ces fruits témoignent de la prospérité des propriétaires du domaine et d’un penchant pour l’exotisme.
La Fille aux Pêches – partie peaches
La jeune fille est entourée de divers objets. On voit les dossiers des chaises autour de la table à manger. Derrière la fille se trouve une figure de grenadier, rappelant les enfants de la maison.
Il y a une assiette peinte sur le mur. L’assiette est dessinée en hommage à Savva Mamontov, qui aimait les arts de la poterie.
La Fille aux Pêches – partie assiette
Un autre détail qui reflète un impressionniste intuitif exceptionnel chez Serov est le bord aléatoire de la composition. La porte à droite de la jeune fille, une moitié de chaise coupée par le cadre donnent à l’image un aspect de réalité, spontané et détendu. L’historien de l’art Mark Copshitzer a noté : « une chaise, dont une partie est capturée sur toile, a sa continuation au-delà de l’espace du tableau, elle marque le début du monde entier qui n’apparaissait pas sur la toile, avec ses chaises et ses tables, et d’autres pêches, et les autres filles ».
La Fille aux Pêches
Derrière la fenêtre, le jardin commence à jaunir. L’été touche à sa fin. Les feuilles d’érable, à leur tour, sont représentées parce que l’artiste a commencé à travailler sur la toile au plus fort de l’été et n’a terminé qu’en septembre. De plus, les feuilles d’érable d’automne créent un contraste particulier par rapport aux pêches mûres, rappelant la fugacité de tout et la nécessité de profiter du soleil, ainsi que de tout ce qui se passe autour.
Serov a obtenu un fantastique effet de légèreté et de fraîcheur en plaçant la source lumineuse derrière le modèle. Brillant à travers les feuilles, les rayons du soleil se reflétant sur la nappe et le chemisier de la fille, il ajoute du rose et de l’or à l’espace autour du sujet. Des couleurs chaudes et délicates, une douce lumière réfléchie, beaucoup d’air étaient inhabituels pour la peinture russe de ces années.
La principale différence avec les toiles des autres portraitistes est la plénitude de la lumière. Le personnage principal est assis devant la fenêtre et est bien éclairé, les reflets du soleil sur tous les objets, sur les cheveux et les vêtements. La lumière dissout les contours des objets, ce qui rapproche l’œuvre des toiles des impressionnistes français.
La déclaration de l’auteur lui-même sur l’idée de l’image a été conservée. Il a écrit qu’il voulait obtenir une fraîcheur particulière dans sa peinture. La fille était censée avoir l’air sur la peinture de la même manière que ce jour d’été. L’image lumineuse de Vera coïncidait avec la façon dont l’artiste imaginait la beauté. L’auteur rêvait de transmettre sur toile la joie de vivre qui entourait et habitait la jeune fille.
L’artiste a superbement réussi. Avec lui, nous admirons le monde insouciant de l’enfance. Ces moments sont particulièrement précieux car ils passent vite. La fugacité du temps est rappelée par les feuilles d’automne au premier plan de l’image et par l’automne qui vient à l’extérieur de la fenêtre. Vous pouvez sentir le message philosophique dans l’image. L’artiste montre la fugacité du temps. L’été change très vite et la jeunesse passe aussi vite.
J’espère que vous avez apprécié ce tableau autant que moi.
La cathédrale Saint-Basile, un trésor architectural de Moscou
La cathédrale Saint-Basile, extraordinairement belle et mystérieuse, ou la cathédrale de l’Intercession de la Vierge, sur les douves, s’étalant sur la Place Rouge, est l’un des monuments les plus importants de l’architecture russe ancienne du XVIe siècle. Ni avant ni après une telle structure n’a été construite. Elle ressemble à une voûte de huit églises, qui entoure la plus haute – la neuvième. Un tel temple n’existe toujours pas ailleurs en Russie. Même le motif lumineux des dômes de la cathédrale le fait ressembler à un jardin d’Eden en fleurs.
Saint Basil’s Cathedral
Chaque temple a sa propre entrée et son propre éclairage, cependant, la cathédrale est un seul bâtiment. La complexité et l’incroyable combinaison de détails de la cathédrale Saint-Basile sont sans précédent dans l’architecture Russe et ont eu un impact énorme sur le développement de l’architecture nationale russe.
La cathédrale a été érigée en 1555-1561. à la demande du tsar Ivan le Terrible en l’honneur de la conquête du royaume de Kazan. On pense que les architectes qui l’ont créé ont été privés de la vue. Même Staline n’a pas autorisé la démolition du bâtiment et pendant la guerre, le temple a été caché des bombardements. La cathédrale est inscrite sur la liste Russe des sites du patrimoine mondial de l’UNESCO et est une branche du Musée historique d’État.
Le niveau supérieur de la cathédrale ressemble à un labyrinthe et la base est une étoile à huit branches.
La cathédrale réunit dix églises (chapelles), dont certaines ont été consacrées en l’honneur des saints, dont les jours de mémoire sont tombés sur les batailles décisives pour Kazan.
L’église centrale a été construite en l’honneur de l’Intercession de la Vierge, autour de laquelle des églises séparées sont regroupées en l’honneur de : la Sainte Trinité, l’Entrée du Seigneur à Jérusalem, Saint-Nicolas de Velikoretsky, les Trois Patriarches : Alexandre, Jean et Paul le Nouveau, Grégoire d’Arménie, Cyprien et Justine, Alexandre Svirsky et Varlaam Khutynsky, placés sur le même soubassement, et une chapelle en l’honneur de saint Basile le Bienheureux, du nom duquel le temple reçut un second nom bien mieux connu.
Royal Doors in the Church of the Intercession of the Blessed Virgin Mary, 2009Royal Doors of the Church of Cyprian and Justina 2012Royal Doors of the Church of the Entry of the Lord into Jerusalem, 2011Royal doors of the iconostasis of the Church of Varlaam Khutynsky, 2011Royal Doors of the Church of St. Nicholas Velikoretsky, 2007
L’épaisseur des murs de la fondation de la cathédrale Saint-Basile atteint trois mètres. C’est cette épaisseur qui lui permet de tenir en toute sécurité jusqu’à neuf bâtiments. Si vous regardez les fondations de l’église, vous pouvez voir que 8 petits temples forment une étoile à huit branches – un symbole de la Vierge. Il y a de plus grandes églises dans l’ensemble des petites églises. Elles sont strictement orientés vers les points cardinaux et forment une symétrie. Le temple principal, avec un immense dôme et une tente, est la Protection de la Vierge, Son intercession.
Pendant les campagnes d’Ivan le Terrible à Kazan sur l’actuelle Place Rouge, des églises en bois de «camping» ont été érigées en mémoire des victoires remportées.
