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Discover the painting “Halt of the prisoners” by Valery Ivanovich Jacobi

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“The Halt of the Prisoners” (Привал арестантов) is a genre painting by the Russian artist Valery Yakobi (Валерия Якоби) completed in 1861. It is an oil on canvas of 98.6 × 143.5 cm situated at the State Tretyakov Gallery. It is difficult to imagine Russian genre painting of the 60s of the XIX century without this painting by Valery Ivanovich Jacobi, who created the true story of the royal penal servitude. It is one of the masterpieces of the 19th century, and this painting by Valery Jacobi immediately entered the history of art.

The painting “Halt of Prisoners” was presented by Valery Yakobi at the end of his studies at the Academy of Arts . For this painting, the Academy awarded him the title of class artist of the 1st degree and also a large gold medal .

In 1861-1862, the canvas was exhibited with great success at the exhibition of the Academy of Arts – the writer Fyodor Dostoevsky noted that Jacobi’s painting “amazes with amazing fidelity” and the public likes it “more than anyone else at the current exhibition”

This work made a great impression on the public, which rather vividly accepted the reforms of Emperor Alexander II.

Critics called this work frank and topical. Everyone was unanimous in their statements: the master managed to portray the actual problems of society. This work became the pinnacle of the artist’s work.

Valery Jacobi was the first of the Russian artists who turned to such a topic. The choice of subject was not accidental. Valery Ivanovich spent his childhood and youth in the east of Russia, where he personally observed the convicts who were driven past the house where the artist lived. Memories were so firmly planted in his head that the picture recreated from memory is striking in its realism and strength.

The collection of the State Tretyakov Gallery also contains a graphic sketch for the painting “Halt of Prisoners”

This first compositional sketch for the future canvas was submitted by Valery Jacobi for approval to the Council of the Academy of Arts in 1860. It is made in a purely contour technique, and the figures are outlined by a continuous line .

According to the description of art historian Alexei Sidorov, “from one edge of the figures, this line is thin and resembles a stroke of a cutter or a dry needle in a sketch engraving on copper; from the other edge of the same figures, the line tightens, becomes thicker, blacker, to a certain extent gives the figures <…> relief”; such an interpretation resembles a “marble bas-relief ” .

Another sketch of 36.5 × 58.7 cm , was executed in watercolor and white on paper. It is dated from 1861, and is kept in the State Russian Museum . In addition, the Russian Museum owns a reduced copy of the painting of the same name . It is an oil , paper on canvas, from the late 1860s – 1870s which is 53 × 75 cm , and was received in 1963 from the State Museum of the Revolution.

The painting depicts a group of prisoners stopping for a break. Probably, this halt was forced and caused by the breakdown of one of the carts.

Jacobi concentrates his main attention on the group around the deceased prisoner and the relatives who followed him along the stage, sitting at the milestone. At the same time, the artist uses a traditional academic technique, highlighting the main characters of the picture with light, grouping them in the spirit of classical “pyramids”. He managed to convey a complex range of feelings: from the despair of a family that has lost a person for whom they set off on a grueling journey, to the indifference of a gendarmerie officer who leaned over a dead prisoner. The rest of the exiles are depicted without detail, in gloomy silhouettes. The contrast of a dark stormy sky and bright light breaking through the dense cover of clouds, the predominance of gray and brown tones enhances the drama of the scene.

The Charter “On the Exiles” fixed and regulated the procedure for escorting, the issues of transporting exiles on carts, preventing escapes, women, freemen and the dead.

In this work, Jacobi managed with extraordinary persuasiveness to present various social types – from a tramp to an intellectual-political prisoner, whose life was cut short on the way.

On a broken road under a leaden sky with low rain clouds, standing by the cart is a stage officer, who with indifferent calmness ascertains the death of a prisoner (by opening his eyes), in order to leave him on the road and move on faster.

The central character of the composition is the deceased prisoner. He has an intelligent appearance, but is so emaciated that he looks like an old man. The dead prisoner is covered with matting . On his left hand, hanging lifelessly down, he wears a ring. The effect of the hopelessness of life is enhanced by another detail: another prisoner crept under the cart and is trying to pull off the ring from the finger of the deceased. In such a critical situation, the human essence is manifested.

A man, dressed in a heavily torn caftan , is holding a harnessed horse.

On the right side of the picture in the foreground is a seated prisoner in rags, who examines the wound on his leg, rubbed with shackles .

In the left corner of the picture are the families of prisoners who voluntarily went into exile along with their husbands and fathers. They are exhausted and weakened. However, no one retreats and they will go all the way to the end, but not everyone will return. They are already mourning the dead…

Nearby, a prisoner is seen smoking a pipe. It seems that he is completely indifferent to his own fate, he just goes with the flow, not thinking about tomorrow.

The plot continues with a group of fighting people and a long line of exiles, escorted by a convoy, lost in the distance… This horizontal line is emphasized by a thin parallel line of a flock of birds, dissolving into the clouds. The whole scene is depicted by the artist against the backdrop of an open autumn steppe, under a sky covered with heavy gray clouds. The bleak landscape only enhances the gloomy impression that the picture makes ….

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Découvrez le tableau « La Halte des prisonniers » de Valery Ivanovich Jacobi

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« La Halte des prisonniers » (Привал арестантов) est une peinture de genre de l’artiste russe Valery Yakobi (Валерия Якоби) achevée en 1861. Il s’agit d’une huile sur toile de 98,6 × 143,5 cm située à la Galerie d’État Tretiakov. Il est difficile d’imaginer la peinture de genre russe des années 60 du XIXe siècle sans ce tableau de Valery Ivanovich Jacobi, qui a créé la véritable histoire de la servitude pénale royale. C’est l’un des chefs-d’œuvre du 19ème siècle, et ce tableau de Valery Jacobi est immédiatement entré dans l’histoire de l’art.

Le tableau « La Halte des prisonniers» a été présenté par Valery Yakobi à la fin de ses études à l’Académie des Arts. Pour ce tableau, l’Académie lui a décerné le titre d’artiste de classe du 1er degré et aussi une grande médaille d’or.

En 1861-1862, la toile a été exposée avec un grand succès à l’exposition de l’Académie des Arts – l’écrivain Fiodor Dostoïevski a noté que la peinture de Jacobi « étonne avec une fidélité étonnante » et le public l’aime « plus que quiconque à l’exposition actuelle »

Ce travail a fait une grande impression sur le public, qui a accepté de manière assez vivante les réformes de l’empereur Alexandre II.

Les critiques ont qualifié ce travail de franc et d’actualité. Tout le monde était unanime dans ses déclarations: le maître a réussi à dépeindre les problèmes réels de la société. Ce travail est devenu le summum du travail de l’artiste.

Valery Jacobi a été le premier des artistes russes à se tourner vers un tel sujet. Le choix du sujet n’était pas accidentel. Valery Ivanovich a passé son enfance et sa jeunesse dans l’est de la Russie, où il a personnellement observé les condamnés qui ont été conduits devant la maison où vivait l’artiste. Les souvenirs étaient si fermement ancrés dans sa tête que l’image recréée de mémoire frappe par son réalisme et sa force.

La collection de la Galerie d’État Tretiakov contient également une esquisse graphique pour le tableau « Halte des prisonniers »

Cette première esquisse de composition pour la future toile a été soumise par Valery Jacobi pour approbation au Conseil de l’Académie des Arts en 1860. Elle est réalisée dans une technique purement de contour, et les figures sont soulignées par une ligne continue.

Selon la description de l’historien de l’art Alexeï Sidorov , « d’un bord des figures, cette ligne est mince et ressemble à un trait de cutter ou à une aiguille sèche dans un croquis gravé sur cuivre ; de l’autre bord des mêmes figures, la ligne se resserre, devient plus épaisse, plus noire, donne dans une certaine mesure aux figures <… > relief»; une telle interprétation ressemble à un « bas-relief en marbre ».

