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Discover the famous painting “The Rooks Have Arrived” by Alexey Savrasov

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“The Rooks Have Arrived” is considered Savrasov’s most famous work. In this painting the Russian artist showed an example of a new vision of the world, very realistic and superior to the classics. “The Rooks Have Arrived” opened the way for the lyrical style in Russian painting, and marked a new milestone in the development of Russian landscape painting”. Connoisseurs of painting liked the painting so much that the artist had to repeat the painting several times.

“The Rooks Have Arrived” (Грачи прилетели) is an oil on canvas of 62X48.5 cm painted by Alexei Savrasov (Алексей Саврасов) in 1871. It is a realistic landscape which is now in the State Tretyakov Gallery.

The picture depicts a spring day, overcast, but according to the first messengers of spring which are the rooks, the spring is already felt and is not far away. The first spring birds fuss on three gnarled birch trees: Young couples build new nests, old birds renew last year’s ones.

"The Rooks Have Arrived" by Alexey Savrasov

Alexei Savrasov, began to write the future masterpiece in March 1871 in the village of Molvitino (now renamed Susanino) where he made only sketches, finalizing the main part in his Moscow workshop.

Almost half of the canvas is occupied by the sky. Cumulus clouds roam it, the colors of the sky change from whitish-gray to pale blue, a very spring color. It gives the picture an extraordinary lightness.

The sun brightly illuminates birch trunks, a wooden fence, the roofs of village huts, and the hipped bell tower of the Resurrection Church. Another sign that, despite the abundance of gray and bluish shades, Savrasov depicted a sunny day are the thin shadows from tree trunks on the snow.

"The Rooks Have Arrived" part birches and birds by Alexey Savrasov

In the foreground of the picture are several twisted, still bare birches. Their thin branches are directed upwards, towards the sun. There are many black rooks making their nests, flying from branch to branch, busying themselves. It is the arrival of these rooks that is a symbol of the coming spring. They are known to be migratory birds. They leave their nests in autumn, but return to these warm lands again in spring. We can also see the traces of birds on the snow. There is a willow hidden behind the bare birches which also serves as a metaphor for the resurrection: with its branches, an analogue of palm branches in a cold climate, Palm Sunday was traditionally celebrated in Rus’.

At the foot of the birches there are dark, thawed patches in the snow, and small puddles can already be seen, which is a sign that it is getting warmer outside. To convey the color of snow, the artist uses various shades of white, bluish, gray. In the distance, in the sun, the icy crust seems even light golden.

Blue-gray sky is reflected in the pond, which has already got rid of the ice. Bare trees are also visible in it. Savrasov added a little pale green color in the area where a juniper bush is visible in the water. .

"The Rooks Have Arrived" part church by Alexey Savrasov

There is an inconspicuous rural church with a hipped bell tower visible behind the birches reminding us of the resurrection of Christ. . The walls of the temple and the hexagonal bell tower are white, peeling plaster is visible here and there. The architecture of the church suggests that we have before us an ancient building that has stood in the village for hundreds of years. It is the Orthodox Church of the Resurrection of Christ in the village of Molvitino (now Susanino). The church was built at the end of the 17th century and still stands there now.

"The Rooks Have Arrived" part fields by Alexey Savrasov

Behind the church, endless fields open up with snow that has not completely melted yet.

On the bottom left the artist signed his painting.

"The Rooks Have Arrived" signature by Alexey Savrasov

To enhance the spatial sound of the image, Savrasov slightly disturbed the perspective. The foreground of the picture is depicted in such a way that the artist seems to be close to the ground. But from this angle , the horizon would have to be quite low, while in the picture it is depicted approximately in the middle of the canvas, at the level of church domes. This was done by the artist in order to better show the flat distances, which play an important semantic and figurative role in the picture.

In this painting, the artist most accurately and believably depicted the Russian landscape, the Russian soul, and their nature.

In 1997, when the 100th anniversary of the death of the great artist was celebrated, the Central Bank of Russia issued a commemorative silver coin with a portrait of Alexei Savrasov depicted on it and a fragment of his famous painting “The Rooks Have Arrived”.

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Découvrez le tableau « Calme » de Nikolai Nikanorovich Dubovskoy

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Le tableau « Calme » (Притихло), appelé « paysages d’humeur » est l’une des œuvres les plus célèbres et les plus significatives de Nikolai Dubovskoy (Николай Дубовской). Il s’agit d’un paysage qui est une huile sur toile de 76,5 X 128 cm achevé en 1890 et appartenant aujourd’hui au Musée d’État russe de Saint-Pétersbourg. La peinture a été exposée pour la première fois à la 18ème exposition de l’Association de l’Exposition d’Art Itinérante avec un grand succès. L’empereur Alexandre III l’a immédiatement acheté, et Nikolaï Dubovskoy a dû en faire une répétition pour Pavel Tretiakov qui voulait également l’acheter. La répétition de 86 X143 cm se trouve à la Galerie d’État Tretiakov à Moscou.