Le jour de la mémoire de Cyprien et Justine (2 octobre 1552), la campagne suivante se termina par une victoire sur le khanat de Kazan et l’annexion de la ville à l’État Moscovite. C’était le lendemain de l’intercession du Très Saint Théotokos, et Ivan le Terrible a ordonné de réunir toutes les églises en bois «en marche» en un seul temple de pierre au nom de l’intercession de la Vierge – la cathédrale de l’Intercession, mais elle n’est restée que moins d’un an avant d’être démantelée, et finalement une cathédrale en pierre a été posée à sa place.
Déjà, à l’automne 1554 était la première mention fiable de la construction de l’église de l’Intercession de la Mère de Dieu. La construction de ce temple a commencé en 1555 et a duré 6 ans. Le temple a été construit en brique et ses fondations, son socle et un certain nombre de détails sont en pierre blanche. Dans la partie ouest de la cathédrale, il y a un plafond en briques plates.
Une légende sur les architectes Barma et Postnik dont les noms ne furent connus qu’en 1895 racontait qu’ils avaient été aveuglés par ordre du Tsar Ivan le Terrible afin qu’ils ne puissent plus construire un tel temple, mais Postnik ne pouvait pas être aveuglé, car plusieurs années après la construction de la cathédrale, il a participé à la création du Kremlin de Kazan.
En 1559, à l’automne, la partie principale du temple a été érigée et, à la même période, toutes les églises sauf l’église centrale ont été consacrées.
Malgré l’apparente grandiosité de l’extérieur de la cathédrale Saint-Basile, l’intérieur est assez petit, pouvant accueillir un très petit nombre de personnes pendant le service.
En effet, selon le plan de ses créateurs, il n’aurait pas dû être trop spacieux, car pendant les grandes fêtes religieuses de l’église, toute la Place Rouge était l’église, le lieu d’exécution, sur lequel le clergé montait, devenait un lutrin, et la Cathédrale de Pokrovsky se transformait en l’autel d’un temple à ciel ouvert. Après tout, il n’y a pas de temple dans la Jérusalem Céleste, mais “il n’y a que Son Trône”… et la Cathédrale de l’Intercession – transformée en autel d’une église à ciel ouvert.
Enfin, le 29 juin 1561 selon l’ancien calendrier, l’église centrale d’intercession de la cathédrale a finallement été consacrée au nom de l’Intercession de la Très Sainte Théotokos.
St. Basil’s Cathedral from the Book of the election of the Tsar and Grand Duke Mikhail Fedorovich, 1672 1673
Les premiers changements apportés à la cathédrale de l’Intercession de la Vierge, sur les douves, ont eu lieu presque immédiatement après la construction et ont été associés au nom du célèbre saint de Moscou – Saint Basile le Bienheureux. Avant l’apparition d’une cathédrale de pierre sur ce site, il y avait une église de la Trinité en bois, où saint Basile venait souvent prier. En 1558, une église inférieure a été ajoutée à la cathédrale Pokrovsky au-dessus du lieu de sépulture du faiseur de miracles de Moscou – Saint-Basile le Bienheureux. Pour construire ce temple, les constructeurs ont démantelé une partie de la cathédrale d’origine.
Certains historiens pensent que la cathédrale a été conçue à l’origine comme une ressemblance du monastère des Blachernes à sept tours avec l’église de la Vierge, dans laquelle le miracle de l’Intercession a eu lieu. Par sa présence et son emplacement, elle était censée affirmer une nouvelle idéologie d’État : « Moscou est la troisième Rome », et la huitième chapelle était là en raison de la dimension de la fondation ». D’autres pensent que l’idée même d’une cathédrale à plusieurs chapelles appartenait au métropolite Macaire, qui prévoyait de recréer au centre de Moscou l’image de la ville sainte de Jérusalem.
Au milieu du XVIe siècle, la cathédrale fut peinte selon la technique de la fresque et imita la maçonnerie. Il n’y avait pas de porches, et le clocher de l’église Saint-Basile avait un aspect différent. Cela a donné à la cathédrale une apparence stricte mais élégante qui pourrait être comparée à un mémorial avec les huit églises séparées symbolisant les jours des batailles décisives pour Kazan .
Le toit d’origine de l’église a brûlé à la fin du 16ème siècle et les coupoles figurées de la cathédrale sont apparus à la place du toit d’origine.
La cathédrale de l’intercession est richement décorée de peintures murales, possède une impressionnante collection d’anciennes peintures d’icônes Russes et chefs-d’œuvre de l’art appliqué de l’église.
Jusqu’à la reconstruction du grand clocher du Kremlin en 1660, la cathédrale était le plus haut bâtiment de Moscou.
Dans les années de 1670, les églises en bois de la place Rouge ont été fermées, puis la cathédrale a été complétée par un clocher en croupe, ses têtes ont été recouvertes de fer, le porche a été recouvert de tuiles , et une peinture ornementale aux couleurs vives est apparue sur la cathédrale. Finallement la chapelle du bienheureux Jean de Moscou a été ajoutée en 1672.
Bell tower
La cathédrale a été sérieusement rénovée en 1680, avec des galeries en brique remplaçant celles en bois et les galeries extérieures et intérieures, les plates-formes et les parapets des porches étant peints avec des motifs d’ornements de plante.
Aux 18 et 19 siècles Des messes étaient régulièrement célébrées dans la cathédrale Saint-Basile. En règle générale, elles étaient exécutés dans une annexe – un temple construit en l’honneur de Saint Basile le Bienheureux, car le reste des temples était froid. C’est pourquoi les gens se sont habitués au nom de la cathédrale Saint-Basile.
Les messes dans le temple se sont poursuivis jusqu’au début du XXe siècle. Le dernier recteur était le père John Vostorgov, maintenant canonisé parmi les saints dans l’hôte de nouveaux martyrs et confesseurs
En 1737, le temple a presque complètement brûlé à cause de l’un des incendies les plus violents de Moscou. La restauration de l’architecture et des intérieurs de la cathédrale a été réalisée sous la direction de l’architecte Ivan Michurin.
Painting by Giacomo Quarenghi “The Intercession Cathedral and the Spasskaya Tower of the Kremlin”, 1797
La cathédrale a été sérieusement réparée et reconstruite par décret de Catherine II de 1784 à 1786, et c’est alors que les murs de la cathédrale Saint-Basile ont été peints avec des peintures multicolores et ont acquis leur aspect moderne. Avant, il était principalement peint en rouge et blanc.
Après la guerre patriotique de 1812, Alexandre Ier décide de restaurer le temple et en 1817, l’architecte Ossip Bove, tout en reconstruisant la Place Rouge avec des centres commerciaux, a aménagé le mur de soutènement du temple avec de la pierre “sauvage” et installé une clôture de fonte. D’abord le long de la rue Moskvoretskaya, puis en 1834, du côté sud du temple.
