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Arkadi Alexandrovitch Plastov (Аркадий Александрович Пластов) (1893-1972) est né dans une famille de peintres d’icônes héréditaires et a apporté une grande contribution au développement de la culture russe. À partir de 1935, il a crée des peintures de genre, dans lesquelles il a embellit la vie du village soviétique. Ainsi, une place importante dans son travail a été occupée par l’image de la vie quotidienne des paysans dans le contexte de leur beau pays.
Le tableau «La Source » est une huile sur toile qui a été peinte en 1952. c’est une scène de genre de la vie d’une jeune paysanne qui venait à la source pour obtenir de l’eau potable. Effectivement, il n’y avait pas d’eau courante dans les villages à cette époque, et quelqu’un devait parfois aller loin pour aller chercher de l’eau avec des seaux.
Au premier plan, nous voyons une fille debout sur des bûches tenant un joug avec de grands seaux en fer dans ses mains.
La fille aux pieds nus est vêtue d’une belle robe légère avec un motif miniature, et une écharpe blanche propre encadre sa tête, sous laquelle d’épaisses tresses dorées se montrent.
L’héroïne de l’image est sérieuse et complètement concentrée sur le processus de collecte de l’eau.
L’un des seaux est déjà plein, tandis qu’elle remplit l’autre d’un jet d’eau propre et transparente provenant d’une petite source. Nous pouvons voir des éclaboussures d’eau sur le côté du seau, ce qui crée la dynamique de la composition de la toile. On peut aussi admirer à quel point l’eau que l’artiste a réussi à peindre est propre et transparente. La fraîcheur cristalline de l’eau fraîche éclairée par le chaud soleil d’été est littéralement ressentie.
Sous le seau, l’eau déversée forme un petit étang envahi de roseaux.
Derrière le dos de la fille, nous voyons beaucoup de verdure, qui occupe une grande partie de l’œuvre. La végétation est assez haute et dense, ce qui signifie que la source n’est pratiquement pas perceptible de l’extérieur. Dans la partie supérieure de l’image, un ciel bleu avec des nuages blancs est légèrement visible.
La palette de couleurs est assez chaude. Cela s’exprime dans les traits colorés jaune-vert des plantes et les joues écarlates de la fille. En outre, des accents solaires sont montrés dans les taches de couleur de ses vêtements. Il y a une bataille de contrastes. Les tons clairs contrastent avec les tons sombres. Ainsi, l’harmonie de l’image peinte est créée.
Cette toile d’Arkady Plastov réconforte parfaitement et évoque les sentiments les plus chaleureux et les plus positifs. En raison de la tranquillité de la scène, des nuances de couleurs agréables, l’harmonie de la nature et de la vie paysanne est véhiculée.
J’espère que vous avez apprécié cette peinture autant que moi
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« Le Tapis volant ” est une gigantesque huile sur toile de 165×297 cm peinte par le célèbre peintre Viktor Mikhailovich Vasnetsov en 1880, Cette peinture est actuellement au Musée d’art d’État de Nijni Novgorod.
C’est la deuxième image de Vasnetsov, dans laquelle il s’est tourné vers les contes de fées et les mythes. Nous avons déjà écrit sur sa première photo qui était « Le Chevalier à la croisée des chemins ».
L’intrigue du ” Tapis volant ” est l’histoire de conte de fées d’Ivan Tsarevich, qui a poursuivi un phoenix, qui a pris l’habitude de voler des pommes dans le jardin royal.
Selon Vasnetsov lui-même, l’image était censée exprimer la grandeur des traditions russes et représenter un symbole de victoire sur l’espace. « Le Tapis volant ” reflète la foi dans l’avenir brillant du peuple russe, et dans cette œuvre, le peintre a mis tout son amour pour l’art populaire et sa propre compréhension de la sagesse des épopées populaires.
L’histoire du « tapis volant » a commencé avec Savva Mamontov, un philanthrope qui était le président du conseil d’administration du chemin de fer de Donetsk. Il a commandé trois toiles qui refléteraient les possibilités infinies pour les gens de se déplacer après la construction de la voie ferrée de Donetsk, et a insisté sur une intrigue fantastique, qui a été exposée dans la toile de Vasnetsov « Tapis volant ». Dans ce tableau,le moyen de transport magique devait devenir un symbole du transport le plus rapide, une illustration allégorique de l’éveil d’une nouvelle direction ferroviaire.
Cependant, les membres du conseil d’administration ont considéré les motifs de conte de fées inappropriés dans l’atmosphère de travail du bureau, de sorte que le philanthrope a acheté la toile et pendant longtemps, le tableau est resté dans la collection personnelle de Mamontov.