Nikolai Dubovskoy - Quiet - 1890 — Nikolai Dubovskoy – Quiet – 1890

Lors de la peinture du tableau «Calme», l’artiste a utilisé un croquis peint sur la côte baltique. Dans l’une de ses lettres, Nikolai Dubovskoy a écrit: « Le motif de la création de cette image était ce sentiment excitant qui a pris possession de moi à plusieurs reprises en observant la nature à un moment de silence avant un gros orage ou dans les intervalles entre deux orages, quand il est difficile de respirer, quand vous sentez votre insignifiance à l’approche des éléments. Cet état de nature – le silence avant un orage – peut être exprimé en un mot, «Calme». C’est le titre de mon tableau. »

Il y a plusieurs autres répétitions de l’auteur de la peinture. L’une de 1896, se trouve au musée d’art de Poltava. Une autre, datée de 1913-1915, appartient au musée d’art régional de Samara.

Il y a aussi une répétition d’auteur non datée qui se trouve au Musée régional des beaux-arts de Rostov, ainsi qu’au Musée national d’art de Biélorussie. Il y a une répétition intitulée « Un nuage approche » de 1912 qui se trouve au Musée Novocherkassk de l’histoire des Cosaques du Don.

La collection Musée-Réserve historique, artistique et architectural de Vladimir-Souzdal comprend également une répétition de l’huile sur toile de 69 × 112 cm des années 1890, et dans la galerie d’art régionale de Vologda, il y a une répétition de « Calme. Un nuage arrive », daté de 1912.

A cloud is coming (1912, NMIDC) — *A cloud is coming* (1912, NMIDC)

Une autre de 1890, également une huile sur toile de 85,6 × 133 cm est dans la collection du Zimmerli Museum de l’Université Rutgers situé à New Brunswic, New Jersey, États-Unis.

Description de la peinture

La peinture représente un paysage marin. Des nuages d’orage occupant presque toute la partie supérieure, pendent au-dessus de l’eau. Leur partie supérieure éclairée par le soleil ressemble à du coton blanc et la partie inférieure est remplie de noirceur inquiétante.

Il n’y a pas de vent, et les nuages clairs et sombres se reflètent dans l’eau lisse et noircie.

Au loin, vous pouvez voir la bande sombre de la côte, sur laquelle se trouvent des maisons d’un village. Les cimes rouge orangé vif des arbres et des buissons, se détachant sur le fond d’une forêt sombre, soulignent la tension de l’atmosphère.

Nikolai Dubovskoy - Quiet - 1890 - part boat — Nikolai Dubovskoy – Quiet – 1890 -part boat

Si vous regardez de près, sur la surface lisse et presque brillante de l’eau, vous pouvez voir un petit bateau qui se déplace vers le rivage avec un rameur. Mais la terre est encore loin, ce qui ne peut qu’inspirer la peur chez le propriétaire de ce bateau. Il semble que ce petit navire soit tellement sans défense contre un orage qui approche qu’il est sur le point de se perdre quelque part dans les vagues de la mer.

L’état de nature tendu avant la tempête est clairement ressenti, en regardant les nuages de pluie menaçants, il semble que quelque chose de terrible est sur le point de se produire. Mais le sentiment d’impuissance d’une personne devant les éléments naturels, exprimé par Dubovsky dans le tableau « Calme », ne doit pas être pris comme son contenu principal. On ne peut pas supposer que le but de l’artiste était la glorification des éléments et son pouvoir sur les gens. En témoigne le fait que pour l’image, il n’a pas choisi la tempête elle-même, mais le moment qui la précède. Un petit bateau se dirigeant vers le rivage et s’efforçant de l’atteindre le plus rapidement possible ne souligne pas du tout l’impuissance d’une personne car nous ne savons pas si le rameur atteindra le rivage en toute sécurité, cependant, dès que nous le remarquons, nous ne pouvons que souhaiter qu’il atteigne le rivage en toute sécurité.

J’espère que vous avez apprécié cette peinture autant que moi

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Discover the painting “Quiet” by Nikolai Nikanorovich Dubovskoy

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The painting “Quiet” (Притихло), which is referred as “landscapes of mood” is one of the most famous and most significant works of Nikolai Dubovskoy (Николай Дубовской). It is a landscape which is an oil on canvas of 76.5 X 128 cm completed in 1890 and now belonging to the State Russian Museum of Saint Petersburg. The painting was first exposed at the 18th exhibition of the Association of Traveling Art Exhibition with great success. Emperor Alexander III immediately purchased it, and Nikolai Dubovskoy had to make a copy for Pavel Tretyakov who also wanted to buy it. The copy of 86 X143 cm is in the State Tretyakov Gallery in Moscow.