Red_Square_in_Moscow_(1801)_by_Fedor_Alekseev
En 1880, un manoir sur la rue Pyatnitskaya a été ajouté au temple. Jusqu’en 1918, le dernier recteur du temple, le père Jean y habita.
Dans les années 1890, le temple fut à nouveau sérieusement reconstruit. Les sols ont été renforcés et la sacristie de la cathédrale a été décorée de vitraux colorés, conçus par l’architecte Andrei Pavlinov.
Postcard early 20th century
En 1918, la cathédrale de l’Intercession est devenue l’un des premiers objets culturels pris sous la protection de l’État en tant que monument d’importance nationale et mondiale. C’est durant cette période que les messes furent arrêtées dans les églises hautes et que la muséification commença.
1965
L’archiprêtre John Kuznetsov est devenu le premier gardien du musée. Dans les années 1920, la cathédrale avait grand besoin de réparations et des travaux de restauration ont été dirigés par les architectes Nikolai Kurdyukov et Alexander Alexandrovich Zhelyabuzhsky.
Basil’s Cathedral and the monument to Minin and Pozharsky
Après la décision de 1923 d’établir un musée historique et architectural dans la cathédrale, celui-ci a ouvert aux visiteurs le 21 mai 1923.
A partir de 1923 et jusqu’en 1949, des recherches furent menées dans le musée à cause des légendes qui attribuaient au temple un réseau de passages souterrains. Et en 1924, une pièce murée avec un trou profond dans le sol sous la chapelle de Jean le Miséricordieux a été découverte par le restaurateur et architecte Dmitry Sukhov et le spéléologue-historien Ignatius Stelletsky.
Les meurtrières des fenêtres de la chambre étaient murées à la fois du côté du fleuve et du côté de la Place Rouge. Ignatius Stelletsky a écrit que les embrasures avaient les mêmes approches que pour les canons des tours de Kitay-gorod et de tous les monastères, ce qui l’a conduit à l’idée qu’au XVIe siècle, la partie inférieure de la cathédrale Saint-Basile était destinée au combat.
Le musée de la cathédrale Pokrovsky est devenu une branche du musée historique d’État en 1928 et en 1929, les messes ont été interdites dans la cathédrale, et les cloches ont été retirées et fondues.
Pendant la Grande Guerre patriotique, le musée n’a pas cessé ses travaux, bien qu’il ait été fermé aux visiteurs. La cathédrale Saint-Basile a été soigneusement déguisée pour la protéger des bombardements. Il y a une légende selon laquelle après la guerre, Staline s’est vu proposer d’enlever la cathédrale sous prétexte qu’elle interférait avec le défilé. On pense que Kaganovich a montré à Staline un modèle de la place et, en sa présence, il a enlevé le modèle du temple, suggérant qu’il soit démoli. Staline l’interrompit brusquement : « Lazar, remets-le à sa place ! Depuis lors, personne n’a soulevé de questions sur l’inviolabilité de la cathédrale.
La cathédrale a commencé à être restaurée, le 7 septembre 1947, et le musée a rouvert le jour de la célébration du 800e anniversaire de Moscou.
De 1954 à 1955, la peinture « en brique » du XVIe siècle a été restituée à la cathédrale, et en même temps les détails en pierre blanche du décor ont été restaurés.
Le 18 novembre 1991, l’Église orthodoxe russe a été autorisée à organiser des services réguliers dans les cathédrales du Kremlin et la cathédrale Saint-Basile, mais le premier service divin a eu lieu lors de la fête patronale de l’intercession du Très Saint Théotokos le 1er octobre 1991.
À partir de 2001 et se terminant dix ans plus tard, les intérieurs des dix églises ont été restaurés, l’icône de l’intercession du Très Saint Théotokos a été restaurée et les sous-sols ont retrouvé leur aspect d’origine.
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Une belle vidéo du complexe du musée Repin dans le village de Shiryaevo près de Samara. Elle m’a été envoyé par un ami. J’espère que vous l’apprécierez autant que moi.
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“Barge Haulers on the Volga” is a cult painting by the great Russian painter Ilya Efimovich Repin. The main canvas size is 62 cm by 97 cm and is exposed in the Tretyakov Gallery. The painting was created in the period 1870-1873, and drew international praise for his realistic portrayal of the hardships of working men. Art historians define the genre of this painting as naturalism with elements of critical realism.
One of Repin’s conflicts was his unwillingness to preach and express any moralizing with his works. He tried to follow the ideas of pure art having at the same time his civic position and unconditionally conveyed it in his works. The Barge Haulers on the Volga are devoid of moralizing and demonstrate human history, on the one hands, but also, as it were, push the stories of these people into the background, exposing the nerve of slave labor and class division.
Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
The idea for the painting came to Ilyia Repin back in 1869 when he saw barge haulers on the Neva and was stuck by their stern and exhausted appearance. These are ship workers which duties included everything related to the ship and cargo as loading and unloading goods, pulling a heavy ship from the shoals, closing up holes, bailing out water. Barge hauling was officially banned in 1929, and before the Russian revolution, barge haulers could still be found on small rivers and impassable sections of large rivers.
In May 1870, Ilya went to the Volga where he made close acquaintance with barge haulers and drew many sketches of figures and landscapes. In the same year, Ilya Repin made sketches of the composition representing two solutions, mainly differing in the direction of movement of the barge gang.
Barge haulers on the Neva. One of the first sketches
Summer 1872 Repin returned to the Volga in the village of Shiryaevo and rewrote the picture while retaining its composition.
It is often believed that Repin wrote his barge haulers as an illustration to a poem by Nikolai Alekseevitch Nekrasov, but the truth is that Repin did not know of this poem until 2 years after he finished his canvas and didn’t agree with it.
The main difference between Repin’s “Barge Haulers” and other paintings of barge haulers is that in other paintings they are represented as a dark mass, people with indistinguishable faces, similar to each other, like ants pulling a huge load into a anthill but in Repin’s “Barge Haulers” each burlak is a personality, an individual, not like anybody else.
In the 30th, a second rise in the popularity of “Barge haulers on the Volga” happened in the URSS. “Barge haulers on the Volga” became a true icon, a standard of pictorial writing and a cult object of social realism in the URSS. The illustration of “Barge haulers on the Volga” filled all the textbooks of the Soviet era, and were one of the main illustrations of the cruel oppression of the people by the criminal tsarist regime.
What can we see in “Barge haulers on the Volga” ?
There is eleven men, their number being decided according to the weight of the loaded vessel, at a rate of about 250 pounds per person. They are pulling a barge behind them can be seen as symbolizing the Russian Empire.