Au début, l’idée de l’artiste était différente de la version finale du tableau. Deux personnes étaient censées voler sur le tapis – le tsarévitch et sa bien-aimée, qui inclinait la tête sur l’épaule d’Ivan.
Mais après une longue recherche, Vasnetsov n’a laissé qu’un seul héros sur le tapis, lui remettant une cage avec un trophée sans précédent – un oiseau de feu.
Chaque image de cette image a sa propre signification symbolique. Si vous regardez attentivement la toile, vous remarquerez immédiatement que la partie supérieure de l’image est plus lumineuse et plus saturée. Les nuances roses avec lesquelles le soleil ornent le ciel indiquent symboliquement la victoire du héros du conte de fées, qui a surmonté toutes les difficultés. Il a pu échapper à la poursuite et a attrapé l’oiseau de feu, qui a pris l’habitude de voler des pommes dans le jardin royal. Mais l’oiseau de feu est la seule source de lumière à part entière sur l’image. Même la lune, visible en arrière-plan, ne peut pas se comparer à lui. Et pour dépeindre le monde réel, Vasnetsov a utilisé des demi-tons et des nuances déjà sombres.
Chaque personnage est fait de manière si réaliste qu’en regardant cette toile, il semble involontairement qu’un tel tapis existe vraiment quelque part.
Ivan Tsarevich, l’oiseau de feu et le tapis volant se distinguent comme un point coloré et lumineux sur le fond d’un paysage sans vie et terne. Les couleurs vives symbolisent le triomphe du rêve d’une personne devenu réalité.
Le tapis magique est représenté en vol et le prince se tient dessus debout. Ivan lui-même est la personnification du courage. Le tapis se presse simplement à travers le ciel, et ce qui est visible grace aux mouvements des vêtements du tsar et de ses cheveux.
Le tapis volant est accompagné de trois oiseaux. Ils sont représentés dans les mêmes couleurs que le monde qui les entoure. Ces grands hiboux volent devant le tapis et peuvent lui montrer le chemin. Le tapis magique est plein de motifs bizarres, dont certains rappellent douloureusement les runes magiques. Cela peut être la raison pour laquelle le tapis peut voler. Ce tapis magique lui-même ressemble à un énorme oiseau avec une tête incurvée et des ailes grandes ouvertes avec les coins du produit de tissage jouant le rôle de ses deux ailes, de plus la toile légèrement arquée vers le haut rend cette partie similaire au dos d’un oiseau. En regardant l’image, on remarque que le tapis semble flotter en douceur et rapidement dans l’air. Il s’élève au-dessus des étendues de la Russie, s’élève majestueusement au-dessus des forêts et du brouillard épais. En regardant ce travail, on peut apprécier à quel point le pays est vaste.
Ivan Tsarévitch debout sur le tapis comme un capitaine sur un navire céleste, est un signe de victoire, de confiance en soi. Il n’a pas peur de tomber et regarde avec confiance au loin. C’est la preuve qu’il n’y a pas d’obstacles insurmontables. On peut voir qu’Ivan Tsarévitch se dépêche à travers les plaines sans limites avec des rivières et des champs. Il revient d’un long voyage vers le trentième royaume où il a réussi à capturer l’oiseau de feu magique.
Toute l’expression faciale et la posture d’Ivan Tsarevich exprime la fierté du test qu’il a réussi. Son apparence est intéressante et ses vêtements ravissent et étonnent par leur richesse et leur luxe. Il est vêtu d’un caftan avec une longue robe qui est brodée de beaux motifs. Tout le caftan est décoré de dorures, et il y a beaucoup de pierres précieuses sur le bonnet. De tels vêtements n’étaient portés en Russie que par des gens nobles et riches. Sur la ceinture du prince se trouve un sac brodé contenant la clé de la cage. L’épée-trésorier scintille de la dorure avec laquelle elle est décorée, et une épaisse chaîne pend autour du cou du héros de l’image, à laquelle une cage en or a été attachée.
Viktor Vasnetsov a représenté la cage en détail. Tout est ajouré et merveilleux, et au sommet, chaque treillis se termine par des figures inhabituelles de dragons, dans les dents desquels il y a des cloches. Lorsque la cage se balance, une sonnerie agréable et mélodique se fait entendre.
