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Découvrez le tableau « La Halte des prisonniers » de Valery Ivanovich Jacobi

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« La Halte des prisonniers » (Привал арестантов) est une peinture de genre de l’artiste russe Valery Yakobi (Валерия Якоби) achevée en 1861. Il s’agit d’une huile sur toile de 98,6 × 143,5 cm située à la Galerie d’État Tretiakov. Il est difficile d’imaginer la peinture de genre russe des années 60 du XIXe siècle sans ce tableau de Valery Ivanovich Jacobi, qui a créé la véritable histoire de la servitude pénale royale. C’est l’un des chefs-d’œuvre du 19ème siècle, et ce tableau de Valery Jacobi est immédiatement entré dans l’histoire de l’art.

Le tableau « La Halte des prisonniers» a été présenté par Valery Yakobi à la fin de ses études à l’Académie des Arts. Pour ce tableau, l’Académie lui a décerné le titre d’artiste de classe du 1er degré et aussi une grande médaille d’or.

En 1861-1862, la toile a été exposée avec un grand succès à l’exposition de l’Académie des Arts – l’écrivain Fiodor Dostoïevski a noté que la peinture de Jacobi « étonne avec une fidélité étonnante » et le public l’aime « plus que quiconque à l’exposition actuelle »

Ce travail a fait une grande impression sur le public, qui a accepté de manière assez vivante les réformes de l’empereur Alexandre II.

Les critiques ont qualifié ce travail de franc et d’actualité. Tout le monde était unanime dans ses déclarations: le maître a réussi à dépeindre les problèmes réels de la société. Ce travail est devenu le summum du travail de l’artiste.

Valery Jacobi a été le premier des artistes russes à se tourner vers un tel sujet. Le choix du sujet n’était pas accidentel. Valery Ivanovich a passé son enfance et sa jeunesse dans l’est de la Russie, où il a personnellement observé les condamnés qui ont été conduits devant la maison où vivait l’artiste. Les souvenirs étaient si fermement ancrés dans sa tête que l’image recréée de mémoire frappe par son réalisme et sa force.

La collection de la Galerie d’État Tretiakov contient également une esquisse graphique pour le tableau « Halte des prisonniers »

Cette première esquisse de composition pour la future toile a été soumise par Valery Jacobi pour approbation au Conseil de l’Académie des Arts en 1860. Elle est réalisée dans une technique purement de contour, et les figures sont soulignées par une ligne continue.

Selon la description de l’historien de l’art Alexeï Sidorov , « d’un bord des figures, cette ligne est mince et ressemble à un trait de cutter ou à une aiguille sèche dans un croquis gravé sur cuivre ; de l’autre bord des mêmes figures, la ligne se resserre, devient plus épaisse, plus noire, donne dans une certaine mesure aux figures <… > relief»; une telle interprétation ressemble à un « bas-relief en marbre ».

Un autre croquis de 36,5 × 58,7 cm, a été exécuté à l’aquarelle et blanc sur papier. Il est daté de 1861 et est conservé au Musée d’État russe. En outre, le Musée russe possède une copie réduite de la peinture du même nom, une huile, papier sur toile, de la fin des années 1860 – 1870. Elle mesure 53 × 75 cm, et a été reçu en 1963 du Musée d’Etat de la Révolution.

La peinture représente un groupe de prisonniers s’arrêtant pour une pause. Probablement, cet arrêt a été forcé et causé par la panne de l’un des chariots.

Jacobi concentre son attention principale sur le groupe autour du prisonnier décédé et les proches qui l’ont suivi le long de la scène, assis au jalon. Dans le même temps, l’artiste utilise une technique académique traditionnelle, mettant en évidence les personnages principaux de l’image avec de la lumière, les regroupant dans l’esprit des « pyramides » classiques. Il a réussi à transmettre une gamme complexe de sentiments: du désespoir d’une famille qui a perdu une personne pour laquelle ils se sont lancés dans un voyage épuisant, à l’indifférence d’un officier de gendarmerie qui s’est penché sur un prisonnier mort. Le reste des exilés est représenté sans détail, par des silhouettes sombres. Le contraste d’un ciel orageux sombre et d’une lumière vive traversant la couverture dense de nuages, la prédominance des tons gris et bruns renforce le drame de la scène.

La Charte « Sur les exilés » fixait et réglementait la procédure d’escorte, les questions du transport des exilés sur des charrettes, la prévention des évasions, les femmes, les hommes libres et les morts.

Dans ce travail, Jacobi a réussi avec une persuasion extraordinaire à présenter divers types sociaux – d’un clochard à un prisonnier intellectuel et politique, dont la vie a été écourtée en cours de route.

Sur une route brisée sous un ciel de plomb avec de faibles nuages de pluie, debout près de la charrette se trouve un officier de scène, qui avec un calme indifférent constate la mort d’un prisonnier (en ouvrant ses yeux), afin de le laisser sur la route et d’aller plus vite.

Le personnage central de la composition est le prisonnier décédé. Il a une apparence intelligente, mais est tellement émacié qu’il ressemble à un vieil homme. Le prisonnier mort est recouvert d’e’un tapis. Sur sa main gauche, suspendu sans vie, il porte une bague. L’effet du désespoir de la vie est renforcé par un autre détail: un autre prisonnier s’est glissé sous la charrette et essaie de retirer la bague du doigt du défunt. Dans une situation aussi critique, l’essence humaine se manifeste.