The barge haulers are compositionally combined into 3 clearly visible groups.
The first group consists of four figures with Kanin at the head, the second, also of four figures, among which the image of the young barge hauler Larka stands out and dominates, and, finally, the last group of three, less significant and expressive figures.
In the first group, we see how strong and masterfully everything is arranged. There is a compact unity, but with a great complexity of the outer contour, which gives it vitality. The heads are placed in such a way that each of them is clearly visible against a free background, and depicting the figures in a strong tilt, Repin raises their heads so that their faces are visible. Depicting the faces of the barge haulers of the first group frontally, I. Repin only makes the far right (Ilka Sailor) look directly at the audience. Kanin is looking somewhere in the distance, and the redhead’s gaze is turned to Kanin. This achieves freedom of expression. The main characters do not pose, but live their lives. Their appeal to the audience would have made them reasoners, which was especially dangerous in the positive image of the sage Kanin.
Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
The stall – the second most powerful image in the picture along with Kanin – visually represents the center of the entire figured part of the composition. To the right and to the left of it is an equal number of figures of barge haulers. The group with Larka is built on sharp contrasts of images. The youth of Larka, his impatience and irritation of youth are opposed, on the one hand, by the exhaustion of a consumptive, and on the other, by the phlegmatic calm of an experienced old man who knows how to adapt to any situation. Leaning against his neighbor’s shoulder, he calmly fills his pipe. The stall is the most captivating image in its lyricism and youthful charm. It is also highlighted in color. His pink youthful body, rags of a red falling shirt and trousers form a bright colorful spot among the dark figures of barge haulers.
Placed next to the Stall, the figure of a consumptive, with its strong inclination, connects the second group with the first and at the same time frees up the necessary space in front of the Stall.
Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
The last figure in the third group, depicted frontally, with a lowered head, corresponds with the extreme figure of the first group, as if closing the entire mass of the gang. The result is a kind of rhythm of wave-like movement.
Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
Who are the people of the artel?
The sketches were preserved where Repin indicated the names of some of the characters.
Rasstriga-Kanin, the bump of the artel is the first on the right side of the canvas. He used to sing in a church choir, but had been deprived of church dignity and “pulling the strap” for 10 years. In the artel of barge haulers he built a career. Thanks to his intelligence and perseverance, he became the leader of the team, the “bump”. He knows the coastline best of all, and sets the pace for the whole group. The barge haulers did each step synchronously with the right foot, then pulling up the left. From this the whole artel moved as one. If someone lost his stride, people collided with their shoulders, and the bump gave the command “hay – straw” (сено — солома), resuming movement in step. To keep the rhythm on the narrow paths over the cliffs, great skill was required from the foreman.
Rasstriga-Kanin, the bump of the artel – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
Next to him is a black-bearded giant, he is tanned and overgrown with curly hair. He is the “podshishelny”, the right hand of the brigadier and the strongest man in the whole artel. He is a Nizhny Novgorod fighter. In winter, he earns by participating in fisticuffs. And in spring-autumn “pulls the strap”. He is not more than 40 years old, and still has enough physical strength. He is put in the first team, as one of the strongest and most conscientious.
the “podshishelny”, the right hand of the brigadier – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
A little behind Rasstriga-Kanin on his left is Ilka the sailor, who was something like an accountant, bought provisions and gave the barge haulers their salaries. He knows how to work hard, so he is also in the front row. But it is clear that he is a mean person. He alone pierces us with an unkind look. This one easily swears and sends you to hell.
Ilka the sailor – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
“Bondage” is the second hack and walks behind the Stall. He is clearly lazy, he walks straight, not straining in his work and trying to shift part of his burden onto the shoulders of others. He managed to squander the salary for the entire trip and being indebted to the artel, worked for food. Yet, he still manages to smoke a pipe, He is the best dressed of all. His shirt is not rags, like those of his comrades. He is wearing a real hat, not a tied rag. Most likely, he is from the peasants who has a wife or mother at home whom take care of his clothes.
Bondage – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
Behind Ilka the sailor is Larka, the cook and falcon headman (who is responsible for the cleanliness of the latrine on the ship) and the youngest member of the artel. The young village boy Larka is especially striking to us. Maybe his family sent him to earn extra money or he left home and is trying to feed himself. Obviously, this is almost the first time he pulls the strap. Considering his duties to be more than sufficient, Larka sometimes quarreled and defiantly refused to pull the strap. And now he looks at the barge hauler next to him, who is clearly groveling in the line. The lasy guy is even smoking a pipe
Larka, the cook and falcon headman – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
“Hackers” is simply a negligent one, who on occasion is not averse to sifting part of the burden onto the shoulders of others.
Hackers – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
Behind him, the head of Kalmyk is visible. According to Repin, it was “a barge hauler with eyes as if cut through by sedge.” He also had a large, smart, intelligent forehead, showing that this is not a simpleton … He wore a shirt without belt, the ports have come off on bare black legs.
head of Kalmyk – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
Behind him is a man of about 60 years old. He is emaciated, desperately wiping sweat from his forehead with his sleeve. Most likely, he is ill with consumption, and this might be his last burlach season.
a man of about 60 years old – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
In the last group we first see the overseer, he makes sure that others are not lazy and pull the strap along with everyone else. Contrary to the others he wears boots, and his clothes are newer.
overseer – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
The penultimate one, is a tall Greek who looks angrily at the barge, where the owner is shouting something to the barge haulers
a tall Greek who – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
“Inert” is the person with the most depressing appearance and comes last. It feels like he’s about to collapse. His hands are limply lowered. The head is so low on the chest that the face is not visible. Usually the last in the “team” were experienced, but weak or sick. They normally walked a little apart, in their own rhythm and looked at their feet. Since their function was to ensure that the string did not touch the stones. So his downcast posture and lagging behind the rest does not mean that he is ill.
Inert – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
Other details
The flag on sailing ship since the time of Peter the Great was hoisted on the stern flagpole (On warships, the state black-yellow-white flag, on merchant ships, the commercial white-blue-red flag). On the mast a weather vane was hung by which the sailors determined the direction and strength of the wind. Repin accustomed to the state military flag, confused that on the trade tricolor, the white strip should be at the top, and not the bottom, as usual. Only ten years later, in 1883, the white-blue-red tricolore became the national Russian flag. But it is also said that the order of the stripes on the flag was not treated too carefully, and it was sometimes raised upside down as in the painting.
the flag – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
It is interesting that Repin, who studied the life of barge haulers, quite correctly depicted how the tow line looked and the place of his fastening which is the very top of the mast. By attaching the rope to the top of the mast, barge haulers let the mast carry the bulk of the weight of the towline. With such an attachment, the force vector is the same as if the bark is under sail, that is, the pilot has the Opportunity to control the movement of the ship with the help of the rudder.
the tow line – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
The pilot, is the man at the helm of the ship, and actually her captain. He earns more than the entire artel put together. He gives instructions to barge haulers and maneuvers both the rudder and the blocks that regulate the length of the tow line.