Le bel oiseau de feu est assis sur un perchoir mince et gracieux, et autour de cet oiseau de feu une lumière brillante inhabituelle se propage. L’artiste utilise le blanc pour son image, qui symbolise sa pureté. L’oiseau de feu est un symbole de bonheur, de joie et de chance, mais malheureusement, tout le monde ne parvient pas à en attraper un. L’oiseau de feu brillant dans la cage est comme une grande lanterne qui éclaire le chemin du retour. Même par une nuit sombre, il montre le chemin au tsarévitch Ivan, qui, ayant atteint son objectif, s’efforce de rentrer chez lui.
Tout ce qui se passe dans l’image emmène le spectateur à la fin de la journée, à son coucher de soleil, lorsque le croissant de lune commence déjà à percer faiblement les nuages. Vous pouvez voir non seulement le ciel, mais aussi ce qui se trouve loin en dessous: c’est une forêt merveilleuse, et de magnifiques champs, et une rivière douce.
Cette peinture du « Tapis volant », peinte en 1880, est devenue si populaire aujourd’hui que ses reproductions peuvent être trouvées non seulement dans de nombreuses maisons et appartements privés, mais aussi dans des institutions telles que des écoles, des jardins d’enfants ou des cliniques en Russie. Et non seulement un adulte, mais aussi chaque enfant, sans hésitation, dira qui est son auteur et comment il s’appelle.
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“The Prophet” («Пророк») was written by Alexander Pushkin (Александр Пушкин) in 1826 and immediately gained wide popularity. This poem became central to Pushkin’s philosophical reflections, and a kind of program for action, a guide in life and work for many writers and followers of the great poet. The idea expressed in “The Prophet” gave a powerful impetus to many subsequent generations of poets. … Continue reading
Painting “Cry of prophet Jeremiah on the Ruins of Jerusalem” (on a Bible subject) by Ilya Repin – 1870
«Пророк» Александра Пушкина
“Prophet” by Alexander Pushkin
Духовной жаждою томим, В пустыне мрачной я влачился, — И шестикрылый серафим На перепутье мне явился.
I dragged my flesh through desert gloom, Tormented by the spirit’s yearning, And saw a six-winged Seraph loom, Upon the footpath’s barren turning.
Перстами легкими как сон Моих зениц коснулся он. Отверзлись вещие зеницы, Как у испуганной орлицы.
And as a dream in slumber lies So light this light his finger on my eyes. My wizard eyes grew wide and wary; An eagle’s startled from the eyrie
« Le Prophète » (« Пророк ») a été écrit par Alexandre Pouchkine (Александр Пушкин) en 1826 et a immédiatement gagné une grande popularité. Ce poème est devenu central dans les réflexions philosophiques de Pouchkine, et une sorte de programme d’action, un guide dans la vie et l’œuvre pour de nombreux écrivains et disciples du grand poète. L’idée exprimée dans « Le Prophète » a donné un puissant élan à de nombreuses générations ultérieures de poètes. Continuer la lecture
“Cri du prophète Jérémie sur les ruines de Jérusalem” (sur un sujet biblique) d’Ilya Repin – 1870
«Пророк» Александра Пушкина
« Prophète » par Alexandre Pouchkine
Traduit par Akirill.com
Духовной жаждою томим, В пустыне мрачной я влачился, — И шестикрылый серафим На перепутье мне явился.
La soif spirituelle me tourmentais, Dans le désert sombre, j’ai erré, Et un Séraphin à six ailes À la croisée des chemins, m’est apparu.
Перстами легкими как сон Моих зениц коснулся он. Отверзлись вещие зеницы, Как у испуганной орлицы.
De ses doigts légers comme un songe, Il toucha mes prunelles. Mes prunelles s’écarquillèrent voyantes; Comme celles d’un aigle effarouché.
Viktor Mikhailovich Vasnetsov (Виктор Васнецов) is a famous Russian painter, founder of the fairy-tale epic genre . The master created several versions of The Knight at the Crossroads. The first one was completed in 1877 and is significantly different from the subsequent ones. “The knight at the Crossroads” («Витязь на распутье») is an oil on canvas of 167 by 308 cm and was completed in 1882. It is now in the St. Petersburg State Russian Museum.
This is one of the philosophical works of the painter, and it encourages the viewer not only to contemplate, but also to think. And to think not only about the fate of the hero, but also about the deeper and eternal problems of good and evil, justice and deceit But also about the problem of choosing a future path in life, which probably disturb every person.
“Warrior in a helmet with chain mail” 1877“The knight at the Crossroads” 1882
The first pencil sketches of “The knight at the Crossroads” appeared in the early 1870s. His “Forerunner” can be considered the picture of Viktor Mikhailovich “Warrior in a helmet with chain mail”, painted by him in 1877.