Un homme, vêtu d’un caftan fortement déchiré, tient un cheval attelé.

Sur le côté droit de l’image au premier plan se trouve un prisonnier assis en haillons, qui examine la blessure sur sa jambe, frottée avec des chaînes.

Dans le coin gauche de l’image se trouvent les familles des prisonniers qui se sont volontairement exilés avec leurs maris et leurs pères. Elles sont épuisées et affaiblies. Cependant, personne ne se retire et ils iront jusqu’au bout, mais tout le monde ne reviendra pas. Ils pleurent déjà les morts…

À proximité, on voit un prisonnier fumer une pipe. Il semble qu’il soit complètement indifférent à son propre destin, il suit le courant, ne pensant pas à demain.

L’intrigue se poursuit avec un groupe de combattants et une longue lignée d’exilés, escortés par un convoi, perdus au loin… Cette ligne horizontale est soulignée par une mince ligne parallèle d’un troupeau d’oiseaux, se dissolvant dans les nuages. Toute la scène est représentée par l’artiste sur fond de steppe d’automne ouverte, sous un ciel couvert de lourds nuages gris. Le paysage sombre ne fait qu’accentuer l’impression sombre que l’image fait ….

J’espère que vous avez apprécié cette peinture autant que moi

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Discover the painting “Plowman L.N. Tolstoy on arable land” by Ilya Efimovich Repin

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“Plowman L.N. Tolstoy on arable land” was painted by Ilya Efimovich Repin in 1887. It is an oil painting on cardboard of 27.8 X 40.3 cm situated in the State Tretyakov Gallery in Moscow. It is a household portrait painted in a realistic style, which is similar to a photograph. This painting, despite the ambiguous opinion of his contemporaries and numerous caricatures, remains one of the canonical images of the outstanding classic of Russian literature.

The lithograph from the painting was published in 1887 by A. A. Ilyin’s Cartographic Establishment. . We know that the publication aroused the displeasure of the Tolstoy family, who considered it undesirable “to distribute a picture depicting him in his most intimate life, because of a letter dated september 28, 1887 in which the family’s wish “not to expose this drawing to the public, not to distribute and not to sell” was expressed. Only on November 10, 1887 will Tolstoy agree to the publication as a result of his correspondence with V.V. Stasov, V.G. Chertkov, I.E. Repin and N.N..

For a week in August 1887, Repin stayed with the Tolstoys in Yasnaya Polyana. There he painted two large pictorial portraits of Tolstoy, and in addition, the artist made many drawings from the inhabitants of Yasnaya Polyana and a small pictorial painting “Plowman L.N. Tolstoy on arable land”. This small picture has not only artistic significance, but also documentary value.

We know that in the 1970s, a profound turning point took place in Tolstoy’s life. Like the hero of his story “After the Ball” Ivan Vasilyevich, the writer was painfully looking for an answer to the question: “How to live?”. He strove to leave that circle of wealthy people who do not know labor, but to which he belonged by birth. Tolstoy wanted to fill his life with work; He created novels, taught children at the school he founded, plowed the land, helping the poorest peasants, learned to make boots, etc. He considered simple physical labor to heal a person both physically and spiritually.

Repin recalled how the painting “Plowman L.N. Tolstoy on arable land” appeared:

“One hot August day, in the very sun, after breakfast, Lev Nikolayevich was going to plow the widow’s field … For six hours, without rest, he plowed the black earth with a plow, then going uphill, then going down the sloping terrain to the ravine. I had an album in my hands, and, without wasting time, I stood in front of the middle of the line of his passage and caught the features of the moment the entire cortege passes by me. This lasted less than a minute, and, to double the time, I made a transition through the plowing to the opposite point, about twenty paces away, and stood there again, waiting for the group. I checked only the contours and size ratios of the shapes; shadows after, from one point, at one moment.”

Repin made a sketch in his notebook, on which he later painted the original. The work was created in his usual technique: without fine detail, he was able to convey the impression of live action.

Another, less known sketch also attributed to Repin has been preserved. On this one, the famous plowman seems arrogant, and the peasants watching him look with irony. Each of the horse appears to have its own character: one meekly “corrects its service”, the other seems to demonstrate liveliness and rebelliousness .

Description of the painting

In the center are two white horses. One is harnessed to the plow, the second pulls the harrow. The horses are not from the master’s stables: the ridge and mosses appear, the bellies sag, which is typical when feeding with hay alone.

The whole appearance of Tolstoy, his demeanor is emphasized, simple, ordinary, everyday and at the same time deeply meaningful, individual. He does not look at the viewer, giving all his attention to his work. It gives the impression of a randomly seen scene. In Tolstoy we see a purely Russian face, more like a peasant than an aristocratic gentleman, ugly, with irregular features, but very significant, intelligent; a taut, proportionate figure, in which one can see the peculiar grace and free naturalness of a well-mannered person – such is that versatile and extremely specific characteristic of Tolstoy’s appearance, which makes him unlike anyone else. The careful fixation of all these features allowed Repin to convincingly convey through the external appearance the essence of the nature of the person being portrayed, all its complexity and inconsistency. Having portrayed the famous writer, busy with simple peasant labor , the artist managed to convey the calm and everyday life of what is happening.

Using soft colors, Repin gave a natural shade to the plowed land, greenish-yellow fields that have not yet been touched by a plow, a gray strip of forest on the horizon.