“The waterpipe”, water dispenser, is the carpenter who caulks and repairs the ships, monitors the safety of the goods, and bears financial responsibility for it during loadings and unloading. Under his contract, he does not have the right to leave the ship during the voyage and replaces the owner, managing on his behalf.
the pilot and waterpipe – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
Since the 16th century, it was customary to decorate the Volga ships with intricate carvings since it was believed that they helped the ship to rise against the current and this ship was no exception and had beautiful carvings.
carvings – Part of Barge Haulers on the Volga by Ilya Repin
When Dostoevsky saw “Barge Haulers on the Volga”, he was very glad that Ilya Repin did not put any social protest in it. Dostoevsky wrote in his diary that they were “Barge haulers, real barge haulers and nothing more,” and he added that “None of them shouts from the picture to the viewer: “Look how unhappy I am and to what extent you owe the people!”
The familiar figures of the barge haulers on the bank of the Volga are an eternal symbol of unlimited patience, hard work for the sake of survival, a strap that the working people had to pull all their lives and sad echoes of the past in the present.
You can find a beautiful sculpture of the painting of “Barge Haulers on the Volga” by Ilya Repin in Samara.
Sculpture of the painting of “Barge Haulers on the Volga” by Ilya Repin in Samara
I hope you enjoyed this canvas as much as I did.
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“Transporteurs de barges sur la Volga” est un tableau culte du grand peintre russe Ilya Efimovich Repin. La taille de la toile principale est de 62 cm sur 97 cm et est exposée dans la galerie Tretiakov. Le tableau a été créé dans la période 1870-1873 et a suscité des éloges internationalles pour sa représentation réaliste des difficultés des travailleurs. Les historiens de l’art définissent le genre de cette peinture comme du naturalisme avec des éléments de réalisme critique.
L’un des conflits de Repin était sa réticence à prêcher et à exprimer toute moralisation avec ses œuvres. Il a essayé de suivre les idées de l’art pur en ayant à la fois sa position civique et l’a inconditionnellement véhiculée dans ses œuvres. Les Barge Haulers sur la Volga sont dépourvus de moralisation et démontrent l’histoire humaine, d’une part, mais aussi, pour ainsi dire, repoussent les histoires de ces personnes à l’arrière-plan, exposant le nerf du travail des esclaves et de la division de classe.
“Transporteurs de barges sur la Volga” par Ilya Repin
L’idée de la peinture est venue à Ilyia Repine en 1869 lorsqu’il a vu des transporteurs de barges sur la Neva et a été marqué par leur apparence sévère et épuisée. Ce sont des ouvriers du navire dont les tâches comprenaient tout ce qui concernait le navire et la cargaison, comme le chargement et le déchargement des marchandises, le retrait d’un navire lourd des hauts-fonds, la fermeture de trous, le renflouement de l’eau. Le transport de barge par les transporteurs a été officiellement interdit en 1929, et avant la révolution russe, on pouvait encore trouver des transporteurs par barge sur les petites rivières et les sections infranchissables des grands fleuves.
En mai 1870, Ilya se rendit sur la Volga où il fit la connaissance étroite des transporteurs de barges et dessina de nombreux croquis de personnages et de paysages. La même année, Ilya Repin a réalisé des croquis de la composition représentant deux solutions, différant principalement par le sens de déplacement du gang des barges.
Transporteurs de chalands sur la Neva. Une des premières esquisses
Été 1872, Repin retourna sur la Volga dans le village de Shiryaevo près de Samara et réécrivit l’image tout en conservant sa composition.
On croit souvent que Repin a écrit ses transporteurs de barges comme illustration d’un poème de Nikolai Alekseevitch Nekrasov, mais la vérité est que Repin n’a eu connaissance de ce poème que 2 ans après avoir terminé sa toile et n’était pas d’accord avec le poème.
La principale différence entre les «transporteurs de barges» de Repin et d’autres peintures de transporteurs de barges est que dans d’autres peintures, ils sont représentés comme une masse sombre, des gens aux visages indiscernables, semblables les uns aux autres, comme des fourmis tirant une énorme charge dans une fourmilière mais dans Repin « transporteurs de barges » chaque burlak est une personnalité, un individu, pas comme les autres.
Dans les années 30, une deuxième augmentation de la popularité des “Transporteurs de barges sur la Volga” s’est produite en URSS. Les “Transporteurs de barges sur la Volga” sont devenus une véritable icône, un standard de l’écriture picturale et un objet culte du réalisme social en URSS. L’illustration des «transporteurs de barges sur la Volga» remplissait tous les manuels de l’ère soviétique et constituait l’une des principales illustrations de la cruelle oppression du peuple par le régime tsariste criminel.
Que voit-on dans « Transporteurs de barges sur la Volga » ?
Il y a onze hommes, leur nombre étant déterminé d’après le poids du navire chargé, à raison d’environ 250 livres par personne. Ils tirent une péniche derrière eux et peuvent être considérés comme symbolisant l’Empire russe.
Les transporteurs de barge sont combinés en composition en 3 groupes clairement visibles.
Le premier groupe est composé de quatre personnages avec Kanin en tête, le second, également de quatre personnages, parmi lesquels l’image du jeune transporteur de barges Larka se détache et domine, et, enfin, le dernier groupe de trois, avec des figures moins significatives et expressives.
Dans le premier groupe, on voit à quel point tout est fort et magistralement arrangé. Il y a une unité compacte, mais avec une grande complexité du contour extérieur, ce qui lui donne de la vitalité. Les têtes sont placées de manière à ce que chacune d’elles soit clairement visible sur un fond libre, et représentant les personnages dans une forte inclinaison, Repin lève la tête pour que leurs visages soient visibles. Représentant frontalement les visages des transporteurs de barges du premier groupe, I. Repin ne fait que regarder directement le public à l’extrême droite (Ilka Sailor). Kanin regarde quelque part au loin, et le regard du rouquin est tourné vers Kanin. Cela permet d’atteindre la liberté d’expression. Les personnages principaux ne posent pas, mais vivent leur vie. Leur attrait pour le public en aurait fait des raisonneurs, ce qui était particulièrement dangereux dans l’image positive du sage Kanin.
Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
“La stalle” – la deuxième image la plus puissante de l’image avec Kanin – représente visuellement le centre de toute la partie figurée de la composition. À droite et à gauche de celui-ci se trouve un nombre égal de figures de transporteurs de barges. Le groupe avec Larka est construit sur de forts contrastes d’images. La jeunesse de Larka, son impatience et son irritation de jeunesse s’opposent, d’une part, à l’épuisement d’un phtisique, et d’autre part, au calme flegmatique d’un vieil homme expérimenté qui sait s’adapter à toutes les situations. Appuyé contre l’épaule de son voisin, il bourre calmement sa pipe. L’étal est l’image la plus captivante par son lyrisme et son charme juvénile. Il est également mis en évidence en couleur. Son corps rose juvénile, les chiffons d’une chemise et d’un pantalon rouges tombants forment une tache colorée et lumineuse parmi les silhouettes sombres des transporteurs de barges.
Placée à côté du “Stall”, la figure d’un phtisique, avec sa forte inclinaison, relie le second groupe au premier et libère en même temps l’espace nécessaire devant le “Stall”.
Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
La dernière figure du troisième groupe, représentée de face, la tête baissée, correspond à la figure extrême du premier groupe, comme si elle fermait toute la masse du gang. Le résultat est une sorte de rythme de mouvement ondulatoire.
Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
Qui sont les gens de l’artel ?
Les croquis ont été conservés où Repin a indiqué les noms de certains des personnages.
Rasstriga-Kanin, le “bump” de l’artel est le premier sur le côté droit de la toile. Il avait l’habitude de chanter dans une chorale d’église, mais a été privé de la dignité de l’église et “a tiré la sangle” pendant 10 ans. Dans l’artel des transporteurs de barges, il a construit une carrière. Grâce à son intelligence et à sa persévérance, il est devenu le leader de l’équipe, le “bump”. C’est lui qui connaît le mieux le littoral et donne le rythme à tout le groupe. Les transporteurs de barge ont fait chaque pas de manière synchrone avec le pied droit, puis en tirant vers le haut le gauche. A partir de là, tout l’artel s’est déplacé comme un seul. Si quelqu’un perdait sa foulée, les gens se heurtaient aux épaules et le “bump” donnait l’ordre «foin – paille» (сено — солома), reprenant le mouvement au pas. Pour garder le rythme sur les sentiers étroits au-dessus des falaises, une grande habileté était requise de la part du contremaître.
Rasstriga-Kanin, the bump of the artel – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
À côté de lui se trouve un géant à barbe noire, il est bronzé et recouvert de cheveux bouclés. Il est le « podshishelny », le bras droit du brigadier et l’homme le plus fort de tout l’artel. C’est un combattant de Nizhny Novgorod. En hiver, il gagne en participant à des combats. Et au printemps-automne “tire la sangle”. Il n’a pas plus de 40 ans et a encore assez de force physique. Il est placé dans l’équipe première, comme l’un des plus forts et des plus consciencieux.
the “podshishelny”, the right hand of the brigadier – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
Un peu derrière Rasstriga-Kanin, à sa gauche, se trouve Ilka le marin, qui était comme un comptable, achetait des vivres et donnait leurs salaires aux transporteurs de barges. Il sait travailler dur, donc il est aussi au premier rang. Mais il est clair que c’est une personne agressive. Lui seul nous transperce d’un regard méchant. Celui-ci jure facilement et vous envoie en enfer.
Ilka the sailor – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
“Bondage” est le deuxième hack et marche derrière le Stall. Il est clairement paresseux, il marche droit, ne se fatigue pas dans son travail et essaie de déplacer une partie de son fardeau sur les épaules des autres. Il a réussi à dilapider le salaire pour tout le voyage et étant redevable à l’artel, maintenant il travaille pour se nourrir. Pourtant, il arrive toujours à fumer la pipe, c’est le mieux habillé de tous. Sa chemise n’est pas en guenilles, comme celles de ses camarades. Il porte un vrai chapeau, pas un chiffon noué. Très probablement, il fait partie des paysans qui ont une femme ou une mère à la maison qui s’occupe de ses vêtements.
Bondage – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
Derrière Ilka le marin se trouve Larka, le chef cuisinier et faucon (qui est responsable de la propreté des latrines sur le navire) et le plus jeune membre de l’artel. Le jeune garçon du village Larka nous frappe particulièrement. Peut-être que sa famille l’a envoyé gagner de l’argent supplémentaire ou qu’il a quitté la maison et essaie de se nourrir. Évidemment, c’est presque la première fois qu’il tire sur la sangle. Considérant ses devoirs plus que suffisants, Larka se dispute parfois et refuse avec défi de tirer la sangle. Maintenant, Il regarde le transporteur de péniche à côté de lui, qui clairement ne se donne pas trop de mal dans la ligne. L’homme paresseux fume même une pipe.
Larka, the cook and falcon headman – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
Les “hackers” sont simplement des négligents, qui parfois ne sont pas opposés à rejeter une partie du fardeau sur les épaules des autres.
Hackers -Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
Derrière lui, la tête de Kalmouk est visible. Selon Repin, c’était “un transporteur de péniches avec des yeux comme s’ils étaient traversés par des carex”. Il avait également un front large, ingénieux et intelligent; montrant que ce n’est pas un homme stupide… Il portait une chemise sans ceinture, les ports se sont décollés sur ses jambes noires nues.
head of Kalmyk – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
Derrière lui se trouve un homme d’environ 60 ans. Il est émacié, essuyant désespérément la sueur de son front avec sa manche. Très probablement, il souffre de consommation, et ce pourrait être sa dernière saison de burlach.
a man of about 60 years old – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
Dans le dernier groupe, nous voyons d’abord le superviseur, il s’assure que les autres ne sont pas paresseux et tire la sangle avec tout le monde. Contrairement aux autres il porte des bottes, et ses vêtements sont plus neufs.
overseer – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
L’avant-dernier, est un grand Grec qui regarde avec colère la barge, où le propriétaire crie quelque chose aux transporteurs de barge.
a tall Greek who -Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
“Inerte” est la personne avec l’apparence la plus déprimante et vient en dernier. On dirait qu’il est sur le point de s’effondrer. Ses mains sont mollement baissées. La tête est si basse sur la poitrine que le visage n’est pas visible.
Habituellement, les derniers membres de «l’équipe» étaient expérimentés, mais faibles ou malades. Ils marchaient normalement un peu à l’écart, à leur rythme et regardaient leurs pieds, puisque leur fonction était de s’assurer que la ficelle ne touchait pas les pierres. Ainsi, sa posture abattue et à la traîne ne signifie pas qu’il est malade.