“The Knight at the Crossroads” is a painting by the famous Russian artist Viktor Mikhailovich Vasnetsov. His inspiration for the creation of “The Knight at the Crossroads” was the old Russian epic “Ilya Muromets and the Robbers”: Once on the path of the hero there was a stone with a curious inscription.
«Витязь на распутье» Виктора Васнецова
According to the prediction, if Ilya turns in one direction – he will be killed, in the other – he will marry, in the third – he will gain wealth.
The man decided to try his luck and drove along the road that was supposed to bring him death. He met forty robbers, but managed to cope with them. Then he returned to the stone and wrote that the prediction did not come true. The same happened with other tracks. It seemed that the hero managed to deceive fate itself …
part of «Витязь на распутье» Виктора Васнецова
Ahead, the artist depicted a black cloud which can be a warning to Ilya Muromets of danger. But then the sky is clear and a little pinkish, probably the dawn, giving us hope. It might show that the path will be difficult and dangerous, but still lead to good. Probably, the knight will still decide to go ahead and defeat all dangers.
Initially, the author conceived to draw “The Knight at the Crossroads” facing the viewer. However, later Vasnetsov changed his mind and focused not on the key character, but on his confusion and difficulty in choosing a path.
part of «Витязь на распутье» Виктора Васнецова
In front of the hero there is a stone on which it is written that if you go straight, it is impossible for anyone to stay alive. Because many years have passed, all other inscriptions on the stone have been erased. Ilya Muromets understands that he has only one path that will lead him to death.
Usually fairy tales and epics talk about three roads that are offered to the traveler to choose from. However, on his canvas, Vasnetsov decided to deviate from this important point. With this technique, he visually strengthened the disturbing plot of the picture, leaving the epic hero without an alternative choice of path.
Almost immediately behind the stone, solid earth turns into unsteady swampy soil. In the future, there is nothing that could inspire gratifying hope. There is a narrow path that goes to the left, winding between boulders. It leads to no one knows where and gradually dissolves. The prophetic stone says nothing about it. There is no third road, as it should be in fairy tales.
«Витязь на распутье» Виктора Васнецова
In the center of the work is Ilya Muromets. He is known as the most courageous and strong hero in Russia. His back is turned to us, so we do not see his face. His strong body is now relaxed and his shoulders slumped as if he had traveled for a very long time and was tired. We can see that he did not rush his horse across the wide field since only the tips of his boots were inserted into the stirrups. The hero is dressed in battle armor. Behind him is a large heavy round shield. A brown leather quiver, decorated with metal decorative overlays, is attached to the belt. The quiver is full of arrows. A massive mace hangs from the side. In his right hand, the knight holds a long, sharp spear on a red shaft. It is lowered with the tip down, the slightly bent arm of the hero weakly squeezes it. The warrior is calm and self-confident, ready even for an unexpected meeting with the enemy. On his feet he has high light green boots with a gilded edging at the top of the top.
The whole image speaks of his meditation, the figure of the hero is majestic and powerful. Thoughtfulness is visible in the bowed head. His spear is also tilted down. The author shows the unity between him and his brave friend, the horse, because despite the fact that the horse stands confidently, its head is tilted.
part of «Витязь на распутье» Виктора Васнецова
The spear that the warrior holds in his hand deserves special attention. The canvas depicts an infantry spear which is intended for foot soldiers. The riders were armed with cavalry. It is noteworthy that in previous studies there was no such feature. Perhaps the rider is ready to lose his horse at any moment, and therefore it is the infantry spear in his hand.
The heroic horse is a match for the hero himself. It is strong, sleek, with a thick mane hanging almost to the ground, a silky tail, and powerful legs that firmly step on the ground. And now he meekly and patiently stands, with its head down, as if it was making a difficult decision. or maybe waiting for the decision of his master.
part of «Витязь на распутье» Виктора Васнецова
The terrain is depicted as swampy, there is almost no vegetation, stones are also scattered in the most gloomy tones.
Bones of people and animals are scattered across the field. And right in front of the stone we see the skulls of a man and a horse. Apparently, at one time they decided to cross the line on which the stone-prophet stands, but the prediction came true. Now black crows are circling over the field in anticipation of new prey.
The beautiful picture captures the moment of doom. At that moment, the knight does not yet know how his journey will end, and whether what the inscription on the stone predicts will come true. The picturesque plot of Vasnetsov’s creation fascinates with its fabulousness, tragedy, faith in the triumph of good over evil and darkness. and let us wonder if fate determines the fate of a person, or if we are responsible for our own lives.