When painting the painting “Quiet”, the artist used a sketch painted on the Baltic coast. In one of his letters, Nikolai Dubovskoy wrote: “The motive for creating this picture was that exciting feeling that took possession of me many times when observing nature at a moment of silence before a big thunderstorm or in the intervals between two thunderstorms, when it is difficult to breathe, when you feel your insignificance at the approach of the elements. This state in nature – the silence before a thunderstorm – can be expressed in one word, “Quiet”. This is the title of my painting.”

There are several more author’s repetitions of the painting. One from 1896, is in the Poltava Art Museum. Another one, dated 1913-1915, belongs to the Samara Regional Art Museum.

There is also an undated author’s repetition is in the Rostov Regional Museum of Fine Arts, as well as in The National Art Museum of Belarus. There is a repetition called “A cloud is approaching” from 1912 which is in the Novocherkassk Museum of the History of the Don Cossacks.

The collection Vladimir-Suzdal Historical, Artistic and Architectural Museum-Reserve also include a repetition of the oil on canvas of 69 × 112 cm from 1890s, and in the Vologda Regional Art Gallery there is a repetition of “Quiet. A cloud is coming”, dated 1912.

Another one from 1890, also an oil on canvas of 85.6 × 133 cm is in the collection of the Zimmerli Museum of Rutgers University situated in New Brunswic, New Jersey, USA.

The painting depicts a seascape. Thunderclouds occupying almost the entire upper part, hang over the water. Their upper part illuminated by the sun, resembles white cotton wool, and the lower part is filled with ominous blackness.

There is no wind, and light and dark clouds are reflected in the smooth and blackened water.

In the distance you can see the dark strip of the coast, on which there are houses of some village. Bright orange-red crowns of trees and bushes, standing out against the background of a dark forest, emphasize the tension of the atmosphere.

If you look closely, on a smooth, almost glossy surface of the water, you can see a tiny boat that is moving towards the shore with a rower. But the land is still far away, which cannot but inspire fear in the owner of this boat. It seems that this small ship is so defenseless against an approaching thunderstorm that it is about to get lost somewhere in the sea waves.

The tense state of nature before the storm is clearly felt, looking at the menacing rain clouds, it seems that something terrible is about to happen. But the feeling of a person’s helplessness in front of the natural elements, expressed by Dubovsky in the painting “Quiet”, should not be taken as its main content. It cannot be assumed that the artist’s goal was the glorification of the elements and its power over people. This is evidenced by the fact that for the image he chose not the storm itself, but the moment preceding it. A small boat heading towards the shore and striving to reach it as quickly as possible does not at all emphasize the impotence of a person as we do not know whether the rower will reach the shore safely, however, as soon as we notice him, we cannot but wish that he reaches the shore safely.

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Histoire des chambres de Kikin

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Les chambres de Kikin sont l’un des plus anciens bâtiments de Saint-Pétersbourg. Ce bâtiment est inclus dans le registre d’État unifié des objets du patrimoine culturel de la Russie. Le manoir qui a été reconstruit plusieurs fois se trouve dans la rue Stavropolskaya entre l’ancien Institut de recherche en ingénierie de radio de Leningrad et un immeuble résidentiel construit au début de notre siècle.

Авторство: Alex ‘Florstein’ Fedorov, CC BY-SA 4.0,

C’est la seule maison d’Alexander Kikin qui existe encore de nos jours.

Alexander Vasilyevich Kikin était un noble éminent et l’un des associés de Pierre le Grand. Il a accompagné le tsar dans la campagne d’Azov, puis est parti étudier la construction navale en Hollande. Après avoir été nommé chef de l’Amirauté de Saint-Pétersbourg en 1708, il a reçu le grade de conseiller de Pierre pour l’Amirauté en 1712.

Alexandre est devenu l’une des personnes les plus riches de Russie et a commencé à se construire un manoir. Malheureusement, lorsqu’un conflit éclata entre Pierre Ier et le tsarévitch Alexei, Kikin aida Alexei à se cacher à l’étranger et scella son propre destin. En 1718, avant que son manoir ne soit terminé, il fut placé en garde à vue, puis condamné à être roulé et il est mort d’une mort douloureuse sur le billot.

Les chambres Kikin ont été confisquées et toutes les propriétés de Kikin sont allées au trésor. Le palais d’hiver se dresse maintenant sur le deuxième terrain de Kikin.

La construction des chambres a commencé en 1714 et s’est terminée en 1720. Il est présumé que A. Schluter était l’architecte du bâtiment. Sa construction s’est déroulée en deux étapes. Initialement, la partie centrale de la maison était à deux étages et deux ailes à un étage, destinées aux besoins domestiques, la jouxtaient des deux côtés.