Un autre croquis de 36,5 × 58,7 cm, a été exécuté à l’aquarelle et blanc sur papier. Il est daté de 1861 et est conservé au Musée d’État russe. En outre, le Musée russe possède une copie réduite de la peinture du même nom, une huile, papier sur toile, de la fin des années 1860 – 1870. Elle mesure 53 × 75 cm, et a été reçu en 1963 du Musée d’Etat de la Révolution.

La peinture représente un groupe de prisonniers s’arrêtant pour une pause. Probablement, cet arrêt a été forcé et causé par la panne de l’un des chariots.

Jacobi concentre son attention principale sur le groupe autour du prisonnier décédé et les proches qui l’ont suivi le long de la scène, assis au jalon. Dans le même temps, l’artiste utilise une technique académique traditionnelle, mettant en évidence les personnages principaux de l’image avec de la lumière, les regroupant dans l’esprit des « pyramides » classiques. Il a réussi à transmettre une gamme complexe de sentiments: du désespoir d’une famille qui a perdu une personne pour laquelle ils se sont lancés dans un voyage épuisant, à l’indifférence d’un officier de gendarmerie qui s’est penché sur un prisonnier mort. Le reste des exilés est représenté sans détail, par des silhouettes sombres. Le contraste d’un ciel orageux sombre et d’une lumière vive traversant la couverture dense de nuages, la prédominance des tons gris et bruns renforce le drame de la scène.

La Charte « Sur les exilés » fixait et réglementait la procédure d’escorte, les questions du transport des exilés sur des charrettes, la prévention des évasions, les femmes, les hommes libres et les morts.

Dans ce travail, Jacobi a réussi avec une persuasion extraordinaire à présenter divers types sociaux – d’un clochard à un prisonnier intellectuel et politique, dont la vie a été écourtée en cours de route.

Sur une route brisée sous un ciel de plomb avec de faibles nuages de pluie, debout près de la charrette se trouve un officier de scène, qui avec un calme indifférent constate la mort d’un prisonnier (en ouvrant ses yeux), afin de le laisser sur la route et d’aller plus vite.

Le personnage central de la composition est le prisonnier décédé. Il a une apparence intelligente, mais est tellement émacié qu’il ressemble à un vieil homme. Le prisonnier mort est recouvert d’e’un tapis. Sur sa main gauche, suspendu sans vie, il porte une bague. L’effet du désespoir de la vie est renforcé par un autre détail: un autre prisonnier s’est glissé sous la charrette et essaie de retirer la bague du doigt du défunt. Dans une situation aussi critique, l’essence humaine se manifeste.

Un homme, vêtu d’un caftan fortement déchiré, tient un cheval attelé.

Sur le côté droit de l’image au premier plan se trouve un prisonnier assis en haillons, qui examine la blessure sur sa jambe, frottée avec des chaînes.

Dans le coin gauche de l’image se trouvent les familles des prisonniers qui se sont volontairement exilés avec leurs maris et leurs pères. Elles sont épuisées et affaiblies. Cependant, personne ne se retire et ils iront jusqu’au bout, mais tout le monde ne reviendra pas. Ils pleurent déjà les morts…

À proximité, on voit un prisonnier fumer une pipe. Il semble qu’il soit complètement indifférent à son propre destin, il suit le courant, ne pensant pas à demain.

L’intrigue se poursuit avec un groupe de combattants et une longue lignée d’exilés, escortés par un convoi, perdus au loin… Cette ligne horizontale est soulignée par une mince ligne parallèle d’un troupeau d’oiseaux, se dissolvant dans les nuages. Toute la scène est représentée par l’artiste sur fond de steppe d’automne ouverte, sous un ciel couvert de lourds nuages gris. Le paysage sombre ne fait qu’accentuer l’impression sombre que l’image fait ….

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Découvrez le tableau « La Source » d’Arkady Plastov

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Arkadi Alexandrovitch Plastov (Аркадий Александрович Пластов) (1893-1972) est né dans une famille de peintres d’icônes héréditaires et a apporté une grande contribution au développement de la culture russe. À partir de 1935, il a crée des peintures de genre, dans lesquelles il a embellit la vie du village soviétique. Ainsi, une place importante dans son travail a été occupée par l’image de la vie quotidienne des paysans dans le contexte de leur beau pays.

Le tableau «La Source » est une huile sur toile qui a été peinte en 1952. c’est une scène de genre de la vie d’une jeune paysanne qui venait à la source pour obtenir de l’eau potable. Effectivement, il n’y avait pas d’eau courante dans les villages à cette époque, et quelqu’un devait parfois aller loin pour aller chercher de l’eau avec des seaux.

Au premier plan, nous voyons une fille debout sur des bûches tenant un joug avec de grands seaux en fer dans ses mains.

La fille aux pieds nus est vêtue d’une belle robe légère avec un motif miniature, et une écharpe blanche propre encadre sa tête, sous laquelle d’épaisses tresses dorées se montrent.

L’héroïne de l’image est sérieuse et complètement concentrée sur le processus de collecte de l’eau.

L’un des seaux est déjà plein, tandis qu’elle remplit l’autre d’un jet d’eau propre et transparente provenant d’une petite source. Nous pouvons voir des éclaboussures d’eau sur le côté du seau, ce qui crée la dynamique de la composition de la toile. On peut aussi admirer à quel point l’eau que l’artiste a réussi à peindre est propre et transparente. La fraîcheur cristalline de l’eau fraîche éclairée par le chaud soleil d’été est littéralement ressentie.

Sous le seau, l’eau déversée forme un petit étang envahi de roseaux.

Derrière le dos de la fille, nous voyons beaucoup de verdure, qui occupe une grande partie de l’œuvre. La végétation est assez haute et dense, ce qui signifie que la source n’est pratiquement pas perceptible de l’extérieur. Dans la partie supérieure de l’image, un ciel bleu avec des nuages blancs est légèrement visible.

La palette de couleurs est assez chaude. Cela s’exprime dans les traits colorés jaune-vert des plantes et les joues écarlates de la fille. En outre, des accents solaires sont montrés dans les taches de couleur de ses vêtements. Il y a une bataille de contrastes. Les tons clairs contrastent avec les tons sombres. Ainsi, l’harmonie de l’image peinte est créée.

Cette toile d’Arkady Plastov réconforte parfaitement et évoque les sentiments les plus chaleureux et les plus positifs. En raison de la tranquillité de la scène, des nuances de couleurs agréables, l’harmonie de la nature et de la vie paysanne est véhiculée.

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Découvrez le tableau de « Le tapis volant » de Vasnetsov

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« Le Tapis volant ” est une gigantesque huile sur toile de 165×297 cm peinte par le célèbre peintre Viktor Mikhailovich Vasnetsov en 1880, Cette peinture est actuellement au Musée d’art d’État de Nijni Novgorod.

C’est la deuxième image de Vasnetsov, dans laquelle il s’est tourné vers les contes de fées et les mythes. Nous avons déjà écrit sur sa première photo qui était « Le Chevalier à la croisée des chemins ».

L’intrigue du ” Tapis volant ” est l’histoire de conte de fées d’Ivan Tsarevich, qui a poursuivi un phoenix, qui a pris l’habitude de voler des pommes dans le jardin royal.

Selon Vasnetsov lui-même, l’image était censée exprimer la grandeur des traditions russes et représenter un symbole de victoire sur l’espace. « Le Tapis volant ” reflète la foi dans l’avenir brillant du peuple russe, et dans cette œuvre, le peintre a mis tout son amour pour l’art populaire et sa propre compréhension de la sagesse des épopées populaires.

L’histoire du « tapis volant » a commencé avec Savva Mamontov, un philanthrope qui était le président du conseil d’administration du chemin de fer de Donetsk. Il a commandé trois toiles qui refléteraient les possibilités infinies pour les gens de se déplacer après la construction de la voie ferrée de Donetsk, et a insisté sur une intrigue fantastique, qui a été exposée dans la toile de Vasnetsov « Tapis volant ». Dans ce tableau, le moyen de transport magique devait devenir un symbole du transport le plus rapide, une illustration allégorique de l’éveil d’une nouvelle direction ferroviaire.