Viktor Mikhailovich Vasnetsov (Виктор Васнецов) est un célèbre peintre russe, fondateur du genre épique des contes de fées. Le maître a créé plusieurs versions du tableau “Le Chevalier à la Croisée des Chemins “. Le premier a été achevé en 1877 et est sensiblement différent des suivants. “Le Chevalier à la Croisée des Chemins” (“Витязь на распутье”) est une huile sur toile de 167 sur 308 cm et a été achevée en 1882. Elle se trouve maintenant au Musée russe d’État de Saint-Pétersbourg.
C’est l’une des œuvres philosophiques du peintre, et elle encourage le spectateur non seulement à contempler, mais aussi à réfléchir. Et à penser non seulement au sort du héros, mais aussi aux problèmes plus profonds et éternels du bien et du mal, ainsi que celui de la justice et de la tromperie. Mais aussi au problème du choix d’un futur chemin dans la vie, qui dérange probablement tout le monde.
“Warrior in a helmet with chain mail” 1877“The knight at the Crossroads” 1882
Les premières esquisses au crayon de la toile: “Le Chevalier à la Croisée des Chemins” apparaissent au début des années 1870. Son “précurseur” peut être considéré comme l’image de Viktor Mikhailovich “Guerrier Dans un Casque avec une Cotte de Mailles”, peinte par lui en 1877.
“Le chevalier à la Croisée des Chemins” est une peinture du célèbre artiste russe Viktor Mikhailovich Vasnetsov. Son inspiration pour la création de: “Le chevalier à la croisée des chemins” était la vieille épopée russe “Ilya Muromets et les voleurs”: Une fois sur le chemin du héros, il y avait une pierre avec une curieuse inscription.
«Витязь на распутье» Виктора Васнецова
Selon la prédiction, si Ilya va dans une direction – il sera tué, dans l’autre – il se mariera, dans la troisième – il gagnera de la richesse.
L’homme a décidé de tenter sa chance et a conduit le long de la route qui était censée lui apporter la mort. Il a rencontré quarante voleurs, mais a réussi à faire face à eux. Puis il retourna à la pierre et écrivit que la prédiction ne s’était pas réalisée. La même chose s’est produite avec les autres routes. Il semblait que le héros avait réussi à tromper le destin lui-même…
part of «Витязь на распутье» Виктора Васнецова
Devant, l’artiste est représenté un nuage noir qui peut être un avertissement de danger pour Ilya Muromets. Mais ensuite le ciel est clair et un peu rosé, sans doute l’aube, qui nous redonne espoir. Cela pourrait montrer que le chemin sera difficile et dangereux, mais qu’il mènera toujours au bien. Probablement, le chevalier décidera toujours d’aller de l’avant et de vaincre tous les dangers.
Initialement, l’auteur a conçu de dessiner “Le chevalier à la croisée des chemins” face au spectateur. Cependant, plus tard, Vasnetsov a changé d’avis et s’est concentré non pas sur le personnage clé, mais sur sa confusion et sa difficulté à choisir une voie.
part of «Витязь на распутье» Виктора Васнецова
Devant le héros se trouve une pierre sur laquelle il est écrit que si vous allez tout droit, il est impossible à quiconque de rester en vie. Parce que de nombreuses années se sont écoulées, toutes les autres inscriptions sur la pierre ont été effacées. Ilya Muromets comprend qu’il n’a qu’un seul chemin qui le mènera à la mort.
Habituellement, les contes de fées et les épopées parlent de trois routes proposées au voyageur. Cependant, sur sa toile, Vasnetsov a décidé de s’écarter de ce point important. Avec cette technique, il a renforcé visuellement l’intrigue inquiétante de l’image, laissant le héros épique sans autre choix de chemin.
Presque immédiatement derrière la pierre, la terre solide se transforme en sol marécageux instable. Dans l’avenir, il n’y a rien qui puisse inspirer un espoir gratifiant. Il y a un chemin étroit qui part à gauche en serpentant entre des rochers. Elle mène on ne sait où et se dissout peu à peu. La pierre prophétique n’en dit rien. Il n’y a pas de troisième route, comme il se doit dans les contes de fées.