Les fenêtres et les portes des chambres Kikin étaient encadrées de chambranles et le toit était recouvert de tuiles plates. Le bâtiment avait des risalits latérales, qui étaient des corniches situées au centre et sur les côtés des façades. Leur caractéristique était la présence de boucles décoratives complexes, les soi-disant volutes et omoplates. Ils remplissaient non seulement des fonctions décoratives, mais aussi constructives, car ils contribuaient au renforcement du mur. Les chambres de Kikin étaient décorées d’un porche, auquel de petits escaliers menaient des deux côtés. Des balustres blancs leur donnaient un aspect spécial et solennel. Le bâtiment était orné de frontons et couronné d’un haut toit avec une fracture. La disposition interne de la structure était très similaire à la disposition des pièces du Grand Palais de Peterhof. En 1720, un second étage est construit sur les ailes latérales.

Une fois la construction des chambres terminée, la célèbre Kunstkamera et la bibliothèque de Pierre Ier ont été placées à l’intérieur où elles sont restées jusqu’en 1727.

Après l’exécution du propriétaire en 1718, la population croyait que le fantôme de Kikin errait dans la maison et peu de gens voulaient voir la collection appartenant au tsar. Le tsar recourant à la ruse, promit à tous ceux qui visitaient la Kunstkamera un verre de vodka ou une tasse de café afin de mieux faire connaitre les sciences naturelles. Cela fonctionna et l’exposition a eu de plus en plus de visiteurs.

De plus, Natalya Alekseevna, la sœur du tsar, a installé l’un des premiers théâtres de la ville dans une partie du bâtiment.

Il y a une légende bien connue qui dit qu’une fois Pierre le Grand, marchant le long des rives de la Neva, vit une branche d’arbre, qui a miraculeusement poussé dans son tronc et a décidé de construire un nouveau bâtiment pour la Kunstkamera où il a transféré sa collection en 1727.

Dans les années 1720, les Kikin Chambers ont été reconstruites par un architecte inconnu.

En 1733, un hôpital, un bureau et le quartier général des cavaliers militaires ont été ouverts dans les Chambres de Kikin. Lors de la construction de casernes pour le régiment des cavaliers militaires à côté des chambres, qui ont été adaptées pour l’infirmerie et le bureau du régiment, FB Rastrelli a érigé un clocher avec un dôme et une croix sur la partie médiane des chambres. La Grande Salle servait alors d’église régimentaire.

Au 19ème siècle, le bâtiment a été gravement endommagé. En 1829, les chambres de Kikin sont reconstruites selon le projet d’Alexander Staubert. Il fit preuve d’une extrême négligence dans sa démarche et détruisit tout le riche décor baroque qui ornait la façade de la maison. Les pilastres ont été enlevés, la superstructure-clocher de Rastrelli a été démolie. Les murs étaient recouverts de plâtre et il a ajouté 2 pièces au bâtiment du côté du remblai. En 1874, deux escaliers symétriques ont été ajoutés au bâtiment du côté Neva.

Pendant le siège de Leningrad, les chambres de Kikin ont été gravement endommagées par des bombes et des obus, et le bâtiment a été incendié à plusieurs reprises. Cependant, c’est à cette époque que le plâtre appliqué lors de la dernière restauration est tombé, laissant apparaître la façade d’origine du début du XVIIIe siècle.

Cela a permis de commencer à recréer les façades dans les formes de l’architecture pétrinienne.

Immédiatement après la guerre, la mise en œuvre d’un projet ambitieux de l’architecte I. Benois a commencé à redonner aux chambres Kikin leur aspect historique. Les pilastres ont été remis à leur place, les superstructures ultérieures du bâtiment ont été démolies et des frontons ont été attachés aux chambres des deux côtés. La restauration a été achevée en 1956.

En 1979, les autorités de Saint-Pétersbourg ont transféré les chambres Kikin à l’école de musique pour enfants n ° 12. Depuis 1995, l’école a été transformée en lycée musical de Saint-Pétersbourg, qui se trouve encore aujourd’hui dans ce bâtiment.

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History of Kikin chambers

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Kikin chambers is one of the oldest building in Saint Petersburg. This building is included in the Unified State Register of Cultural Heritage Objects of Russia. The mansion which was rebuilt several times is on Stavropolskaya street between the former Leningrad Radio Engineering Research Institute and a residential building built at the beginning of our century.

It is the only house of Alexander Kikin that still exist nowadays.

Alexander Vasilyevich Kikin was a proeminent nobleman and one of the associates of Peter the Great. He accompanied the tsar in the Azov campaign, then went to study shipbuilding in Hollands. After having been appointed head of the Saint Petersburg Admiralty in 1708, he was awarded the rank of Peter’s adviser for the Admiralty in 1712.

Alexander became one of the richest person in Russia and began to build himself a mansion. Sadly when a conflict arose between Peter I and Tsarevich Alexei, Kikin helped Alexei hide abroad sealing his own fate. In 1718, before his mansion was finished, he was taken into custody, sentenced to be wheeled and died a painful death on the chopping block.