Cependant, les membres du conseil d’administration ont considéré les motifs de conte de fées inappropriés dans l’atmosphère de travail du bureau, de sorte que le philanthrope a acheté la toile et pendant longtemps, le tableau est resté dans la collection personnelle de Mamontov.

Au début, l’idée de l’artiste était différente de la version finale du tableau. Deux personnes étaient censées voler sur le tapis – le tsarévitch et sa bien-aimée, qui inclinait la tête sur l’épaule d’Ivan.

Mais après une longue recherche, Vasnetsov n’a laissé qu’un seul héros sur le tapis, lui remettant une cage avec un trophée sans précédent – un oiseau de feu.

Chaque image de cette image a sa propre signification symbolique. Si vous regardez attentivement la toile, vous remarquerez immédiatement que la partie supérieure de l’image est plus lumineuse et plus saturée. Les nuances roses avec lesquelles le soleil ornent le ciel indiquent symboliquement la victoire du héros du conte de fées, qui a surmonté toutes les difficultés. Il a pu échapper à la poursuite et a attrapé l’oiseau de feu, qui a pris l’habitude de voler des pommes dans le jardin royal. Mais l’oiseau de feu est la seule source de lumière à part entière sur l’image. Même la lune, visible en arrière-plan, ne peut pas se comparer à lui. Et pour dépeindre le monde réel, Vasnetsov a utilisé des demi-tons et des nuances déjà sombres.

Chaque personnage est fait de manière si réaliste qu’en regardant cette toile, il semble involontairement qu’un tel tapis existe vraiment quelque part.

Ivan Tsarevich, l’oiseau de feu et le tapis volant se distinguent comme un point coloré et lumineux sur le fond d’un paysage sans vie et terne. Les couleurs vives symbolisent le triomphe du rêve d’une personne devenu réalité.

Le tapis magique est représenté en vol et le prince se tient dessus debout. Ivan lui-même est la personnification du courage. Le tapis se presse simplement à travers le ciel, et ce qui est visible grace aux mouvements des vêtements du tsar et de ses cheveux.

Le tapis volant est accompagné de trois oiseaux. Ils sont représentés dans les mêmes couleurs que le monde qui les entoure. Ces grands hiboux volent devant le tapis et peuvent lui montrer le chemin. Le tapis magique est plein de motifs bizarres, dont certains rappellent douloureusement les runes magiques. Cela peut être la raison pour laquelle le tapis peut voler. Ce tapis magique lui-même ressemble à un énorme oiseau avec une tête incurvée et des ailes grandes ouvertes avec les coins du produit de tissage jouant le rôle de ses deux ailes, de plus la toile légèrement arquée vers le haut rend cette partie similaire au dos d’un oiseau. En regardant l’image, on remarque que le tapis semble flotter en douceur et rapidement dans l’air. Il s’élève au-dessus des étendues de la Russie, s’élève majestueusement au-dessus des forêts et du brouillard épais. En regardant ce travail, on peut apprécier à quel point le pays est vaste.

Ivan Tsarévitch debout sur le tapis comme un capitaine sur un navire céleste, est un signe de victoire, de confiance en soi. Il n’a pas peur de tomber et regarde avec confiance au loin. C’est la preuve qu’il n’y a pas d’obstacles insurmontables. On peut voir qu’Ivan Tsarévitch se dépêche à travers les plaines sans limites avec des rivières et des champs. Il revient d’un long voyage vers le trentième royaume où il a réussi à capturer l’oiseau de feu magique.

Toute l’expression faciale et la posture d’Ivan Tsarevich exprime la fierté du test qu’il a réussi. Son apparence est intéressante et ses vêtements ravissent et étonnent par leur richesse et leur luxe. Il est vêtu d’un caftan avec une longue robe qui est brodée de beaux motifs. Tout le caftan est décoré de dorures, et il y a beaucoup de pierres précieuses sur le bonnet. De tels vêtements n’étaient portés en Russie que par des gens nobles et riches. Sur la ceinture du prince se trouve un sac brodé contenant la clé de la cage. L’épée-trésorier scintille de la dorure avec laquelle elle est décorée, et une épaisse chaîne pend autour du cou du héros de l’image, à laquelle une cage en or a été attachée.

Viktor Vasnetsov a représenté la cage en détail. Tout est ajouré et merveilleux, et au sommet, chaque treillis se termine par des figures inhabituelles de dragons, dans les dents desquels il y a des cloches. Lorsque la cage se balance, une sonnerie agréable et mélodique se fait entendre.

Le bel oiseau de feu est assis sur un perchoir mince et gracieux, et autour de cet oiseau de feu une lumière brillante inhabituelle se propage. L’artiste utilise le blanc pour son image, qui symbolise sa pureté. L’oiseau de feu est un symbole de bonheur, de joie et de chance, mais malheureusement, tout le monde ne parvient pas à en attraper un. L’oiseau de feu brillant dans la cage est comme une grande lanterne qui éclaire le chemin du retour. Même par une nuit sombre, il montre le chemin au tsarévitch Ivan, qui, ayant atteint son objectif, s’efforce de rentrer chez lui.

Tout ce qui se passe dans l’image emmène le spectateur à la fin de la journée, à son coucher de soleil, lorsque le croissant de lune commence déjà à percer faiblement les nuages. Vous pouvez voir non seulement le ciel, mais aussi ce qui se trouve loin en dessous: c’est une forêt merveilleuse, et de magnifiques champs, et une rivière douce.

Cette peinture du « Tapis volant », peinte en 1880, est devenue si populaire aujourd’hui que ses reproductions peuvent être trouvées non seulement dans de nombreuses maisons et appartements privés, mais aussi dans des institutions telles que des écoles, des jardins d’enfants ou des cliniques en Russie. Et non seulement un adulte, mais aussi chaque enfant, sans hésitation, dira qui est son auteur et comment il s’appelle.

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The Knight at the Crossroad by Viktor Mikhailovich Vasnetsov

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Viktor Mikhailovich Vasnetsov (Виктор Васнецов) is a famous Russian painter, founder of the fairy-tale epic genre . The master created several versions of The Knight at the Crossroads. The first one was completed in 1877 and is significantly different from the subsequent ones. “The knight at the Crossroads” («Витязь на распутье») is an oil on canvas of 167 by 308 cm and was completed in 1882. It is now in the St. Petersburg State Russian Museum.

This is one of the philosophical works of the painter, and it encourages the viewer not only to contemplate, but also to think. And to think not only about the fate of the hero, but also about the deeper and eternal problems of good and evil, justice and deceit But also about the problem of choosing a future path in life, which probably disturb every person.

“Warrior in a helmet with chain mail” 1877

The first pencil sketches of “The knight at the Crossroads” appeared in the early 1870s. His “Forerunner” can be considered the picture of Viktor Mikhailovich “Warrior in a helmet with chain mail”, painted by him in 1877.

“The Knight at the Crossroads” is a painting by the famous Russian artist Viktor Mikhailovich Vasnetsov. His inspiration for the creation of “The Knight at the Crossroads” was the old Russian epic “Ilya Muromets and the Robbers”: Once on the path of the hero there was a stone with a curious inscription.

According to the prediction, if Ilya turns in one direction – he will be killed, in the other – he will marry, in the third – he will gain wealth.

The man decided to try his luck and drove along the road that was supposed to bring him death. He met forty robbers, but managed to cope with them. Then he returned to the stone and wrote that the prediction did not come true. The same happened with other tracks. It seemed that the hero managed to deceive fate itself …

part of «Витязь на распутье» Виктора Васнецова

Ahead, the artist depicted a black cloud which can be a warning to Ilya Muromets of danger. But then the sky is clear and a little pinkish, probably the dawn, giving us hope. It might show that the path will be difficult and dangerous, but still lead to good. Probably, the knight will still decide to go ahead and defeat all dangers.