The plot of Repin’s work was widely replicated during the lifetime of the classic. It could be seen on knife handles, porcelain, cologne bottles, various embroideries and souvenirs. In 1908, a whole series was published to coincide with the writer’s anniversary. Sometimes such popularity gave rise to jokes. One of them: “They report to Tolstoy:“ Sir, it’s time to plow. ”

I hope you enjoyed this painting as much as I did. You can also check out our article about Leo Nikolayevich Tolstoy: Who is Leo Nikolayevich Tolstoy?

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Découvrez le tableau «Le laboureur LN Tolstoï sur les terres arables» d’Ilya Efimovich Repine

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«Le laboureur LN Tolstoï sur des terres arables» a été peint par Ilya Efimovich Repin en 1887. Il s’agit d’une peinture à l’huile sur carton de 27,8 x 40,3 cm située dans la galerie nationale Tretiakov à Moscou. Il s’agit d’un portrait de famille peint dans un style réaliste, qui s’apparente à une photographie. Ce tableau, malgré l’opinion ambiguë de ses contemporains et de nombreuses caricatures, reste l’une des images canoniques du grand classique de la littérature russe.

La lithographie de la peinture a été publiée en 1887 par l’établissement cartographique d’AA Ilyin. On sait que la publication a suscité le mécontentement de la famille Tolstoï , qui jugeait indésirable « de diffuser un tableau le représentant dans sa vie la plus intime, en raison d’une lettre datée du 28 septembre 1887 dans laquelle le souhait de la famille « de ne pas exposer ce dessin au public, de ne pas distribuer et de ne pas vendre » a été exprimé. Ce n’est que le 10 novembre 1887 que Tolstoï acceptera la publication à la suite de sa correspondance avec VV Stasov, VG Chertkov, IE Repine et NN.

Pendant une semaine en août 1887, Repine séjourna chez les Tolstoï à Yasnaya Polyana. Là, il a peint deux grands portraits picturaux de Tolstoï, de plus, l’artiste a fait de nombreux dessins des habitants de Yasnaya Polyana et une petite peinture picturale «Laboureur LN Tolstoï sur des terres arables». Cette petite image a non seulement une signification artistique, mais aussi une valeur documentaire.

On sait que dans les années 1970, un tournant profond s’est opéré dans la vie de Tolstoï. Comme le héros de son histoire «Après le bal» Ivan Vasilyevich, l’écrivain cherchait péniblement une réponse à la question: «Comment vivre?». Il s’efforça de sortir de ce cercle de riches qui ne connaissent pas le travail, mais auquel il appartenait de naissance. Tolstoï voulait remplir sa vie de travail ; Il a créé des romans, enseigné aux enfants à l’école qu’il a fondée, labouré la terre, aidé les paysans les plus pauvres, appris à fabriquer des bottes, etc. Il considérait le simple travail physique pour guérir une personne à la fois physiquement et spirituellement.

Repine a rappelé comment le tableau «Laboureur LN Tolstoï sur des terres arables» est apparu:

«Une chaude journée d’août, en plein soleil, après le petit déjeuner, Lev Nikolayevich allait labourer le champ de la veuve… Pendant six heures, sans repos, il a labouré la terre noire avec une charrue, puis en montant, puis en descendant le terrain en pente jusqu’au ravin. J’avais un album entre les mains, et, sans perdre de temps, je me suis planté devant le milieu de la file de son passage et j’ai saisi les traits de l’instant où tout le cortège passe à côté de moi. Cela a duré moins d’une minute, et, pour doubler le temps, j’ai fait une transition à travers le labour jusqu’au point opposé, à une vingtaine de pas, et je suis resté là à attendre le groupe. J’ai vérifié uniquement les contours et les rapports de taille des formes; des ombres après, à partir d’un point, à un moment donné.

Repine a fait un croquis dans son cahier, sur lequel il a ensuite peint l’original. L’œuvre a été créée dans sa technique habituelle : sans détails fins, il a pu donner l’impression d’action en direct.

Une autre esquisse moins connue également attribuée à Repine a été conservée. Sur celle-ci, le célèbre laboureur semble arrogant, et les paysans qui le regardent le regardent avec ironie. Chacun des chevaux semble avoir son propre caractère : l’un « exécute » docilement son service, l’autre semble faire preuve de vivacité et de rebellion.

Description de la peinture

Au centre se trouvent deux chevaux blancs. L’un est attelé à la charrue, le second tire la herse. Les chevaux ne proviennent pas des écuries du maître : la crête et les creux apparaissent, les ventres s’affaissent, ce qui est typique lorsqu’on se nourrit uniquement de foin.

Toute l’apparence de Tolstoï, son comportement est souligné, simple, ordinaire, quotidien et en même temps profondément significatif, individuel. Il ne regarde pas le spectateur, accordant toute son attention à son travail. Cela donne l’impression d’une scène vue au hasard. On voit chez Tolstoï un visage purement russe, plus paysan qu’aristocratique, laid, aux traits irréguliers, mais très significatif, intelligent; une figure tendue et proportionnée, dans laquelle on peut voir la grâce particulière et le naturel libre d’une personne bien élevée – telle est cette caractéristique polyvalente et extrêmement spécifique de l’apparence de Tolstoï, qui le rend différent de tout autre. La fixation minutieuse de toutes ces caractéristiques a permis à Repine de transmettre de manière convaincante à travers l’apparence extérieure l’essence de la nature de la personne représentée, toute sa complexité et son incohérence. Après avoir dépeint le célèbre écrivain, occupé par de simples travaux paysans, l’artiste a réussi à transmettre le calme et ce qui se passe dans la vie quotidienne.