Inert – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
Autres détails
Le drapeau sur les voiliers depuis l’époque de Pierre le Grand était hissé sur le mât de poupe (sur les navires de guerre, le drapeau d’État noir-jaune-blanc, sur les navires marchands, le drapeau commercial blanc-bleu-rouge). Au mât était accrochée une girouette par laquelle les marins déterminaient la direction et la force du vent. Repin, habitué au drapeau militaire de l’État, confond que sur le tricolore commercial, la bande blanche doit être en haut et non en bas, comme d’habitude. Seulement dix ans plus tard, en 1883, le drapeau tricolore blanc-bleu-rouge est devenu le drapeau national russe. Mais on dit aussi que l’ordre des rayures sur le drapeau n’était pas traité avec trop de soin, et qu’il était parfois soulevé à l’envers comme dans le tableau.
the flag – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
Il est intéressant de noter que Repin, qui a étudié la vie des transporteurs de barges, a décrit assez correctement à quoi ressemblait le câble de remorquage et l’endroit de sa fixation qui est tout en haut du mât. En attachant la corde au sommet du mât, les transporteurs de barges laissent le mât supporter l’essentiel du poids de la remorque. Avec une telle fixation, le vecteur de force est le même que si la barque était sous voile, c’est-à-dire que le pilote a la possibilité de contrôler le mouvement du navire à l’aide du gouvernail.
the tow line – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
Le pilote est l’homme à la barre du navire, et en fait son capitaine. Il gagne plus que tout l’artel réuni. Il donne des instructions aux haleurs de barge et manœuvre à la fois le gouvernail et les poulies qui règlent la longueur de la ligne de remorquage.
“La pipe à eau”, distributeur d’eau, est le charpentier qui calfate et répare les navires, surveille la sécurité des marchandises et en assume la responsabilité financière lors des chargements et déchargements. Aux termes de son contrat, il n’a pas le droit de quitter le navire pendant le voyage et se substitue au propriétaire, gérant en son nom.
the pilot and waterpipe – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
Depuis le XVIe siècle, il était de coutume de décorer la coque des bateaux de la Volga avec des sculptures complexes car on croyait qu’elles aidaient le navire à s’élever à contre-courant et ce navire ne faisait pas exception et avait de belles sculptures.
carvings – Partie de « Transporteurs de barges sur la Volga » par Ilya Repin
Lorsque Dostoïevski a vu «Transporteurs de barges sur la Volga», il était très heureux qu’Ilya Repine n’y ait mis aucune protestation sociale. Dostoïevski écrivit dans son journal qu’ils étaient «des transporteurs de péniches, de vrais transporteurs de péniches et rien de plus», et il ajouta que «aucun d’eux ne crie de l’image au spectateur:« Regardez comme je suis malheureux et dans quelle mesure vous devez au peuple !”
Les figures familières des transporteurs de barges sur la rive de la Volga sont un symbole éternel de patience illimitée, de travail acharné pour survivre, une sangle que les travailleurs ont dû tirer toute leur vie et de tristes échos du passé dans le présent.
Vous pouvez trouver une magnifique sculpture de la peinture de “Barge Haulers on the Volga” par Ilya Repin à Samara.
Sculpture de la peinture de “Transporteurs de barges sur la Volga” par Ilya Repin à Samara
J’espère que vous avez apprécié cette toile autant que moi.
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Grâce aux efforts du prince Zasekin Grigory Osipovich au XVIe siècle, les frontières de l’État russe se sont considérablement élargies à l’est. Il fut le premier gouverneur et père fondateur des forteresses russes sur la Volga, qui devinrent plus tard les immenses villes de Samara, Saratov et Perevoloka (Volgograd).
Prince Zasekin – Samara
La date exacte de naissance du prince Zasekin est inconnue, mais les historiens s’accordent à dire qu’il est né vers 1550. Il est issu de l’ancienne famille des princes de Yaroslavi : les Zasekins. Son père, selon la norme de l’époque, était un homme très pauvre. On sait peu de choses sur son enfance, mais on peut supposer qu’il a commencé son service militaire, sous Ivan le Terrible, à l’âge d’environ 15 ans, ce qui était la norme à cette époque pour les jeunes nobles.
Prince Zasekin – Samara
Le début de sa carrière tomba sur la dernière étape de la guerre de Livonie de 1558 à 1583. Il servit aux frontières occidentales du royaume de Russie, où les conflits militaires réguliers étaient monnaie courante. En 1570, le prince Zasekin est mentionné comme chef des archers.
Grigory Zasekin
Les premières actions de Grigory Zasekin en tant que chef sont liées à la guerre russo-suédoise de 1570-1595. Il effectua son service militaire dans la forteresse de Korela environ de 1574-1575 à 1579 avec de courtes interruptions. En 1575, une bataille avec les Suédois y a eu lieu dans laquelle les Russes ont gagné. En 1577, le prince Zasekin servit dans la forteresse d’Oreshek et participa à la campagne de Livonie. Pendant une courte période au cours de l’automne 1577, son cousin Zasekin-Solntsev et lui-même furent nommés gouverneurs subalternes de la ville de Trikaten qui avait été capturée pendant la guerre.
Au milieu de l’été 1579, le prince Zasekin participa à la campagne des troupes russes dans laquelle il poursuivit des objectifs de reconnaissance sous le commandement de MA Beznin, l’ancien gouverneur de Karélie. Le début de cette campagne a été un tel succès pour les troupes russes que Grigory Zasekin a été envoyé avec un rapport personnel sur la victoire au tsar Ivan le Terrible, pour lequel il a reçu un “sou d’or” en récompense.
Cependant, il était déjà loin de la Baltique avant les défaites subies par les troupes russes près de Polotsk.
Sous le commandement du prince VM Lobanov, il fut nommé deuxième gouverneur du régiment de la garde à Kolomna. Puis il a servi comme gouverneur à Kalouga et a repoussé les raids des Criméens.
Dans les années 1580, Zasekin-Solntsev et le prince Zasekin ont été envoyés pour servir aux frontières sud de l’État Russe, dans les champs sauvages, dans la région de la Volga.
En 1581, pour la première fois de sa carrière, il devint le premier gouverneur de la ville de Mikhailov, qui était un point défensif bien fortifié sur la rivière Prony.
Après l’annexion des khanats de Kazan et d’Astrakhan à la Russie au milieu du XVIe siècle, toute la voie navigable de la Volga jusqu’à la mer Caspienne était en la possession de l’État Russe, mais comme la nouvelle région était peu peuplée, les caravanes commerciales qui passaient ici étaient souvent attaqués, de sorte que la construction de forteresses est devenue importante.
Après 1,5 à 2 ans de préparation pour la construction de la forteresse de Samara, Grigory Zasekin a commencé à construire une forteresse loin de la Volga sur une colline. Il ne lui fallu quelques jours pour la construire avec l’aide de ses archers. La date de naissance de la nouvelle ville de Samara peut être considérée comme la fête de la trinité, qui en 1586 est tombée le 22 mai. La ville de Samara a été construite à grande échelle sur une colline au-dessus de la rivière Samara, où elle s’est divisée en deux canaux.