Initially, the author conceived to draw “The Knight at the Crossroads” facing the viewer. However, later Vasnetsov changed his mind and focused not on the key character, but on his confusion and difficulty in choosing a path.

In front of the hero there is a stone on which it is written that if you go straight, it is impossible for anyone to stay alive. Because many years have passed, all other inscriptions on the stone have been erased. Ilya Muromets understands that he has only one path that will lead him to death.

Usually fairy tales and epics talk about three roads that are offered to the traveler to choose from. However, on his canvas, Vasnetsov decided to deviate from this important point. With this technique, he visually strengthened the disturbing plot of the picture, leaving the epic hero without an alternative choice of path.

Almost immediately behind the stone, solid earth turns into unsteady swampy soil. In the future, there is nothing that could inspire gratifying hope. There is a narrow path that goes to the left, winding between boulders. It leads to no one knows where and gradually dissolves. The prophetic stone says nothing about it. There is no third road, as it should be in fairy tales.

In the center of the work is Ilya Muromets. He is known as the most courageous and strong hero in Russia. His back is turned to us, so we do not see his face. His strong body is now relaxed and his shoulders slumped as if he had traveled for a very long time and was tired. We can see that he did not rush his horse across the wide field since only the tips of his boots were inserted into the stirrups. The hero is dressed in battle armor. Behind him is a large heavy round shield. A brown leather quiver, decorated with metal decorative overlays, is attached to the belt. The quiver is full of arrows. A massive mace hangs from the side. In his right hand, the knight holds a long, sharp spear on a red shaft. It is lowered with the tip down, the slightly bent arm of the hero weakly squeezes it. The warrior is calm and self-confident, ready even for an unexpected meeting with the enemy. On his feet he has high light green boots with a gilded edging at the top of the top.

The whole image speaks of his meditation, the figure of the hero is majestic and powerful. Thoughtfulness is visible in the bowed head. His spear is also tilted down. The author shows the unity between him and his brave friend, the horse, because despite the fact that the horse stands confidently, its head is tilted.

The spear that the warrior holds in his hand deserves special attention. The canvas depicts an infantry spear which is intended for foot soldiers. The riders were armed with cavalry. It is noteworthy that in previous studies there was no such feature. Perhaps the rider is ready to lose his horse at any moment, and therefore it is the infantry spear in his hand.

The heroic horse is a match for the hero himself. It is strong, sleek, with a thick mane hanging almost to the ground, a silky tail, and powerful legs that firmly step on the ground. And now he meekly and patiently stands, with its head down, as if it was making a difficult decision. or maybe waiting for the decision of his master.

The terrain is depicted as swampy, there is almost no vegetation, stones are also scattered in the most gloomy tones.

Bones of people and animals are scattered across the field. And right in front of the stone we see the skulls of a man and a horse. Apparently, at one time they decided to cross the line on which the stone-prophet stands, but the prediction came true. Now black crows are circling over the field in anticipation of new prey.

The beautiful picture captures the moment of doom. At that moment, the knight does not yet know how his journey will end, and whether what the inscription on the stone predicts will come true. The picturesque plot of Vasnetsov’s creation fascinates with its fabulousness, tragedy, faith in the triumph of good over evil and darkness. and let us wonder if fate determines the fate of a person, or if we are responsible for our own lives.

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Le Chevalier à la Croisée des Chemins de Viktor Mikhaïlovitch Vasnetsov

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Viktor Mikhailovich Vasnetsov (Виктор Васнецов) est un célèbre peintre russe, fondateur du genre épique des contes de fées. Le maître a créé plusieurs versions du tableau “Le Chevalier à la Croisée des Chemins “. Le premier a été achevé en 1877 et est sensiblement différent des suivants. “Le Chevalier à la Croisée des Chemins” (“Витязь на распутье”) est une huile sur toile de 167 sur 308 cm et a été achevée en 1882. Elle se trouve maintenant au Musée russe d’État de Saint-Pétersbourg.

C’est l’une des œuvres philosophiques du peintre, et elle encourage le spectateur non seulement à contempler, mais aussi à réfléchir. Et à penser non seulement au sort du héros, mais aussi aux problèmes plus profonds et éternels du bien et du mal, ainsi que celui de la justice et de la tromperie. Mais aussi au problème du choix d’un futur chemin dans la vie, qui dérange probablement tout le monde.

Les premières esquisses au crayon de la toile: “Le Chevalier à la Croisée des Chemins” apparaissent au début des années 1870. Son “précurseur” peut être considéré comme l’image de Viktor Mikhailovich “Guerrier Dans un Casque avec une Cotte de Mailles”, peinte par lui en 1877.

“Le chevalier à la Croisée des Chemins” est une peinture du célèbre artiste russe Viktor Mikhailovich Vasnetsov. Son inspiration pour la création de: “Le chevalier à la croisée des chemins” était la vieille épopée russe “Ilya Muromets et les voleurs”: Une fois sur le chemin du héros, il y avait une pierre avec une curieuse inscription.

Selon la prédiction, si Ilya va dans une direction – il sera tué, dans l’autre – il se mariera, dans la troisième – il gagnera de la richesse.

L’homme a décidé de tenter sa chance et a conduit le long de la route qui était censée lui apporter la mort. Il a rencontré quarante voleurs, mais a réussi à faire face à eux. Puis il retourna à la pierre et écrivit que la prédiction ne s’était pas réalisée. La même chose s’est produite avec les autres routes. Il semblait que le héros avait réussi à tromper le destin lui-même…

Devant, l’artiste est représenté un nuage noir qui peut être un avertissement de danger pour Ilya Muromets. Mais ensuite le ciel est clair et un peu rosé, sans doute l’aube, qui nous redonne espoir. Cela pourrait montrer que le chemin sera difficile et dangereux, mais qu’il mènera toujours au bien. Probablement, le chevalier décidera toujours d’aller de l’avant et de vaincre tous les dangers.

Initialement, l’auteur a conçu de dessiner “Le chevalier à la croisée des chemins” face au spectateur. Cependant, plus tard, Vasnetsov a changé d’avis et s’est concentré non pas sur le personnage clé, mais sur sa confusion et sa difficulté à choisir une voie.

Devant le héros se trouve une pierre sur laquelle il est écrit que si vous allez tout droit, il est impossible à quiconque de rester en vie. Parce que de nombreuses années se sont écoulées, toutes les autres inscriptions sur la pierre ont été effacées. Ilya Muromets comprend qu’il n’a qu’un seul chemin qui le mènera à la mort.

Habituellement, les contes de fées et les épopées parlent de trois routes proposées au voyageur. Cependant, sur sa toile, Vasnetsov a décidé de s’écarter de ce point important. Avec cette technique, il a renforcé visuellement l’intrigue inquiétante de l’image, laissant le héros épique sans autre choix de chemin.

Presque immédiatement derrière la pierre, la terre solide se transforme en sol marécageux instable. Dans l’avenir, il n’y a rien qui puisse inspirer un espoir gratifiant. Il y a un chemin étroit qui part à gauche en serpentant entre des rochers. Elle mène on ne sait où et se dissout peu à peu. La pierre prophétique n’en dit rien. Il n’y a pas de troisième route, comme il se doit dans les contes de fées.

Au centre de l’œuvre se trouve Ilya Muromets. Il est connu comme le héros le plus courageux et le plus fort de Russie. Il nous tourne le dos, nous ne voyons donc pas son visage. Son corps fort est maintenant détendu et ses épaules affaissées comme s’il avait voyagé pendant très longtemps et qu’il était fatigué. On peut voir qu’il n’a pas précipité son cheval à travers le vaste champ puisque seuls les bouts de ses bottes sont insérés dans les étriers. Le héros est vêtu d’une armure de combat. Derrière lui se trouve un grand bouclier rond et lourd. Un carquois en cuir marron, orné de superpositions décoratives en métal, est attaché à sa ceinture. Le carquois est plein de flèches. Une masse massive pend sur le côté. Dans sa main droite, le chevalier tient une longue lance pointue sur un manche rouge. Elle est abaissée avec la pointe vers le bas, le bras légèrement plié du héros la serre faiblement. Le guerrier est calme et sûr de lui, prêt même pour une rencontre inattendue avec l’ennemi. Aux pieds, il a de hautes bottes vert clair avec un liseré doré en haut du haut.