The chambers were confiscated and all the properties of Kikin went to the treasury. The Winter Palace stands on Kikin’s second land plot now.

The construction of the chambers began in 1714 and ended in 1720. It is presumed that A. Schluter was the architect of the building. Its construction was carried out in two stages. Initially, the central part of the house was two-story, and two one-story wings, which were intended for household needs, adjoined it on both sides.

The windows and doorways of the Kikin chambers were framed with platbands, and the roof was covered with flat tiles. The building had side risalits, which were ledges located in the center and on the sides of the facades. Their feature was the presence of intricate decorative curls, the so-called volutes and shoulder blades. They performed not only decorative functions, but also constructive, as they contributed to the strengthening of the wall. Kikin’s chambers were decorated with a front porch, to which small stairs led from both sides. White balusters gave them a special, solemn look. The building was decorated with pediments, and it was crowned with a high roof with a fracture. The internal layout of the structure was very similar to the arrangement of rooms in the Peterhof Grand Palace. In 1720 a second floor was built over the side wings.

After the construction of the chambers was completed, the famous Kunstkamera and the library of Peter I were placed inside where they stayed until 1727.

After the execution of the owner in 1718, there was a belief among the people that the ghost of Kikin was wandering in the house and few people wanted to see the collection belonging to the tsar. The tsar resorting to cunning, promised everyone who visited the the Kunstkamera a glass of vodka or a cup of coffee in order to popularize the natural sciences. It worked and the exposition had many visitors.

In addition, Natalya Alekseevna, the tsar sister set up one of the first city theater in part of the building.

There is a well-known legend which says that once Peter the Great, walking along the banks of the Neva, saw a branch of a tree, which miraculously grew into his trunk and decided to build a new building for the Kunstkamera where he transferred his collection in 1727.

In the 1720s, the Kikin Chambers were rebuilt by an unknown architect.

In 1733, a hospital, an office and the headquarters of the Horse Guards were opened in the Kikin Chambers. During the construction of barracks for the regiment of the Horse Guards next to the chambers, which were adapted for the regimental infirmary and office, F. B. Rastrelli erected a bell tower with a dome and a cross over the middle part of the chambers. The Great Hall was then used for the regimental church.

In the 19th century the building was seriously damaged. In 1829, Kikin’s chambers were reconstructed according to the project of Alexander Staubert. He was extremely negligent in his approach and destroyed all the rich baroque decor that adorned the facade of the house. The pilasters were removed, the superstructure-bell tower by Rastrelli was demolished. The walls were covered with plaster, and he added 2 rooms to the building from the side of the embankment. In 1874, two symmetrical staircases were added to the building from the Neva side.

During the Siege of Leningrad, the Kikin chambers were badly damaged by bombs and shells, and the building was repeatedly on fire. However, it was at this time that the plaster applied during the last restoration fell off, revealing the original facade of the early 18th century.

This made it possible to start recreating the facades in the forms of Petrine architecture.

Immediately after the war, the implementation of an ambitious project by the architect I. Benois began to restore the Kikin chambers to their historical appearance. The pilasters were returned to their places, later superstructures to the building were demolished, and pediments were attached to the chambers from two sides. The restoration was completed in 1956.

In 1979, the authorities of St. Petersburg transferred the Kikin Chambers to the Children’s Music School No. 12. Since 1995, the school has been transformed into the St. Petersburg Musical Lyceum, which is located in this building to this day.

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Émail de Moscou à l’exposition Fabergé

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J’ai trouvé une vidéo très courte et agréable d’émail de Moscou à l’exposition Fabergé. J’aurais souhaité de la musique mais il y a des explications en russe pour ceux qui la comprennent. J’ai mis quelques photos de la vidéo et un lien pour que vous puissiez la regarder vous-même et j’espère l’apprécier autant que moi. Le signe montré à la fin de la vidéo dit: Service à thé et café O. Kurlyukov’s compagnie. Moscou. 1908-1917 . Argent, émail, nacre; monnayage, peinture, dorure.

Voir la vidéo : L’ émail de Moscou à l’exposition Fabergé

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Moscow enamel at the Faberge exhibition

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I found a very short and nice video of a Moscow enamel at the Faberge exhibition. I would have wish for music but there are explanation in Russian for those who understand it. I put a few pictures of the video and a link so you can watch it yourself and I hope enjoy it as I did. The sign showed at the the end of the video say: Tea and coffee service O. Kurlyukov’s firm. Moscow. 1908-1917 . Silver, enamel, mother of pearl; coinage, painting, gilding.