Utilisant des couleurs douces, Repine a donné une teinte naturelle à la terre labourée, des champs jaune verdâtre qui n’ont pas encore été touchés par une charrue, une bande de forêt grise à l’horizon.

L’intrigue du travail de Repine a été largement reproduite pendant la durée de vie du classique. On pouvait le voir sur des manches de couteaux, de la porcelaine, des bouteilles d’eau de Cologne, diverses broderies et des souvenirs. En 1908, toute une série est publiée à l’occasion de l’anniversaire de l’écrivain. Parfois, une telle popularité a donné lieu à des blagues. L’une d’elles: «Ils rapportent à Tolstoï:« Monsieur, il est temps de labourer. ”

J’espère que vous avez apprécié ce tableau autant que moi. Vous pouvez également consulter notre article sur Léon Nikolaïevitch Tolstoï : Qui est Léon Nikolaïevitch Tolstoï ?

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Discover the painting “The Spring” by Arkady Plastov

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Arkady Alexandrovich Plastov (Аркадий Александрович Пластов) (1893–1972) was born in a family of hereditary icon painters, and made a great contribution to the development of Russian culture. Beginning in 1935, he has been creating genre paintings, in which he embellished the life of the Soviet village. So an important place in his work was occupied by the image of the everyday life of peasants against the backdrop of their beautiful country.

The painting “Spring” is an oil on canvas which was painted in 1952. it is a genre scene from the life of a young peasant woman who came to the spring to get clean water. Effectively, there was no running water in the villages at this period, and someone had to go sometimes far to get water with buckets.

In the foreground we see a girl standing on logs holding a yoke with large iron buckets in her hands.

The barefoot girl is dressed in a beautiful light dress with a miniature pattern, and a clean white scarf frames her head, from under which thick golden braids peek out.

The heroine of the picture is serious and completely focused on the process of collecting water.

One of the bucket is already full, while she fills the other with a stream of clean, transparent water from a small spring. We can see splashing water on the side of the bucket, which creates the dynamics of the composition of the canvas. We can also admire how clean and transparent is the water that the artist managed to paint. The crystal freshness of cool water illuminated by the warm summer sun is literally felt.

Under the bucket, the spilled water formed a small pond, which was overgrown with reeds.

Behind the girl’s back we see a lot of greenery, which occupies a large area of the work. The vegetation is quite high and dense, which means that the spring is practically not noticeable from the outside. In the upper part of the picture, a blue sky with white clouds is slightly visible.

The color scheme is quite warm. This is expressed in the yellow-green colorful strokes of plants and the girl’s scarlet blush. Also, solar accents are shown in the color spots of her clothes. There is a battle of contrasts. Light tones contrast with dark ones. Thus, the harmony of the painted picture is created.

This canvas by Arkady Plastov perfectly cheers up and evokes the warmest and most positive feelings. Due to the calm plot, pleasant shades of colors, the harmony of nature and peasant life is conveyed.

I hope you enjoyed this painting as much as I did

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Découvrez le tableau « La Source » d’Arkady Plastov

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Arkadi Alexandrovitch Plastov (Аркадий Александрович Пластов) (1893-1972) est né dans une famille de peintres d’icônes héréditaires et a apporté une grande contribution au développement de la culture russe. À partir de 1935, il a crée des peintures de genre, dans lesquelles il a embellit la vie du village soviétique. Ainsi, une place importante dans son travail a été occupée par l’image de la vie quotidienne des paysans dans le contexte de leur beau pays.

Le tableau «La Source » est une huile sur toile qui a été peinte en 1952. c’est une scène de genre de la vie d’une jeune paysanne qui venait à la source pour obtenir de l’eau potable. Effectivement, il n’y avait pas d’eau courante dans les villages à cette époque, et quelqu’un devait parfois aller loin pour aller chercher de l’eau avec des seaux.

Au premier plan, nous voyons une fille debout sur des bûches tenant un joug avec de grands seaux en fer dans ses mains.

La fille aux pieds nus est vêtue d’une belle robe légère avec un motif miniature, et une écharpe blanche propre encadre sa tête, sous laquelle d’épaisses tresses dorées se montrent.

L’héroïne de l’image est sérieuse et complètement concentrée sur le processus de collecte de l’eau.

L’un des seaux est déjà plein, tandis qu’elle remplit l’autre d’un jet d’eau propre et transparente provenant d’une petite source. Nous pouvons voir des éclaboussures d’eau sur le côté du seau, ce qui crée la dynamique de la composition de la toile. On peut aussi admirer à quel point l’eau que l’artiste a réussi à peindre est propre et transparente. La fraîcheur cristalline de l’eau fraîche éclairée par le chaud soleil d’été est littéralement ressentie.

Sous le seau, l’eau déversée forme un petit étang envahi de roseaux.

Derrière le dos de la fille, nous voyons beaucoup de verdure, qui occupe une grande partie de l’œuvre. La végétation est assez haute et dense, ce qui signifie que la source n’est pratiquement pas perceptible de l’extérieur. Dans la partie supérieure de l’image, un ciel bleu avec des nuages blancs est légèrement visible.