Toute l’image parle de sa méditation, la figure du héros est majestueuse et puissante. La méditation est visible dans la tête inclinée. Sa lance est également inclinée vers le bas. L’auteur montre l’unité entre lui et son brave ami, le cheval, car malgré le fait que le cheval se tient avec confiance, sa tête est inclinée.

La lance que le guerrier tient dans sa main mérite une attention particulière. La toile représente une lance d’infanterie destinée aux fantassins. Les cavaliers étaient armés de lances de cavalerie. Il est à noter que dans les études précédentes, il n’y avait pas une telle caractéristique. Peut-être que le cavalier est prêt à perdre son cheval à tout moment, et c’est donc la raison de la lance d’infanterie dans sa main.

Le cheval héroïque est un match pour le héros lui-même. Il est fort, élégant, avec une crinière épaisse qui pend presque jusqu’au sol, une queue soyeuse et des pattes puissantes qui marchent fermement sur le sol. Et maintenant, il se tient docilement et patiemment, la tête baissée, comme s’il prenait une décision difficile. ou peut-être attent-il la décision de son maître.

Le terrain est dépeint comme marécageux, il n’y a presque pas de végétation, les pierres sont également dispersées dans les tons les plus sombres.

Des ossements de personnes et d’animaux sont éparpillés sur le terrain. Et juste devant la pierre, nous voyons les crânes d’un homme et d’un cheval. Apparemment, à un moment donné, ils ont décidé de franchir la ligne sur laquelle se tient le prophète de pierre, mais la prédiction s’est réalisée. Maintenant, des corbeaux noirs tournent autour du champ en prévision d’une nouvelle proie.

La belle image capture le moment de malheur. À ce moment, le chevalier ne sait pas encore comment son voyage se terminera et si ce que prédit l’inscription sur la pierre se réalisera. L’intrigue pittoresque de la création de Vasnetsov fascine par son caractère fabuleux, sa tragédie, sa foi dans le triomphe du bien sur le mal et les ténèbres. et nous nous demandons si le destin détermine le sort d’une personne, ou si nous sommes responsables de notre propre vie.

J’espère que vous avez apprécié ce tableau autant que moi

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What do you know about the novel “Demons” by Fyodor Mikhailovich Dostoevsky

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The sixth novel by Fyodor Mikhailovich Dostoevsky “Demons” also called “The Possessed” was written in 1872. This is one of the most politicized works of the writer, which he wrote under the impression of the activities of the emerging terrorist and revolutionary movements in Russia. The novel became a kind of warning about a social catastrophe, which will lead to cruel methods of achieving the idea of universal happiness and the principle “the end justifies the means.”

Cover of the first edition of “Demons” by Fyodor Mikhailovich Dostoevsky

Dostoevsky did not plan a grandiose thing: he wanted to express himself on the topic of the emerging “Nechaevism” and similar political phenomena on several pages. The work was not even conceived in an artistic style, but as a result, a prediction novel came out from under his pen, which has not lost its relevance so far.

Russian society rather coolly accepted the new novel, and some critics even declared the work “slander” and “nonsense”. Over time, the situation has changed little. Most supporters of the Russian revolutionary movement perceived “Demons” as a vicious caricature of their ideas. Such a reputation prevented the wide popularity of the work.

Unlike Russia, Western culture has appreciated the socio-moral depth of the novel. “Demons” by Fyodor Mikhailovich Dostoevsky had a huge influence on the philosophical literature of the turn of the 19th-20th centuries, of which Nietzsche and Camus were famous representatives .

The attitude towards “Demons” in the post-Soviet space has changed quite recently. Contemporaries understood the prophecy of Dostoevsky’s ideas, his desire to show the world the danger of radical revolutionary and atheistic ideas. The writer expressed the depth of alienation towards his characters in the title and epigraph, taken from Pushkin ‘s poem of the same name . Who is the main “demon” in the work?

Initially, “Demons” was supposed to become part of a single epic novel, but due to financial problems, the author could not realize his plan and his publisher Katkov set strict conditions for the work of the writer. So instead of a big novel, the author released five books: “Teenager”, “Crime and Punishment”, “Demons”, “The Brothers Karamazov”, “Idiot”.

Also, in the novel, you can find references to real people. as example, Dostoevsky ridiculed I.S. Turgenev with whom he didn’t agree on the liberal-Western ideology , using the image of Karamzinov. The prototype of Stavrogin is the head of the Petrashevsky circle, for participation in which the young Dostoevsky was almost executed. One more thing is the removal of the chapters (“At Tikhon’s”), where Stavrogin tells the elder about the molestation of the girl. It was banned in Russia and removed from the novel by the publisher himself. However, it is there that Stavrogin’s worldview clashes with Tikhon’s Christian morality, and the reader sees the defeat of the “demonic personality.”

You can read it on our site in French, English , or Russian as well as in our bilingual section (Russian/English)

Extract of the book:

Chapter 1

IN UNDERTAKING to describe the recent and strange incidents in our town, till lately wrapped in uneventful obscurity, I find myself forced in absence of literary skill to begin my story rather far back, that is to say, with certain biographical details concerning that talented and highly-esteemed gentleman, Stepan Trofimovitch Verhovensky. I trust that these details may at least serve as an introduction, while my projected story itself will come later.

I will say at once that Stepan Trofimovitch had always filled a particular rôle among us, that of the progressive patriot, so to say, and he was passionately fond of playing the part—so much so that I really believe he could not have existed without it. Not that I would put him on a level with an actor at a theatre, God forbid, for I really have a respect for him. This may all have been the effect of habit, or rather, more exactly of a generous propensity he had from his earliest years for indulging in an agreeable day-dream in which he figured as a picturesque public character. He fondly loved, for instance, his position as a “persecuted” man and, so to speak, an “exile.” There is a sort of traditional glamour about those two little words that fascinated him once for all and, exalting him gradually in his own opinion, raised him in the course of years to a lofty pedestal very gratifying to vanity. In an English satire of the last century, Gulliver, returning from the land of the Lilliputians where the people were only three or four inches high, had grown so accustomed to consider himself a giant among them, that as he walked along the streets of London he could not help crying out to carriages and passers-by to be careful and get out of his way for fear he should crush them, imagining that they were little and he was still a giant. He was laughed at and abused for it, and rough coachmen even lashed at the giant with their whips. But was that just? What may not be done by habit? Habit had brought Stepan Trofimovitch almost to the same position, but in a more innocent and inoffensive form, if one may use such expressions, for he was a most excellent man.

I am even inclined to suppose that towards the end he had been entirely forgotten everywhere; but still it cannot be said that his name had never been known. It is beyond question that he had at one time belonged to a certain distinguished constellation of celebrated leaders of the last generation, and at one time—though only for the briefest moment—his name was pronounced by many hasty persons of that day almost as though it were on a level with the names of Tchaadaev, of Byelinsky, of Granovsky, and of Herzen, who had only just begun to write abroad. But Stepan Trofimovitch’s activity ceased almost at the moment it began, owing, so to say, to a “vortex of combined circumstances.” And would you believe it? It turned out afterwards that there had been no “vortex” and even no “circumstances,” at least in that connection. I only learned the other day to my intense amazement, though on the most unimpeachable authority, that Stepan Trofimovitch had lived among us in our province not as an “exile” as we were accustomed to believe, and had never even been under police supervision at all. Such is the force of imagination! All his life he sincerely believed that in certain spheres he was a constant cause of apprehension, that every step he took was watched and noted, and that each one of the three governors who succeeded one another during twenty years in our province came with special and uneasy ideas concerning him, which had, by higher powers, been impressed upon each before everything else, on receiving the appointment. Had anyone assured the honest man on the most irrefutable grounds that he had nothing to be afraid of, he would certainly have been offended. Yet Stepan Trofimovitch was a most intelligent and gifted man, even, so to say, a man of science, though indeed, in science … well, in fact he had not done such great things in science. I believe indeed he had done nothing at all. But that’s very often the case, of course, with men of science among us in Russia.