Watch the video: Moscow enamel at the Faberge exhibition

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Discover the painting “Halt of the prisoners” by Valery Ivanovich Jacobi

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“The Halt of the Prisoners” (Привал арестантов) is a genre painting by the Russian artist Valery Yakobi (Валерия Якоби) completed in 1861. It is an oil on canvas of 98.6 × 143.5 cm situated at the State Tretyakov Gallery. It is difficult to imagine Russian genre painting of the 60s of the XIX century without this painting by Valery Ivanovich Jacobi, who created the true story of the royal penal servitude. It is one of the masterpieces of the 19th century, and this painting by Valery Jacobi immediately entered the history of art.

The painting “Halt of Prisoners” was presented by Valery Yakobi at the end of his studies at the Academy of Arts . For this painting, the Academy awarded him the title of class artist of the 1st degree and also a large gold medal .

In 1861-1862, the canvas was exhibited with great success at the exhibition of the Academy of Arts – the writer Fyodor Dostoevsky noted that Jacobi’s painting “amazes with amazing fidelity” and the public likes it “more than anyone else at the current exhibition”

This work made a great impression on the public, which rather vividly accepted the reforms of Emperor Alexander II.

Critics called this work frank and topical. Everyone was unanimous in their statements: the master managed to portray the actual problems of society. This work became the pinnacle of the artist’s work.

Valery Jacobi was the first of the Russian artists who turned to such a topic. The choice of subject was not accidental. Valery Ivanovich spent his childhood and youth in the east of Russia, where he personally observed the convicts who were driven past the house where the artist lived. Memories were so firmly planted in his head that the picture recreated from memory is striking in its realism and strength.

The collection of the State Tretyakov Gallery also contains a graphic sketch for the painting “Halt of Prisoners”

This first compositional sketch for the future canvas was submitted by Valery Jacobi for approval to the Council of the Academy of Arts in 1860. It is made in a purely contour technique, and the figures are outlined by a continuous line .

According to the description of art historian Alexei Sidorov, “from one edge of the figures, this line is thin and resembles a stroke of a cutter or a dry needle in a sketch engraving on copper; from the other edge of the same figures, the line tightens, becomes thicker, blacker, to a certain extent gives the figures <…> relief”; such an interpretation resembles a “marble bas-relief ” .

Another sketch of 36.5 × 58.7 cm , was executed in watercolor and white on paper. It is dated from 1861, and is kept in the State Russian Museum . In addition, the Russian Museum owns a reduced copy of the painting of the same name . It is an oil , paper on canvas, from the late 1860s – 1870s which is 53 × 75 cm , and was received in 1963 from the State Museum of the Revolution.

The painting depicts a group of prisoners stopping for a break. Probably, this halt was forced and caused by the breakdown of one of the carts.

Jacobi concentrates his main attention on the group around the deceased prisoner and the relatives who followed him along the stage, sitting at the milestone. At the same time, the artist uses a traditional academic technique, highlighting the main characters of the picture with light, grouping them in the spirit of classical “pyramids”. He managed to convey a complex range of feelings: from the despair of a family that has lost a person for whom they set off on a grueling journey, to the indifference of a gendarmerie officer who leaned over a dead prisoner. The rest of the exiles are depicted without detail, in gloomy silhouettes. The contrast of a dark stormy sky and bright light breaking through the dense cover of clouds, the predominance of gray and brown tones enhances the drama of the scene.

The Charter “On the Exiles” fixed and regulated the procedure for escorting, the issues of transporting exiles on carts, preventing escapes, women, freemen and the dead.

In this work, Jacobi managed with extraordinary persuasiveness to present various social types – from a tramp to an intellectual-political prisoner, whose life was cut short on the way.

On a broken road under a leaden sky with low rain clouds, standing by the cart is a stage officer, who with indifferent calmness ascertains the death of a prisoner (by opening his eyes), in order to leave him on the road and move on faster.

The central character of the composition is the deceased prisoner. He has an intelligent appearance, but is so emaciated that he looks like an old man. The dead prisoner is covered with matting . On his left hand, hanging lifelessly down, he wears a ring. The effect of the hopelessness of life is enhanced by another detail: another prisoner crept under the cart and is trying to pull off the ring from the finger of the deceased. In such a critical situation, the human essence is manifested.

A man, dressed in a heavily torn caftan , is holding a harnessed horse.

On the right side of the picture in the foreground is a seated prisoner in rags, who examines the wound on his leg, rubbed with shackles .

In the left corner of the picture are the families of prisoners who voluntarily went into exile along with their husbands and fathers. They are exhausted and weakened. However, no one retreats and they will go all the way to the end, but not everyone will return. They are already mourning the dead…

Nearby, a prisoner is seen smoking a pipe. It seems that he is completely indifferent to his own fate, he just goes with the flow, not thinking about tomorrow.

The plot continues with a group of fighting people and a long line of exiles, escorted by a convoy, lost in the distance… This horizontal line is emphasized by a thin parallel line of a flock of birds, dissolving into the clouds. The whole scene is depicted by the artist against the backdrop of an open autumn steppe, under a sky covered with heavy gray clouds. The bleak landscape only enhances the gloomy impression that the picture makes ….