La palette de couleurs est assez chaude. Cela s’exprime dans les traits colorés jaune-vert des plantes et les joues écarlates de la fille. En outre, des accents solaires sont montrés dans les taches de couleur de ses vêtements. Il y a une bataille de contrastes. Les tons clairs contrastent avec les tons sombres. Ainsi, l’harmonie de l’image peinte est créée.

Cette toile d’Arkady Plastov réconforte parfaitement et évoque les sentiments les plus chaleureux et les plus positifs. En raison de la tranquillité de la scène, des nuances de couleurs agréables, l’harmonie de la nature et de la vie paysanne est véhiculée.

J’espère que vous avez apprécié cette peinture autant que moi

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Discover the painting of “The Flying Carpet” by Vasnetsov

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“ Flying Carpet ” is an oil on canvas of 165×297 cm painted by the famous painter Viktor Mikhailovich Vasnetsov in 1880, This painting is currently in the Nizhny Novgorod State Art Museum.

This is the second picture of Vasnetsov, in which he turned to fairy tales and myths. We already wrote about his first picture which was “The Knight at the Crossroads“.

The plot of the “ Flying Carpet ” is the fairy tale story of Ivan Tsarevich, who went after the Firebird, which got into the habit of stealing apples in the royal garden.

According to Vasnetsov himself, the picture was supposed to express the greatness of Russian traditions and to represent a symbol of victory over space. “ Flying Carpet ” reflects faith in the bright future of the Russian people, and in this work, the painter put all his love for folk art and his own understanding of the wisdom of folk epics.

The story of the “Flying Carpet” began with Savva Mamontov, a philanthropist who was the chairman of the board of the Donetsk railway. He ordered three canvases that would reflect the endless possibilities for people to move after the construction of the Donetsk railway track, and insisted on a fantastic plot, which was displayed in Vasnetsov’s canvas “Flying Carpet”. In this painting, the magical means of transportation was to become a symbol of the fastest transport, an allegorical illustration of the awakening of a new railway direction.

However, the members of the board considered fairy-tale motifs inappropriate in the working atmosphere of the office, so the philanthropist bought the canvas and for a long time, the painting remained in Mamontov’s personal collection.

At first, the artist’s idea was different from the final version of the painting. Two people were supposed to fly on the carpet – the Tsarevich and his beloved, who bowed her head on Ivan’s shoulder.

But after a long search, Vasnetsov left only one hero on the carpet, handing him a cage with an unprecedented trophy – a firebird.

Each image in this picture has its own symbolic meaning. If you look closely at the canvas, you will immediately notice that the upper part of the picture is brighter and more saturated. The pink shades with which the sun adorned the sky symbolically indicate the victory of the hero of the fairy tale, who overcame all difficulties. He was able to escape from the chase and caught the Firebird, which got into the habit of stealing apples in the royal garden. But the Firebird is the only full-fledged source of light in the picture. Even the moon, visible in the background, cannot compare with it. And to depict the real world, Vasnetsov used already dark and gloomy halftones and shades.

Each character is made so realistically that looking at this canvas, it involuntarily seems that such a carpet really exists somewhere.

Ivan Tsarevich, the Firebird and the Flying Carpet stand out as a bright colorful spot against the background of a lifeless and dull landscape. Bright colors symbolize the triumph of a person’s dream come true.

The magic carpet is depicted in flight and the tsar stands on it to his full height. Ivan himself is the personification of courage. The carpet simply hurries across the sky, and this is visible thanks to the way the clothes of the prince and his hair are moving.

The flying carpet is accompanied by three birds. They are depicted in the same colors as the world around them. These large owls fly in front of the carpet and may show him the way. The magic carpet is full of outlandish patterns, some of which are painfully reminiscent of magical runes and may be the reason why the carpet can fly. This magical carpet itself looks like a huge bird with a curved head and wide-open wings with the corners of the weaving product playing the role of its two wings and the canvas slightly arched upwards making this part similar to the back of a bird. When looking at the picture, it is noticeable that the carpet floats smoothly through the air. It soars over the expanses of Russia, majestically rises above the forests and thick fog. Watching this work, one can appreciate how wide the country is.

Ivan Tsarevich standing on the carpet like a captain on a heavenly ship is a sign of victory, self-confidence. He is not afraid to fall, and confidently looks into the distance. It serves as proof that there are no insurmountable obstacles. It can be seen that Ivan Tsarevich hurries through the boundless plains with rivers and fields. He returns from a long journey to the thirtieth kingdom where he managed to capture the magical firebird.

The whole facial expression and posture of Ivan Tsarevich expresses pride from the test he has passed. His appearance is interesting and his clothes delight and amazes with their wealth and luxury. He is dressed in a caftan with long robe which is embroidered with beautiful patterns. The whole caftan is decorated with gilding, and there are many precious stones on the cap. Such clothes were worn in Russia only by noble and rich people. On the prince’s belt is an embroidered bag containing the key to the cage. The sword-treasurer shimmers from the gilding with which it is decorated, and a thick chain hangs around the neck of the hero of the picture, to which a gold cage was attached.

Viktor Vasnetsov has depicted the cage in detail. It is all openwork and wonderful, and at the top, each lattice ends with unusual figures of dragons, in whose teeth there are bells. When the cage sways, a pleasant and melodic ringing is heard.