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I hope you’ll enjoy this book.

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Que savez-vous du roman “Démons” de Fiodor Mikhaïlovitch Dostoïevski

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Le sixième roman de Fyodor Mikhailovich Dostoevsky “Démons” également appelé “Les Possédés” a été écrit en 1872. C’est l’une des œuvres les plus politisées de l’écrivain, qu’il a écrite sous l’impression des activités des mouvements terroristes et révolutionnaires émergents en Russie. Le roman est devenu une sorte d’avertissement sur une catastrophe sociale, qui conduira à des méthodes cruelles pour réaliser l’idée du bonheur universel et le principe « la fin justifie les moyens ».

Dostoïevski n’a rien prévu de grandiose: il a voulu s’exprimer sur le thème de l’émergence du «néchaevisme» et de phénomènes politiques similaires sur plusieurs pages. Le travail n’a même pas été conçu dans un style artistique, mais le résultat a été qu’un roman de prédiction est sorti de sous sa plume, et celui-ci n’a pas perdu sa pertinence aujourd’hui.

La société russe a plutôt froidement accepté le nouveau roman, et certains critiques ont même qualifié l’œuvre de “calomnie” et “d’absurdité”. Au fil du temps, la situation a peu évolué. La plupart des partisans du mouvement révolutionnaire russe ont perçu les « démons » comme une caricature vicieuse de leurs idées. Une telle réputation a empêché la grande popularité de l’œuvre.

Contrairement à la Russie, la culture occidentale a apprécié la profondeur socio-morale du roman. Les “Démons” de Fiodor Mikhaïlovitch Dostoïevski ont eu une énorme influence sur la littérature philosophique du tournant des XIXe et XXe siècles, dont Nietzsche et Camus étaient des représentants célèbres.

L’attitude envers les “Démons” dans l’espace post-soviétique a changé assez récemment. Les contemporains ont compris la prophétie des idées de Dostoïevski, son désir de montrer au monde le danger des idées radicales révolutionnaires et athées. L’écrivain a exprimé la profondeur de l’aliénation envers ses personnages dans le titre et l’épigraphe, tirés du poème de Pouchkine du même nom.

Initialement, «Démons» était censé faire partie d’un seul roman épique, mais en raison de problèmes financiers, l’auteur n’a pas pu réaliser son plan et son éditeur Katkov a imposé des conditions strictes au travail de l’écrivain. Ainsi, au lieu d’un grand roman, l’auteur a publié cinq livres: «Adolescent», «Crime et châtiment», «Démons», «Les frères Karamazov», «Idiot».

De plus, dans le roman, vous pouvez trouver des références à de vraies personnes. à titre d’exemple, Dostoïevski a ridiculisé I.S. Tourgueniev avec qui il n’était pas d’accord sur l’idéologie libérale-occidentale, utilisant l’image de Karamzinov. Le prototype de Stavroguine est le chef du cercle Petrashevsky, pour sa participation dans laquelle le jeune Dostoïevski a failli être exécuté. Une dernière chose est la suppression des chapitres («Chez Tikhon»), où Stavrogin raconte à l’aîné l’agression de la fille. Il a été interdit en Russie et retiré du roman par l’éditeur lui-même. Cependant, c’est là que la vision du monde de Stavroguine se heurte à la morale chrétienne de Tikhon, et le lecteur voit la défaite de la « personnalité démoniaque ».

Vous pouvez le lire sur notre site en français , anglais ou russe ainsi que dans notre rubrique bilingue (russe/anglais)

Extrait du livre :

Chapitre 1

Pour raconter les événements si étranges survenus dernièrement dans notre ville, je suis obligé de remonter un peu plus haut et de donner au préalable quelques renseignements biographiques sur une personnalité distinguée: le très-honorable Stépan Trophimovitch Verkhovensky. Ces détails serviront d’introduction à la chronique que je me propose d’écrire.

Je le dirai franchement: Stépan Trophimovitch a toujours tenu parmi nous, si l’on peut ainsi parler, l’emploi de citoyen; il aimait ce rôle à la passion, je crois même qu’il serait mort plutôt que d’y renoncer. Ce n’est pas que je l’assimile à un comédien de profession: Dieu m’en préserve, d’autant plus que, personnellement, je l’estime. Tout, dans son cas, pouvait être l’effet de l’habitude, ou mieux, d’une noble tendance qui, dès ses premières années, avait constamment poussé à rêver une belle situation civique. Par exemple, sa position de «persécuté» et d’»exilé» lui plaisait au plus haut point. Le prestige classique de ces deux petits mots l’avait séduit une fois pour toutes; en se les appliquant, il se grandissait à ses propres yeux, si bien qu’il finit à la longue par se hisser sur une sorte de piédestal fort agréable à la vanité.

Je crois bien que, vers la fin, tout le monde l’avait oublié, mais il y aurait injustice à dire qu’il fut toujours inconnu. Les hommes de la dernière génération entendirent parler de lui comme d’un des coryphées du libéralisme. Durant un moment, — une toute petite minute, — son nom eut, dans certains milieux, à peu près le même retentissement que ceux de Tchaadaïeff, de Biélinsky, de Granovsky et de Hertzen qui débutait alors à l’étranger. Malheureusement, à peine commencée, la carrière active de Stépan Trophimovitch s’interrompit, brisée qu’elle fût, disait-il par le «tourbillon des circonstances». À cet égard, il se trompait. Ces jours-ci seulement j’ai appris avec une extrême surprise, — mais force m’a été de me rendre à l’évidence, — que, loin d’être en exil dans notre province, comme chacun le pensait chez nous, Stépan Trophimovitch n’avait même jamais été sous la surveillance de la police. Ce que c’est pourtant que la puissance de l’imagination! Lui-même crut toute sa vie qu’on avait peur de lui en haut lieu, que tous ses pas étaient comptés, toutes ses démarches épiées, et que tout nouveau gouverneur envoyé dans notre province arrivait de Pétersbourg avec des instructions précises concernant sa personne. Si l’on avait démontré clair comme le jour au très-honorable Stépan Trophimovitch qu’il n’avait absolument rien à craindre, il en aurait été blessé à coup sûr. Et cependant c’était un homme fort intelligent…

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J’espère que vous apprécierez ce livre.

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Trinité – Andreï Roublev

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La « Trinité » , également appelée « Hospitalité d’Abraham » , est une icône de la Sainte Trinité, peinte par Andrei Rublev au XVe siècle. C’est l’une des icônes russes les plus célèbres, et aussi la plus célèbre de ses œuvres. C’est l’une des deux œuvres survivantes (avec les fresques de Vladimir) qui, selon les scientifiques, lui appartiennent authentiquement. Elle est maintenant dans l’une des salles de la galerie Tretiakov.

Andrei Rublev, dont la « Trinité » est perçue par beaucoup comme la preuve même de l’existence de Dieu, a été canonisé par l’Église orthodoxe russe en 1988. À titre posthume, il est devenu le premier artiste canonisé.

La célèbre icône “Trinity” d’Andrei Rublev a quitté la galerie Tretiakov pour la première fois depuis 1917 et a été transportée dans la laure Trinity-Sergius pour deux jours le 17 juillet 2022.

Aujourd’hui, le 19 juillet 2022, “L’icône de la Sainte Trinité de Saint Andrei Rublev est revenue à la Galerie nationale Tretiakov et est actuellement étudiée par les restaurateurs. Le musée a ajouté que: “Il n’y a aucun signe visible de détérioration de l’état de cette œuvre la plus importante de l’art russe ancien”. Et après un examen détaillé et complet de l’icône, une décision sera prise sur le moment du retour de la «Trinité» dans l’exposition de la galerie.