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Découvrez le tableau « La Halte des prisonniers » de Valery Ivanovich Jacobi

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« La Halte des prisonniers » (Привал арестантов) est une peinture de genre de l’artiste russe Valery Yakobi (Валерия Якоби) achevée en 1861. Il s’agit d’une huile sur toile de 98,6 × 143,5 cm située à la Galerie d’État Tretiakov. Il est difficile d’imaginer la peinture de genre russe des années 60 du XIXe siècle sans ce tableau de Valery Ivanovich Jacobi, qui a créé la véritable histoire de la servitude pénale royale. C’est l’un des chefs-d’œuvre du 19ème siècle, et ce tableau de Valery Jacobi est immédiatement entré dans l’histoire de l’art.

Le tableau « La Halte des prisonniers» a été présenté par Valery Yakobi à la fin de ses études à l’Académie des Arts. Pour ce tableau, l’Académie lui a décerné le titre d’artiste de classe du 1er degré et aussi une grande médaille d’or.

En 1861-1862, la toile a été exposée avec un grand succès à l’exposition de l’Académie des Arts – l’écrivain Fiodor Dostoïevski a noté que la peinture de Jacobi « étonne avec une fidélité étonnante » et le public l’aime « plus que quiconque à l’exposition actuelle »

Ce travail a fait une grande impression sur le public, qui a accepté de manière assez vivante les réformes de l’empereur Alexandre II.

Les critiques ont qualifié ce travail de franc et d’actualité. Tout le monde était unanime dans ses déclarations: le maître a réussi à dépeindre les problèmes réels de la société. Ce travail est devenu le summum du travail de l’artiste.

Valery Jacobi a été le premier des artistes russes à se tourner vers un tel sujet. Le choix du sujet n’était pas accidentel. Valery Ivanovich a passé son enfance et sa jeunesse dans l’est de la Russie, où il a personnellement observé les condamnés qui ont été conduits devant la maison où vivait l’artiste. Les souvenirs étaient si fermement ancrés dans sa tête que l’image recréée de mémoire frappe par son réalisme et sa force.

La collection de la Galerie d’État Tretiakov contient également une esquisse graphique pour le tableau « Halte des prisonniers »

Cette première esquisse de composition pour la future toile a été soumise par Valery Jacobi pour approbation au Conseil de l’Académie des Arts en 1860. Elle est réalisée dans une technique purement de contour, et les figures sont soulignées par une ligne continue.

Selon la description de l’historien de l’art Alexeï Sidorov , « d’un bord des figures, cette ligne est mince et ressemble à un trait de cutter ou à une aiguille sèche dans un croquis gravé sur cuivre ; de l’autre bord des mêmes figures, la ligne se resserre, devient plus épaisse, plus noire, donne dans une certaine mesure aux figures <… > relief»; une telle interprétation ressemble à un « bas-relief en marbre ».

Un autre croquis de 36,5 × 58,7 cm, a été exécuté à l’aquarelle et blanc sur papier. Il est daté de 1861 et est conservé au Musée d’État russe. En outre, le Musée russe possède une copie réduite de la peinture du même nom, une huile, papier sur toile, de la fin des années 1860 – 1870. Elle mesure 53 × 75 cm, et a été reçu en 1963 du Musée d’Etat de la Révolution.

La peinture représente un groupe de prisonniers s’arrêtant pour une pause. Probablement, cet arrêt a été forcé et causé par la panne de l’un des chariots.

Jacobi concentre son attention principale sur le groupe autour du prisonnier décédé et les proches qui l’ont suivi le long de la scène, assis au jalon. Dans le même temps, l’artiste utilise une technique académique traditionnelle, mettant en évidence les personnages principaux de l’image avec de la lumière, les regroupant dans l’esprit des « pyramides » classiques. Il a réussi à transmettre une gamme complexe de sentiments: du désespoir d’une famille qui a perdu une personne pour laquelle ils se sont lancés dans un voyage épuisant, à l’indifférence d’un officier de gendarmerie qui s’est penché sur un prisonnier mort. Le reste des exilés est représenté sans détail, par des silhouettes sombres. Le contraste d’un ciel orageux sombre et d’une lumière vive traversant la couverture dense de nuages, la prédominance des tons gris et bruns renforce le drame de la scène.

La Charte « Sur les exilés » fixait et réglementait la procédure d’escorte, les questions du transport des exilés sur des charrettes, la prévention des évasions, les femmes, les hommes libres et les morts.

Dans ce travail, Jacobi a réussi avec une persuasion extraordinaire à présenter divers types sociaux – d’un clochard à un prisonnier intellectuel et politique, dont la vie a été écourtée en cours de route.