A beautiful Firebird sits on a thin and graceful perch, and from this firebird an unusual bright light spreads around. The artist uses white for its image, which symbolizes its purity. The Firebird is a symbol of happiness, joy and good luck, but unfortunately, not every person manages to catch one. The shining Firebird in the cage is like a big lantern that lights the way home. Even on a dark night, it shows the way to Tsarevich Ivan, who having achieved his goal, strives to go home.

Everything that happens in the picture takes the viewer to the end of the day, at its very sunset, when the crescent of the moon is already beginning to weakly break through the clouds. You can see not only the sky, but also what lies far below: this is a wonderful forest, and magnificent fields, and a gentle river.

This painting of “The Flying Carpet”, painted in 1880, has become so popular today that its reproductions can be found not only in many private houses and apartments, but also in institutions such as schools, kindergartens or clinics in Russia. And not only an adult, but also every child, without hesitation, will say who its author is and what it is called.

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Découvrez le tableau de « Le tapis volant » de Vasnetsov

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« Le Tapis volant ” est une gigantesque huile sur toile de 165×297 cm peinte par le célèbre peintre Viktor Mikhailovich Vasnetsov en 1880, Cette peinture est actuellement au Musée d’art d’État de Nijni Novgorod.

C’est la deuxième image de Vasnetsov, dans laquelle il s’est tourné vers les contes de fées et les mythes. Nous avons déjà écrit sur sa première photo qui était « Le Chevalier à la croisée des chemins ».

L’intrigue du ” Tapis volant ” est l’histoire de conte de fées d’Ivan Tsarevich, qui a poursuivi un phoenix, qui a pris l’habitude de voler des pommes dans le jardin royal.

Selon Vasnetsov lui-même, l’image était censée exprimer la grandeur des traditions russes et représenter un symbole de victoire sur l’espace. « Le Tapis volant ” reflète la foi dans l’avenir brillant du peuple russe, et dans cette œuvre, le peintre a mis tout son amour pour l’art populaire et sa propre compréhension de la sagesse des épopées populaires.

L’histoire du « tapis volant » a commencé avec Savva Mamontov, un philanthrope qui était le président du conseil d’administration du chemin de fer de Donetsk. Il a commandé trois toiles qui refléteraient les possibilités infinies pour les gens de se déplacer après la construction de la voie ferrée de Donetsk, et a insisté sur une intrigue fantastique, qui a été exposée dans la toile de Vasnetsov « Tapis volant ». Dans ce tableau, le moyen de transport magique devait devenir un symbole du transport le plus rapide, une illustration allégorique de l’éveil d’une nouvelle direction ferroviaire.

Cependant, les membres du conseil d’administration ont considéré les motifs de conte de fées inappropriés dans l’atmosphère de travail du bureau, de sorte que le philanthrope a acheté la toile et pendant longtemps, le tableau est resté dans la collection personnelle de Mamontov.

Au début, l’idée de l’artiste était différente de la version finale du tableau. Deux personnes étaient censées voler sur le tapis – le tsarévitch et sa bien-aimée, qui inclinait la tête sur l’épaule d’Ivan.

Mais après une longue recherche, Vasnetsov n’a laissé qu’un seul héros sur le tapis, lui remettant une cage avec un trophée sans précédent – un oiseau de feu.

Chaque image de cette image a sa propre signification symbolique. Si vous regardez attentivement la toile, vous remarquerez immédiatement que la partie supérieure de l’image est plus lumineuse et plus saturée. Les nuances roses avec lesquelles le soleil ornent le ciel indiquent symboliquement la victoire du héros du conte de fées, qui a surmonté toutes les difficultés. Il a pu échapper à la poursuite et a attrapé l’oiseau de feu, qui a pris l’habitude de voler des pommes dans le jardin royal. Mais l’oiseau de feu est la seule source de lumière à part entière sur l’image. Même la lune, visible en arrière-plan, ne peut pas se comparer à lui. Et pour dépeindre le monde réel, Vasnetsov a utilisé des demi-tons et des nuances déjà sombres.

Chaque personnage est fait de manière si réaliste qu’en regardant cette toile, il semble involontairement qu’un tel tapis existe vraiment quelque part.

Ivan Tsarevich, l’oiseau de feu et le tapis volant se distinguent comme un point coloré et lumineux sur le fond d’un paysage sans vie et terne. Les couleurs vives symbolisent le triomphe du rêve d’une personne devenu réalité.

Le tapis magique est représenté en vol et le prince se tient dessus debout. Ivan lui-même est la personnification du courage. Le tapis se presse simplement à travers le ciel, et ce qui est visible grace aux mouvements des vêtements du tsar et de ses cheveux.

Le tapis volant est accompagné de trois oiseaux. Ils sont représentés dans les mêmes couleurs que le monde qui les entoure. Ces grands hiboux volent devant le tapis et peuvent lui montrer le chemin. Le tapis magique est plein de motifs bizarres, dont certains rappellent douloureusement les runes magiques. Cela peut être la raison pour laquelle le tapis peut voler. Ce tapis magique lui-même ressemble à un énorme oiseau avec une tête incurvée et des ailes grandes ouvertes avec les coins du produit de tissage jouant le rôle de ses deux ailes, de plus la toile légèrement arquée vers le haut rend cette partie similaire au dos d’un oiseau. En regardant l’image, on remarque que le tapis semble flotter en douceur et rapidement dans l’air. Il s’élève au-dessus des étendues de la Russie, s’élève majestueusement au-dessus des forêts et du brouillard épais. En regardant ce travail, on peut apprécier à quel point le pays est vaste.