Троица – Андрей Рублев Trinité : Andreï Roublev

Andrei Rublev est né à la fin des années 60 du XIVe siècle dans la petite ville de Radonezh, non loin de la Trinity-Sergius Lavra. Les historiens pensent que dans sa jeunesse Andrei était un novice de ce monastère, puis il a pris le rang de moine. En 1380, lors de la bataille de Kulikovoin, Rublev était déjà membre de l’artel princier des artisans, qui se déplaçait de ville en ville et s’occupait de la construction et de la décoration des églises. Comme tout maître médiéval, il ne signait pas ses œuvres, et son nom était rarement mentionné dans les annales. Néanmoins, des recherches minutieuses menées par des historiens de l’art russe ancien suggèrent qu’il était un moine du monastère de la Trinité-Sergius, pour la cathédrale de la Trinité dont il a peint son chef-d’œuvre.

Il y a 2 opinions sur la question de la datation de l’icône. Elle aurait pu être peinte pour l’église en bois du monastère de la Trinité, construite par l’higoumène Nikon après l’invasion d’Edigey. Dans ce cas, les érudits datent l’icône à 1412. Mais d’autres déterminent les années 20 du 15ème siècle reliant son origine à la cathédrale en pierre du monastère, fondée en 1422. Il est possible que l’hégumène Nikon, qui devint l’abbé du monastère de la Trinité-Sergius après Sergius de Radonezh, n’ait pas aimé que la Trinité en pierre blanche nouvellement érigée ne soit pas décorée de peintures. Anticipant sa mort imminente et souhaitant achever de son vivant la décoration de la cathédrale, Nikon fait appel à Andrei Rublev et Daniil Cherny.

Cathédrale de la Trinité de la Laure Trinité-Sergius

C’étaient des peintres célèbres, « beaux grands, supérieurs à tous et parfaits en vertu ». Leur travail consistait non seulement à peindre le temple avec des fresques, ils devaient également peindre un grand nombre d’icônes pour une iconostase à plusieurs niveaux. De son vivant, Hegumen Nikon voulait non seulement voir le temple décoré, mais il voulait aussi faire peindre une icône, qui devait devenir le monument principal “à la louange de Sergius de Radonezh”

Cette planche du peintre d’icônes devint rapidement un modèle pour tous les créateurs ultérieurs d’images de la Sainte Trinité et en 1551, la cathédrale Stoglavy annonça que toutes les images futures devaient s’y conformer. En 1575, le tsar Ivan le Terrible ordonna de le décorer d’un salaire en or, également appelé riza en or. Un salaire est une décoration suspendue fixée au-dessus d’une peinture d’icônes, couvrant l’ensemble du panneau d’icônes au-dessus de la couche de peinture, à l’exception de quelques éléments significatifs. Il ferme l’image picturale, laissant ouverts les visages, les bras et les jambes. Par la suite, les salaires ont également été modifiés par d’autres rois et l’icône elle-même a été mise à jour conformément aux idées des artistes de l’époque.

Авторство: монтаж участника shakko. Собственная работа, CC BY-SA 3.0
Comment le public voyait « Trinity » avant 1904 : salaire plus huile siccative noircie (photocollage).

La restauration de l’aspect original de l’œuvre n’a été entreprise qu’en 1904. Ici, nous pouvons voir l’icône en 1904 avec le salaire juste supprimé. La peinture originale est cachée sous une couche de peinture de la fin du XIXe siècle.

Et une photo de “Trinity” après l’achèvement du nettoyage de Guryanov. 1904.

Les couleurs «aérées», transparentes, dans lesquelles nos contemporains voient souvent l’intention d’un auteur particulier, créant la couleur et l’atmosphère de la «Trinité» de Rublev, rendant les figures d’anges minces et incorporelles sont une conséquence des restaurations et des rénovations.

Sur les instructions de la Commission pour la protection des monuments d’art et des antiquités de la laure Trinité-Sergius, ils sont revenus à la restauration de la Trinité en 1918. A cette époque, l’icône était déjà considérablement endommagée et nécessitait un stockage spécial, cependant, elle n’a été transféré à la collection de la galerie Tretiakov qu’en 1929. Pendant la guerre, en 1941, la Trinité a été évacuée à Novossibirsk et est revenue de l’évacuation en octobre 1944.

Chaque année, l’icône est transférée à l’église lors de la fête de la Trinité, mais en 2007, l’icône a été transportée au bâtiment de Krymsky Val car elle avait été endommagée pendant le transport et avait besoin de renforts supplémentaires.

Maintenant, l’icône est stockée dans un boîtier d’icône spécial et son état est stable, mais il y a des dommages irréversibles.

La Sainte Trinité de Rublev est écrite selon une histoire biblique de l’Ancien Testament, selon laquelle trois anges pèlerins sont venus à Abraham avec la bonne nouvelle : il aura un fils qui deviendra l’ancêtre de tout le peuple juif. Mais il y a aussi de nombreuses références importantes à tous les points clés de la Bible. L’Icon incarne beaucoup, tout en restant assez simple.

La forme qui exprime le plus clairement l’idée de la consubstantialité des trois hypostases de la Sainte Trinité, dans l’icône Rublev, est le cercle qui est à la base de la composition.

Sur l’Icône, nous voyons trois anges réunis autour de la table, sur laquelle se dresse le bol sacrificiel, pour une conversation calme et sans hâte.

Trois anges sont l’incarnation du Dieu unique. Ceci est indiqué par un certain nombre de symboles importants. Tout d’abord, ils sont vêtus de robes d’azur qui symbolisent leur essence surnaturelle. Le prototype du Père est un ange assis au milieu. Ceci est indiqué par ses robes violettes royales décorées de clavius (rayures verticales de l’épaule au bord inférieur). L’ange du milieu est déterminé non seulement par sa position centrale, mais aussi par sa monumentalité. Le tour de tête et la courbure de la main droite de l’ange central expriment le principe moteur impérieux et puissant, qui est le moment initial et décisif de la composition. Mais puisque chacun des anges possède des sceptres de pouvoir, on peut parler d’une trinité.

Dieu le Fils est symbolisé ici par l’ange assis à droite. Sa tête est baissée très humblement et sa main est la plus proche du bol. Si nous nous souvenons de la phrase biblique “Et une branche sortira de la racine de Jessé, et une branche poussera de sa racine”, alors il devient immédiatement clair que l’ange droit personnifie Dieu le Fils. Aussi selon Oulianov, « … l’himation de l’ange droit est ceint de droite à gauche. Et selon la coutume russe, sur un homme mort, les vêtements n’étaient pas attachés du côté droit, comme dans la vie, mais du côté gauche, comme sur une femme.

Le troisième ange, situé à gauche, devient la personnification du Saint-Esprit.

La combinaison du bleu et du rouge n’est inhérente qu’aux vêtements des anges du milieu et de gauche symbolisant le dogme de la procession de la grâce du Saint-Esprit. Les contours et les plis de leurs robes sont fragiles et légers, l’harmonie des couleurs bleu, bleu bleuet, vert pâle, jaune doré est pure, derrière leur dos se trouvent des ailes, dans leurs mains de fins bâtons et autour de leur tête des auréoles lumineuses.

L’image contient plus que les anges divins. En arrière-plan, une église ou une entrée de la maison d’Abraham est visible, et la silhouette d’un arbre qui pourrait être l’arbre de la connaissance du jardin d’Eden, et en même temps ce pourrait être le chêne sous lequel Abraham s’est reposé .

En regardant de plus près, vous pourrez voir une montagne, située dans le coin supérieur droit, qui devient un symbole du Golgotha, vers lequel Jésus est monté avec sa croix. Ancien symbole de tout ce qui est sublime, dans la Bible, la «montagne» est l’image du «ravissement de l’esprit», c’est pourquoi les événements les plus significatifs s’y déroulent.