Forteresse de Samara au XVIIe siècle. Gravure tirée de l’édition des notes d’Adam Olearius
L’apparition de la forteresse a beaucoup bouleversé les Nogai by Urus jusqu’à ce qu’un détachement de cosaques vole un troupeau de 500 têtes aux Nogais. Grigory Zasekin a capturé les cosaques et les a pendus. Il a rendu tout ce qui avait été volé par les Cosaques au Nogai. Après cet événement, de nombreux Nogai Murzas ont abandonné leurs pensées d’indépendance et ont commencé à envoyer leurs détachements pour servir dans l’armée russe.
À l’été 1589, Zasekin a construit la forteresse de Perevolok au croisement entre la Volga et le Don qui est un site stratégiquement important. La ville fortifiée a été construite en seulement 3 mois.
Le prince Zasekin a été rappelé pour participer à la campagne contre Narva au printemps 1590 mais était de nouveau sur la Volga à l’été. Le 12 juillet, le prince Grigory Zasekin et le boyard Fyodor Turov ont fondé la ville de Saratov sur la rive gauche du fleuve. A cette époque, ce n’était qu’un avant-poste du développement Russe de la Volga, mais devint plus tard l’une des plus grandes villes de la Volga. En 1674, par décret du tsar Alexei Mikhailovoch, la ville fut déplacée sur la rive droite du fleuve.
En 1591, le prince Zasekin restaura la forteresse de Terki, dans la mer Caspienne (aujourd’hui la ville de Kizlyar) fondée en 1735, mais il mourut un an plus tard. Les documents n’indiquent pas la cause du décès, et on peut supposer que le prince est décédé des suites de blessures reçues pendant la campagne ou d’une maladie soudaine.
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La toile “Le Dernier Jour de Pompéi” a été créée à l’intersection du classicisme et du romantisme. La composition est dans l’esprit du classicisme dans le sens où tous les épisodes sont enfermés dans un triangle, mais cependant le tableau est consacré à la tragédie réelle du peuple et non à une image idéalisée, ce qui en fait une œuvre à la manière de le romantisme.
“Le Dernier Jour de Pompéi” est une peinture à l’huile de Karl Bryullov et est une toile monumentale de 456,5 sur 651 cm qui a pris près de 6 ans depuis les premières esquisses jusqu’à l’apparition de la version finale en 1833. Cette toile est considérée comme l’une des œuvres les plus importantes de l’artiste et se trouve maintenant au Musée d’État russe.
The Last Day of Pompeii by Karl Bryullov
À l’été 1827, Karl Bryullov visita les fouilles de Pompéi où il eut l’idée de peindre une grande toile dédiée à la mort de Pompéi, et reçut même la permission du roi Napolitain de prendre des mesures et de faire des croquis de toutes les structures architecturales découvertes au cours de les fouilles qui l’intéressaient.
Avant de commencer le travail sur la toile, Karl Bryullov a soigneusement étudié les documents historiques liés à l’éruption du Vésuve en lisant les témoignages oculaires des événements, rendant sa peinture aussi précise que possible.
Il a choisi la rue des tombes (Strada dei Sepolcri ou Via dei Sepolcri) qu’il a visitée en 1827 comme scène d’action, qui montre des gens essayant d’échapper à l’éruption du Vésuve. Le ciel est couvert de nuages sombres, les immeubles s’effondrent et de longs et vifs éclairs traversent l’obscurité. La tragédie expose leurs sentiments et montre l’essence des âmes humaines. La draperie joue un rôle important dans la toile et démontre la bonne connaissance du peintre avec les chefs-d’œuvre de l’art ancien.
Countess Yulia Samoilova
Au centre de l’image se trouve une noble dame tombée d’un char avec un jeune enfant qui ne comprenait pas encore la mort de sa mère. Très probablement, le modèle était la comtesse Yulia Samoilova, qui a été la maîtresse de Bryullov pendant de nombreuses années et qu’il a représentée dans plusieurs autres images. Cette femme symbolise la mort du monde antique, et en même temps l’enfant tendant la main à sa mère est perçu comme le début d’un monde nouveau qui devrait surgir sur les ruines de l’ancien sans rompre les liens vivants avec le passé.
The Last Day of Pompeii (part mother and baby) by Karl Bryullov
Le char d’où la femme est tombée est toujours visible et est tiré par des chevaux éperdus.
Sur la droite se trouve un autre cheval cabré symbolisant l’élément de folie.
The Last Day of Pompeii (part horse rearing) by Karl BryullovThe Last Day of Pompeii (part chariot being pulled away) by Karl Bryullov
On peut aussi voir un jeune homme tenter de persuader sa mère épuisée de s’enfuir avec lui, alors qu’elle le repousse ce qui nous donne une vive impression de sacrifice maternel.
The Last Day of Pompeii (part mother and son) by Karl Bryullov
Deux fils portent leur vieux père s’oubliant et ne vivant que dans la peur pour sa vie. Et voici une autre famille où le mari a essayé de couvrir sa famille. On voit que les deux parents regardent le Vésuve avec horreur
The Last Day of Pompeii (part sons carrying their father) by Karl Bryullov
Karl Bryullov a représenté un prêtre païen essayant d’emporter sa richesse avec lui. Le prêtre païen essayant de s’échapper peut être considéré comme un symbole du départ de l’ancien monde et du paganisme. En même temps, il peint un ecclésiastique chrétien regardant courageusement le Vésuve furieux, reconnaissable à la croix sur sa poitrine. Il est clair que Bryullov oppose le christianisme au paganisme et n’est pas en faveur de ce dernier. On y voit aussi une mère qui s’est réfugiée près du prêtre tout en enserrant ses filles de ses bras dans un geste protecteur.
The Last Day of Pompeii (part pagan priest) by Karl BryullovThe Last Day of Pompeii (part Christian priest) by Karl Bryullov
Sur le bord droit de la toile se trouve un couple de jeunes mariés et l’une des scènes les plus tristes, montrant qu’il y a des moments dans la vie où le chagrin s’avère plus fort que la peur de la mort.
L’auteur s’est également représenté lui-même et sa bien-aimée parmi les personnes qui tentent de se cacher dans la tombe. Nous pouvons voir l’artiste essayer de sauver ses choses les plus précieuses
Les bâtiments dans sa peinture s’effondrent illustrant ce qui se passe réellement lors d’un tremblement de terre de 8 points
Dans ‘Le Dernier Jour de Pompéi’, l’artiste nous donne l’occasion de sympathiser avec ces gens. C’est l’histoire d’une catastrophe très bien peinte avec un éclairage phénoménal.
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