Ivan Tsarévitch debout sur le tapis comme un capitaine sur un navire céleste, est un signe de victoire, de confiance en soi. Il n’a pas peur de tomber et regarde avec confiance au loin. C’est la preuve qu’il n’y a pas d’obstacles insurmontables. On peut voir qu’Ivan Tsarévitch se dépêche à travers les plaines sans limites avec des rivières et des champs. Il revient d’un long voyage vers le trentième royaume où il a réussi à capturer l’oiseau de feu magique.

Toute l’expression faciale et la posture d’Ivan Tsarevich exprime la fierté du test qu’il a réussi. Son apparence est intéressante et ses vêtements ravissent et étonnent par leur richesse et leur luxe. Il est vêtu d’un caftan avec une longue robe qui est brodée de beaux motifs. Tout le caftan est décoré de dorures, et il y a beaucoup de pierres précieuses sur le bonnet. De tels vêtements n’étaient portés en Russie que par des gens nobles et riches. Sur la ceinture du prince se trouve un sac brodé contenant la clé de la cage. L’épée-trésorier scintille de la dorure avec laquelle elle est décorée, et une épaisse chaîne pend autour du cou du héros de l’image, à laquelle une cage en or a été attachée.

Viktor Vasnetsov a représenté la cage en détail. Tout est ajouré et merveilleux, et au sommet, chaque treillis se termine par des figures inhabituelles de dragons, dans les dents desquels il y a des cloches. Lorsque la cage se balance, une sonnerie agréable et mélodique se fait entendre.

Le bel oiseau de feu est assis sur un perchoir mince et gracieux, et autour de cet oiseau de feu une lumière brillante inhabituelle se propage. L’artiste utilise le blanc pour son image, qui symbolise sa pureté. L’oiseau de feu est un symbole de bonheur, de joie et de chance, mais malheureusement, tout le monde ne parvient pas à en attraper un. L’oiseau de feu brillant dans la cage est comme une grande lanterne qui éclaire le chemin du retour. Même par une nuit sombre, il montre le chemin au tsarévitch Ivan, qui, ayant atteint son objectif, s’efforce de rentrer chez lui.

Tout ce qui se passe dans l’image emmène le spectateur à la fin de la journée, à son coucher de soleil, lorsque le croissant de lune commence déjà à percer faiblement les nuages. Vous pouvez voir non seulement le ciel, mais aussi ce qui se trouve loin en dessous: c’est une forêt merveilleuse, et de magnifiques champs, et une rivière douce.

Cette peinture du « Tapis volant », peinte en 1880, est devenue si populaire aujourd’hui que ses reproductions peuvent être trouvées non seulement dans de nombreuses maisons et appartements privés, mais aussi dans des institutions telles que des écoles, des jardins d’enfants ou des cliniques en Russie. Et non seulement un adulte, mais aussi chaque enfant, sans hésitation, dira qui est son auteur et comment il s’appelle.

J’espère que vous avez apprécié cette peinture autant que moi

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Discover the poem “Prophet” by Alexander Pushkin

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“The Prophet” («Пророк») was written by Alexander Pushkin (Александр Пушкин) in 1826 and immediately gained wide popularity. This poem became central to Pushkin’s philosophical reflections, and a kind of program for action, a guide in life and work for many writers and followers of the great poet. The idea expressed in “The Prophet” gave a powerful impetus to many subsequent generations of poets. … Continue reading

Painting “Cry of prophet Jeremiah on the Ruins of Jerusalem” (on a Bible subject) by Ilya Repin – 1870

«Пророк» Александра Пушкина	“Prophet” by Alexander Pushkin

Духовной жаждою томим, В пустыне мрачной я влачился, — И шестикрылый серафим На перепутье мне явился.	I dragged my flesh through desert gloom, Tormented by the spirit’s yearning, And saw a six-winged Seraph loom, Upon the footpath’s barren turning.

Перстами легкими как сон Моих зениц коснулся он. Отверзлись вещие зеницы, Как у испуганной орлицы.	And as a dream in slumber lies So light this light his finger on my eyes. My wizard eyes grew wide and wary; An eagle’s startled from the eyrie

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Découvrez le poème « Prophète » d’Alexandre Pouchkine

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« Le Prophète » (« Пророк ») a été écrit par Alexandre Pouchkine (Александр Пушкин) en 1826 et a immédiatement gagné une grande popularité. Ce poème est devenu central dans les réflexions philosophiques de Pouchkine, et une sorte de programme d’action, un guide dans la vie et l’œuvre pour de nombreux écrivains et disciples du grand poète. L’idée exprimée dans « Le Prophète » a donné un puissant élan à de nombreuses générations ultérieures de poètes. Continuer la lecture

“Cri du prophète Jérémie sur les ruines de Jérusalem” (sur un sujet biblique) d’Ilya Repin – 1870

«Пророк» Александра Пушкина	« Prophète » par Alexandre Pouchkine

	Traduit par Akirill.com

Духовной жаждою томим, В пустыне мрачной я влачился, — И шестикрылый серафим На перепутье мне явился.	La soif spirituelle me tourmentais, Dans le désert sombre, j’ai erré, Et un Séraphin à six ailes À la croisée des chemins, m’est apparu.

Перстами легкими как сон Моих зениц коснулся он. Отверзлись вещие зеницы, Как у испуганной орлицы.	De ses doigts légers comme un songe, Il toucha mes prunelles. Mes prunelles s’écarquillèrent voyantes; Comme celles d’un aigle effarouché.