L’icône “Trinity” d’Andrei Rublev est inscrite dans une composition circulaire. Les artistes italiens de cette époque ont également inscrit des groupes d’entités angéliques dans une composition circulaire pour un plus grand symbolisme. Mais la composition de Rublev est remarquablement différente de la composition classique. Le cercle est imperceptible à première vue, et en regardant cette œuvre d’art plus en détail, on peut constater que tout ici s’inscrit dans une structure circulaire, symbolisant la trinité, ainsi que l’éternité, l’infini.

Même les têtes des anges sont inclinées, permettant à la silhouette globale de former organiquement un seul cercle. Il a longtemps symbolisé l’éternité, le cercle vicieux de l’existence humaine, de la naissance du monde à la fin, qui devient un nouveau commencement. Dans le contexte des trois anges, il est également interprété comme un symbole de la trinité du Dieu chrétien.

De nombreux chercheurs attirent l’attention sur le fait que la «Trinité» a été créée pendant la période de confrontation entre les princes russes et le joug tatar-mongol et ont souligné le besoin d’unité. Paix, harmonie et amour, voilà ce à quoi Andrei Rublev appelait ses contemporains. C’était un appel à unir tout le peuple russe, un appel basé sur une profonde conscience philosophique de la structure du monde, de la cohésion morale des peuples.

J’espère que vous avez apprécié cette icône autant que moi

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La Fille aux Pêches de Valentin Serov

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Le tableau “Fille aux Pêches” (“Девочка с персиками”) est un chef-d’œuvre reconnu de l’artiste russe Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) (Серов Валентин Александрович). Il a été peint en 1887 et est une peinture à l’huile sur toile mesurant 91 x 85 cm, maintenant situé dans la Galerie nationale Tretiakov à Moscou. C’est l’une des premières et des plus importantes œuvres dans la direction de l’impressionnisme russe auquel elle a ouvert la voie. Ce tableau mêle plusieurs genres : il y a un paysage, une nature morte, et un portrait.

Valentin Serov est allé pour la première fois au domaine d’Abramtsevo en 1875 avec sa mère et, en grandissant, il a continué à visiter souvent le domaine.

Serov a peint “La Fille aux Pêches” alors qu’il n’avait pas encore 22 ans. Valentin Aleksandrovich a cherché à créer non seulement un portrait, mais une image vivante qui reflètait un moment de la vie. Il a été inspiré par la beauté et la spontanéité de Verusha et a invité Vera Mamontova, 11 ans, à poser après l’avoir vue courir dans la maison, prendre une pêche et s’asseoir à table. Vera a posé pour Serov tous les jours pendant près de deux mois.

L’expressivité de l’image est donnée par des détails lumineux, un jeu de reflets et la jeune image de l’héroïne du portrait. L’artiste a placé la jeune fille dans une atmosphère de journée ensoleillée insouciante, avec des pêches mûres et dans une salle à manger confortable. La particularité de ce portrait était que Serov y a ajouté des éléments de nature morte (des fruits sur la table, un couteau, des feuilles) et, un paysage (un jardin à l’extérieur de la fenêtre). Cette technique a permis d’élargir le sens général de l’image.

Au centre de la composition se trouve la fille de Mamontov, Verochka. Elle est assise à une grande table recouverte d’une nappe blanche, et il y a plusieurs chaises à haut dossier à proximité. Les objets dans la pièce indiquent que la jeune fille vit dans une famille aisée, et de nombreuses chaises dans la salle à manger rappellent une famille nombreuse.

La fille est vêtue d’un chemisier ample rose clair avec un col rabattu et un nœud bouffant. Ce nœud bouffant raconte le caractère romantique et lumineux de la fille. Il n’y a aucun sentiment qu’elle se préparait à poser. L’artiste a délibérément laissé ses cheveux tels qu’ils étaient, formant des boucles indisciplinées. Elle a certainement gambadé dans le jardin et veut courir pour rejouer. Il semble difficile pour elle de rester assise. Il y a une rougeur sur ses joues, la faisant ressembler aux pêches qui se trouvent sur la table. Le regard heureux de la jeune fille dit qu’elle vit parmi des gens qui l’aiment.

Elle tient une pêche dans ses mains, qui ont l’air très bronzées. On peut dire que la jeune fille a passé l’été à l’extérieur de la ville. Trois autres fruits et un couteau à découper en argent reposent sur la table à proximité. Les pêches sont magnifiquement combinées avec des feuilles jaunes qui parlent du moment de la maturation des fruits. On voit que les objets n’ont pas été disposés exprès, mais le moment a été choisi spontanément. Les pêches ont leur propre histoire. Elles ont été élevés dans une serre par un jardinier spécialement engagé par le propriétaire du domaine. Ces fruits témoignent de la prospérité des propriétaires du domaine et d’un penchant pour l’exotisme.

La jeune fille est entourée de divers objets. On voit les dossiers des chaises autour de la table à manger. Derrière la fille se trouve une figure de grenadier, rappelant les enfants de la maison.

Il y a une assiette peinte sur le mur. L’assiette est dessinée en hommage à Savva Mamontov, qui aimait les arts de la poterie.

Un autre détail qui reflète un impressionniste intuitif exceptionnel chez Serov est le bord aléatoire de la composition. La porte à droite de la jeune fille, une moitié de chaise coupée par le cadre donnent à l’image un aspect de réalité, spontané et détendu. L’historien de l’art Mark Copshitzer a noté : « une chaise, dont une partie est capturée sur toile, a sa continuation au-delà de l’espace du tableau, elle marque le début du monde entier qui n’apparaissait pas sur la toile, avec ses chaises et ses tables, et d’autres pêches, et les autres filles ».

Derrière la fenêtre, le jardin commence à jaunir. L’été touche à sa fin. Les feuilles d’érable, à leur tour, sont représentées parce que l’artiste a commencé à travailler sur la toile au plus fort de l’été et n’a terminé qu’en septembre. De plus, les feuilles d’érable d’automne créent un contraste particulier par rapport aux pêches mûres, rappelant la fugacité de tout et la nécessité de profiter du soleil, ainsi que de tout ce qui se passe autour.

Serov a obtenu un fantastique effet de légèreté et de fraîcheur en plaçant la source lumineuse derrière le modèle. Brillant à travers les feuilles, les rayons du soleil se reflétant sur la nappe et le chemisier de la fille, il ajoute du rose et de l’or à l’espace autour du sujet. Des couleurs chaudes et délicates, une douce lumière réfléchie, beaucoup d’air étaient inhabituels pour la peinture russe de ces années.

La principale différence avec les toiles des autres portraitistes est la plénitude de la lumière. Le personnage principal est assis devant la fenêtre et est bien éclairé, les reflets du soleil sur tous les objets, sur les cheveux et les vêtements. La lumière dissout les contours des objets, ce qui rapproche l’œuvre des toiles des impressionnistes français.

La déclaration de l’auteur lui-même sur l’idée de l’image a été conservée. Il a écrit qu’il voulait obtenir une fraîcheur particulière dans sa peinture. La fille était censée avoir l’air sur la peinture de la même manière que ce jour d’été. L’image lumineuse de Vera coïncidait avec la façon dont l’artiste imaginait la beauté. L’auteur rêvait de transmettre sur toile la joie de vivre qui entourait et habitait la jeune fille.

L’artiste a superbement réussi. Avec lui, nous admirons le monde insouciant de l’enfance. Ces moments sont particulièrement précieux car ils passent vite. La fugacité du temps est rappelée par les feuilles d’automne au premier plan de l’image et par l’automne qui vient à l’extérieur de la fenêtre. Vous pouvez sentir le message philosophique dans l’image. L’artiste montre la fugacité du temps. L’été change très vite et la jeunesse passe aussi vite.

J’espère que vous avez apprécié ce tableau autant que moi.

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