«Витязь на распутье» Виктора Васнецова
Au centre de l’œuvre se trouve Ilya Muromets. Il est connu comme le héros le plus courageux et le plus fort de Russie. Il nous tourne le dos, nous ne voyons donc pas son visage. Son corps fort est maintenant détendu et ses épaules affaissées comme s’il avait voyagé pendant très longtemps et qu’il était fatigué. On peut voir qu’il n’a pas précipité son cheval à travers le vaste champ puisque seuls les bouts de ses bottes sont insérés dans les étriers. Le héros est vêtu d’une armure de combat. Derrière lui se trouve un grand bouclier rond et lourd. Un carquois en cuir marron, orné de superpositions décoratives en métal, est attaché à sa ceinture. Le carquois est plein de flèches. Une masse massive pend sur le côté. Dans sa main droite, le chevalier tient une longue lance pointue sur un manche rouge. Elle est abaissée avec la pointe vers le bas, le bras légèrement plié du héros la serre faiblement. Le guerrier est calme et sûr de lui, prêt même pour une rencontre inattendue avec l’ennemi. Aux pieds, il a de hautes bottes vert clair avec un liseré doré en haut du haut.
Toute l’image parle de sa méditation, la figure du héros est majestueuse et puissante. La méditation est visible dans la tête inclinée. Sa lance est également inclinée vers le bas. L’auteur montre l’unité entre lui et son brave ami, le cheval, car malgré le fait que le cheval se tient avec confiance, sa tête est inclinée.
part of «Витязь на распутье» Виктора Васнецова
La lance que le guerrier tient dans sa main mérite une attention particulière. La toile représente une lance d’infanterie destinée aux fantassins. Les cavaliers étaient armés de lances de cavalerie. Il est à noter que dans les études précédentes, il n’y avait pas une telle caractéristique. Peut-être que le cavalier est prêt à perdre son cheval à tout moment, et c’est donc la raison de la lance d’infanterie dans sa main.
Le cheval héroïque est un match pour le héros lui-même. Il est fort, élégant, avec une crinière épaisse qui pend presque jusqu’au sol, une queue soyeuse et des pattes puissantes qui marchent fermement sur le sol. Et maintenant, il se tient docilement et patiemment, la tête baissée, comme s’il prenait une décision difficile. ou peut-être attent-il la décision de son maître.
part of «Витязь на распутье» Виктора Васнецова
Le terrain est dépeint comme marécageux, il n’y a presque pas de végétation, les pierres sont également dispersées dans les tons les plus sombres.
Des ossements de personnes et d’animaux sont éparpillés sur le terrain. Et juste devant la pierre, nous voyons les crânes d’un homme et d’un cheval. Apparemment, à un moment donné, ils ont décidé de franchir la ligne sur laquelle se tient le prophète de pierre, mais la prédiction s’est réalisée. Maintenant, des corbeaux noirs tournent autour du champ en prévision d’une nouvelle proie.
La belle image capture le moment de malheur. À ce moment, le chevalier ne sait pas encore comment son voyage se terminera et si ce que prédit l’inscription sur la pierre se réalisera. L’intrigue pittoresque de la création de Vasnetsov fascine par son caractère fabuleux, sa tragédie, sa foi dans le triomphe du bien sur le mal et les ténèbres. et nous nous demandons si le destin détermine le sort d’une personne, ou si nous sommes responsables de notre propre vie.
J’espère que vous avez apprécié ce tableau autant que moi
The sixth novel by Fyodor Mikhailovich Dostoevsky “Demons” also called “The Possessed” was written in 1872. This is one of the most politicized works of the writer, which he wrote under the impression of the activities of the emerging terrorist and revolutionary movements in Russia. The novel became a kind of warning about a social catastrophe, which will lead to cruel methods of achieving the idea of universal happiness and the principle “the end justifies the means.”
Cover of the first edition of “Demons” by Fyodor Mikhailovich Dostoevsky
Dostoevsky did not plan a grandiose thing: he wanted to express himself on the topic of the emerging “Nechaevism” and similar political phenomena on several pages. The work was not even conceived in an artistic style, but as a result, a prediction novel came out from under his pen, which has not lost its relevance so far.
Russian society rather coolly accepted the new novel, and some critics even declared the work “slander” and “nonsense”. Over time, the situation has changed little. Most supporters of the Russian revolutionary movement perceived “Demons” as a vicious caricature of their ideas. Such a reputation prevented the wide popularity of the work.
Unlike Russia, Western culture has appreciated the socio-moral depth of the novel. “Demons” by Fyodor Mikhailovich Dostoevsky had a huge influence on the philosophical literature of the turn of the 19th-20th centuries, of which Nietzsche and Camus were famous representatives .
The attitude towards “Demons” in the post-Soviet space has changed quite recently. Contemporaries understood the prophecy of Dostoevsky’s ideas, his desire to show the world the danger of radical revolutionary and atheistic ideas. The writer expressed the depth of alienation towards his characters in the title and epigraph, taken from Pushkin ‘s poem of the same name . Who is the main “demon” in the work?