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The Knight at the Crossroad by Viktor Mikhailovich Vasnetsov

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Viktor Mikhailovich Vasnetsov (Виктор Васнецов) is a famous Russian painter, founder of the fairy-tale epic genre . The master created several versions of The Knight at the Crossroads. The first one was completed in 1877 and is significantly different from the subsequent ones. “The knight at the Crossroads” («Витязь на распутье») is an oil on canvas of 167 by 308 cm and was completed in 1882. It is now in the St. Petersburg State Russian Museum.

This is one of the philosophical works of the painter, and it encourages the viewer not only to contemplate, but also to think. And to think not only about the fate of the hero, but also about the deeper and eternal problems of good and evil, justice and deceit But also about the problem of choosing a future path in life, which probably disturb every person.

“Warrior in a helmet with chain mail” 1877

The first pencil sketches of “The knight at the Crossroads” appeared in the early 1870s. His “Forerunner” can be considered the picture of Viktor Mikhailovich “Warrior in a helmet with chain mail”, painted by him in 1877.

“The Knight at the Crossroads” is a painting by the famous Russian artist Viktor Mikhailovich Vasnetsov. His inspiration for the creation of “The Knight at the Crossroads” was the old Russian epic “Ilya Muromets and the Robbers”: Once on the path of the hero there was a stone with a curious inscription.

According to the prediction, if Ilya turns in one direction – he will be killed, in the other – he will marry, in the third – he will gain wealth.

The man decided to try his luck and drove along the road that was supposed to bring him death. He met forty robbers, but managed to cope with them. Then he returned to the stone and wrote that the prediction did not come true. The same happened with other tracks. It seemed that the hero managed to deceive fate itself …

part of «Витязь на распутье» Виктора Васнецова

Ahead, the artist depicted a black cloud which can be a warning to Ilya Muromets of danger. But then the sky is clear and a little pinkish, probably the dawn, giving us hope. It might show that the path will be difficult and dangerous, but still lead to good. Probably, the knight will still decide to go ahead and defeat all dangers.

Initially, the author conceived to draw “The Knight at the Crossroads” facing the viewer. However, later Vasnetsov changed his mind and focused not on the key character, but on his confusion and difficulty in choosing a path.

In front of the hero there is a stone on which it is written that if you go straight, it is impossible for anyone to stay alive. Because many years have passed, all other inscriptions on the stone have been erased. Ilya Muromets understands that he has only one path that will lead him to death.

Usually fairy tales and epics talk about three roads that are offered to the traveler to choose from. However, on his canvas, Vasnetsov decided to deviate from this important point. With this technique, he visually strengthened the disturbing plot of the picture, leaving the epic hero without an alternative choice of path.

Almost immediately behind the stone, solid earth turns into unsteady swampy soil. In the future, there is nothing that could inspire gratifying hope. There is a narrow path that goes to the left, winding between boulders. It leads to no one knows where and gradually dissolves. The prophetic stone says nothing about it. There is no third road, as it should be in fairy tales.

In the center of the work is Ilya Muromets. He is known as the most courageous and strong hero in Russia. His back is turned to us, so we do not see his face. His strong body is now relaxed and his shoulders slumped as if he had traveled for a very long time and was tired. We can see that he did not rush his horse across the wide field since only the tips of his boots were inserted into the stirrups. The hero is dressed in battle armor. Behind him is a large heavy round shield. A brown leather quiver, decorated with metal decorative overlays, is attached to the belt. The quiver is full of arrows. A massive mace hangs from the side. In his right hand, the knight holds a long, sharp spear on a red shaft. It is lowered with the tip down, the slightly bent arm of the hero weakly squeezes it. The warrior is calm and self-confident, ready even for an unexpected meeting with the enemy. On his feet he has high light green boots with a gilded edging at the top of the top.

The whole image speaks of his meditation, the figure of the hero is majestic and powerful. Thoughtfulness is visible in the bowed head. His spear is also tilted down. The author shows the unity between him and his brave friend, the horse, because despite the fact that the horse stands confidently, its head is tilted.

The spear that the warrior holds in his hand deserves special attention. The canvas depicts an infantry spear which is intended for foot soldiers. The riders were armed with cavalry. It is noteworthy that in previous studies there was no such feature. Perhaps the rider is ready to lose his horse at any moment, and therefore it is the infantry spear in his hand.

The heroic horse is a match for the hero himself. It is strong, sleek, with a thick mane hanging almost to the ground, a silky tail, and powerful legs that firmly step on the ground. And now he meekly and patiently stands, with its head down, as if it was making a difficult decision. or maybe waiting for the decision of his master.

The terrain is depicted as swampy, there is almost no vegetation, stones are also scattered in the most gloomy tones.

Bones of people and animals are scattered across the field. And right in front of the stone we see the skulls of a man and a horse. Apparently, at one time they decided to cross the line on which the stone-prophet stands, but the prediction came true. Now black crows are circling over the field in anticipation of new prey.

The beautiful picture captures the moment of doom. At that moment, the knight does not yet know how his journey will end, and whether what the inscription on the stone predicts will come true. The picturesque plot of Vasnetsov’s creation fascinates with its fabulousness, tragedy, faith in the triumph of good over evil and darkness. and let us wonder if fate determines the fate of a person, or if we are responsible for our own lives.

I hope you enjoyed this painting as much as I did

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