Sur une route brisée sous un ciel de plomb avec de faibles nuages de pluie, debout près de la charrette se trouve un officier de scène, qui avec un calme indifférent constate la mort d’un prisonnier (en ouvrant ses yeux), afin de le laisser sur la route et d’aller plus vite.

Le personnage central de la composition est le prisonnier décédé. Il a une apparence intelligente, mais est tellement émacié qu’il ressemble à un vieil homme. Le prisonnier mort est recouvert d’e’un tapis. Sur sa main gauche, suspendu sans vie, il porte une bague. L’effet du désespoir de la vie est renforcé par un autre détail: un autre prisonnier s’est glissé sous la charrette et essaie de retirer la bague du doigt du défunt. Dans une situation aussi critique, l’essence humaine se manifeste.

Un homme, vêtu d’un caftan fortement déchiré, tient un cheval attelé.

Sur le côté droit de l’image au premier plan se trouve un prisonnier assis en haillons, qui examine la blessure sur sa jambe, frottée avec des chaînes.

Dans le coin gauche de l’image se trouvent les familles des prisonniers qui se sont volontairement exilés avec leurs maris et leurs pères. Elles sont épuisées et affaiblies. Cependant, personne ne se retire et ils iront jusqu’au bout, mais tout le monde ne reviendra pas. Ils pleurent déjà les morts…

À proximité, on voit un prisonnier fumer une pipe. Il semble qu’il soit complètement indifférent à son propre destin, il suit le courant, ne pensant pas à demain.

L’intrigue se poursuit avec un groupe de combattants et une longue lignée d’exilés, escortés par un convoi, perdus au loin… Cette ligne horizontale est soulignée par une mince ligne parallèle d’un troupeau d’oiseaux, se dissolvant dans les nuages. Toute la scène est représentée par l’artiste sur fond de steppe d’automne ouverte, sous un ciel couvert de lourds nuages gris. Le paysage sombre ne fait qu’accentuer l’impression sombre que l’image fait ….

J’espère que vous avez apprécié cette peinture autant que moi

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Découvrez le tableau « La Source » d’Arkady Plastov

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Arkadi Alexandrovitch Plastov (Аркадий Александрович Пластов) (1893-1972) est né dans une famille de peintres d’icônes héréditaires et a apporté une grande contribution au développement de la culture russe. À partir de 1935, il a crée des peintures de genre, dans lesquelles il a embellit la vie du village soviétique. Ainsi, une place importante dans son travail a été occupée par l’image de la vie quotidienne des paysans dans le contexte de leur beau pays.

Le tableau «La Source » est une huile sur toile qui a été peinte en 1952. c’est une scène de genre de la vie d’une jeune paysanne qui venait à la source pour obtenir de l’eau potable. Effectivement, il n’y avait pas d’eau courante dans les villages à cette époque, et quelqu’un devait parfois aller loin pour aller chercher de l’eau avec des seaux.

Au premier plan, nous voyons une fille debout sur des bûches tenant un joug avec de grands seaux en fer dans ses mains.

La fille aux pieds nus est vêtue d’une belle robe légère avec un motif miniature, et une écharpe blanche propre encadre sa tête, sous laquelle d’épaisses tresses dorées se montrent.

L’héroïne de l’image est sérieuse et complètement concentrée sur le processus de collecte de l’eau.

L’un des seaux est déjà plein, tandis qu’elle remplit l’autre d’un jet d’eau propre et transparente provenant d’une petite source. Nous pouvons voir des éclaboussures d’eau sur le côté du seau, ce qui crée la dynamique de la composition de la toile. On peut aussi admirer à quel point l’eau que l’artiste a réussi à peindre est propre et transparente. La fraîcheur cristalline de l’eau fraîche éclairée par le chaud soleil d’été est littéralement ressentie.

Sous le seau, l’eau déversée forme un petit étang envahi de roseaux.

Derrière le dos de la fille, nous voyons beaucoup de verdure, qui occupe une grande partie de l’œuvre. La végétation est assez haute et dense, ce qui signifie que la source n’est pratiquement pas perceptible de l’extérieur. Dans la partie supérieure de l’image, un ciel bleu avec des nuages blancs est légèrement visible.

La palette de couleurs est assez chaude. Cela s’exprime dans les traits colorés jaune-vert des plantes et les joues écarlates de la fille. En outre, des accents solaires sont montrés dans les taches de couleur de ses vêtements. Il y a une bataille de contrastes. Les tons clairs contrastent avec les tons sombres. Ainsi, l’harmonie de l’image peinte est créée.

Cette toile d’Arkady Plastov réconforte parfaitement et évoque les sentiments les plus chaleureux et les plus positifs. En raison de la tranquillité de la scène, des nuances de couleurs agréables, l’harmonie de la nature et de la vie paysanne est véhiculée.

J’espère que vous avez apprécié cette peinture autant que moi

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