Initially, “Demons” was supposed to become part of a single epic novel, but due to financial problems, the author could not realize his plan and his publisher Katkov set strict conditions for the work of the writer. So instead of a big novel, the author released five books: “Teenager”, “Crime and Punishment”, “Demons”, “The Brothers Karamazov”, “Idiot”.
Also, in the novel, you can find references to real people. as example, Dostoevsky ridiculed I.S. Turgenev with whom he didn’t agree on the liberal-Western ideology , using the image of Karamzinov. The prototype of Stavrogin is the head of the Petrashevsky circle, for participation in which the young Dostoevsky was almost executed. One more thing is the removal of the chapters (“At Tikhon’s”), where Stavrogin tells the elder about the molestation of the girl. It was banned in Russia and removed from the novel by the publisher himself. However, it is there that Stavrogin’s worldview clashes with Tikhon’s Christian morality, and the reader sees the defeat of the “demonic personality.”
IN UNDERTAKING to describe the recent and strange incidents in our town, till lately wrapped in uneventful obscurity, I find myself forced in absence of literary skill to begin my story rather far back, that is to say, with certain biographical details concerning that talented and highly-esteemed gentleman, Stepan Trofimovitch Verhovensky. I trust that these details may at least serve as an introduction, while my projected story itself will come later.
I will say at once that Stepan Trofimovitch had always filled a particular rôle among us, that of the progressive patriot, so to say, and he was passionately fond of playing the part—so much so that I really believe he could not have existed without it. Not that I would put him on a level with an actor at a theatre, God forbid, for I really have a respect for him. This may all have been the effect of habit, or rather, more exactly of a generous propensity he had from his earliest years for indulging in an agreeable day-dream in which he figured as a picturesque public character. He fondly loved, for instance, his position as a “persecuted” man and, so to speak, an “exile.” There is a sort of traditional glamour about those two little words that fascinated him once for all and, exalting him gradually in his own opinion, raised him in the course of years to a lofty pedestal very gratifying to vanity. In an English satire of the last century, Gulliver, returning from the land of the Lilliputians where the people were only three or four inches high, had grown so accustomed to consider himself a giant among them, that as he walked along the streets of London he could not help crying out to carriages and passers-by to be careful and get out of his way for fear he should crush them, imagining that they were little and he was still a giant. He was laughed at and abused for it, and rough coachmen even lashed at the giant with their whips. But was that just? What may not be done by habit? Habit had brought Stepan Trofimovitch almost to the same position, but in a more innocent and inoffensive form, if one may use such expressions, for he was a most excellent man.
I am even inclined to suppose that towards the end he had been entirely forgotten everywhere; but still it cannot be said that his name had never been known. It is beyond question that he had at one time belonged to a certain distinguished constellation of celebrated leaders of the last generation, and at one time—though only for the briefest moment—his name was pronounced by many hasty persons of that day almost as though it were on a level with the names of Tchaadaev, of Byelinsky, of Granovsky, and of Herzen, who had only just begun to write abroad. But Stepan Trofimovitch’s activity ceased almost at the moment it began, owing, so to say, to a “vortex of combined circumstances.” And would you believe it? It turned out afterwards that there had been no “vortex” and even no “circumstances,” at least in that connection. I only learned the other day to my intense amazement, though on the most unimpeachable authority, that Stepan Trofimovitch had lived among us in our province not as an “exile” as we were accustomed to believe, and had never even been under police supervision at all. Such is the force of imagination! All his life he sincerely believed that in certain spheres he was a constant cause of apprehension, that every step he took was watched and noted, and that each one of the three governors who succeeded one another during twenty years in our province came with special and uneasy ideas concerning him, which had, by higher powers, been impressed upon each before everything else, on receiving the appointment. Had anyone assured the honest man on the most irrefutable grounds that he had nothing to be afraid of, he would certainly have been offended. Yet Stepan Trofimovitch was a most intelligent and gifted man, even, so to say, a man of science, though indeed, in science … well, in fact he had not done such great things in science. I believe indeed he had done nothing at all. But that’s very often the case, of course, with men of science among us in Russia.
Le sixième roman de Fyodor Mikhailovich Dostoevsky “Démons” également appelé “Les Possédés” a été écrit en 1872. C’est l’une des œuvres les plus politisées de l’écrivain, qu’il a écrite sous l’impression des activités des mouvements terroristes et révolutionnaires émergents en Russie. Le roman est devenu une sorte d’avertissement sur une catastrophe sociale, qui conduira à des méthodes cruelles pour réaliser l’idée du bonheur universel et le principe « la fin justifie les moyens ».
Cover of the first edition of “Demons” by Fyodor Mikhailovich Dostoevsky
Dostoïevski n’a rien prévu de grandiose: il a voulu s’exprimer sur le thème de l’émergence du «néchaevisme» et de phénomènes politiques similaires sur plusieurs pages. Le travail n’a même pas été conçu dans un style artistique, mais le résultat a été qu’un roman de prédiction est sorti de sous sa plume, et celui-ci n’a pas perdu sa pertinence aujourd’hui.
La société russe a plutôt froidement accepté le nouveau roman, et certains critiques ont même qualifié l’œuvre de “calomnie” et “d’absurdité”. Au fil du temps, la situation a peu évolué. La plupart des partisans du mouvement révolutionnaire russe ont perçu les « démons » comme une caricature vicieuse de leurs idées. Une telle réputation a empêché la grande popularité de l’œuvre.
Contrairement à la Russie, la culture occidentale a apprécié la profondeur socio-morale du roman. Les “Démons” de Fiodor Mikhaïlovitch Dostoïevski ont eu une énorme influence sur la littérature philosophique du tournant des XIXe et XXe siècles, dont Nietzsche et Camus étaient des représentants célèbres.
L’attitude envers les “Démons” dans l’espace post-soviétique a changé assez récemment. Les contemporains ont compris la prophétie des idées de Dostoïevski, son désir de montrer au monde le danger des idées radicales révolutionnaires et athées. L’écrivain a exprimé la profondeur de l’aliénation envers ses personnages dans le titre et l’épigraphe, tirés du poème de Pouchkine du même nom.
Initialement, «Démons» était censé faire partie d’un seul roman épique, mais en raison de problèmes financiers, l’auteur n’a pas pu réaliser son plan et son éditeur Katkov a imposé des conditions strictes au travail de l’écrivain. Ainsi, au lieu d’un grand roman, l’auteur a publié cinq livres: «Adolescent», «Crime et châtiment», «Démons», «Les frères Karamazov», «Idiot».
De plus, dans le roman, vous pouvez trouver des références à de vraies personnes. à titre d’exemple, Dostoïevski a ridiculisé I.S. Tourgueniev avec qui il n’était pas d’accord sur l’idéologie libérale-occidentale, utilisant l’image de Karamzinov. Le prototype de Stavroguine est le chef du cercle Petrashevsky, pour sa participation dans laquelle le jeune Dostoïevski a failli être exécuté. Une dernière chose est la suppression des chapitres («Chez Tikhon»), où Stavrogin raconte à l’aîné l’agression de la fille. Il a été interdit en Russie et retiré du roman par l’éditeur lui-même. Cependant, c’est là que la vision du monde de Stavroguine se heurte à la morale chrétienne de Tikhon, et le lecteur voit la défaite de la « personnalité démoniaque ».
Pour raconter les événements si étranges survenus dernièrement dans notre ville, je suis obligé de remonter un peu plus haut et de donner au préalable quelques renseignements biographiques sur une personnalité distinguée: le très-honorable Stépan Trophimovitch Verkhovensky. Ces détails serviront d’introduction à la chronique que je me propose d’écrire.
Je le dirai franchement: Stépan Trophimovitch a toujours tenu parmi nous, si l’on peut ainsi parler, l’emploi de citoyen; il aimait ce rôle à la passion, je crois même qu’il serait mort plutôt que d’y renoncer. Ce n’est pas que je l’assimile à un comédien de profession: Dieu m’en préserve, d’autant plus que, personnellement, je l’estime. Tout, dans son cas, pouvait être l’effet de l’habitude, ou mieux, d’une noble tendance qui, dès ses premières années, avait constamment poussé à rêver une belle situation civique. Par exemple, sa position de «persécuté» et d’»exilé» lui plaisait au plus haut point. Le prestige classique de ces deux petits mots l’avait séduit une fois pour toutes; en se les appliquant, il se grandissait à ses propres yeux, si bien qu’il finit à la longue par se hisser sur une sorte de piédestal fort agréable à la vanité.
Je crois bien que, vers la fin, tout le monde l’avait oublié, mais il y aurait injustice à dire qu’il fut toujours inconnu. Les hommes de la dernière génération entendirent parler de lui comme d’un des coryphées du libéralisme. Durant un moment, — une toute petite minute, — son nom eut, dans certains milieux, à peu près le même retentissement que ceux de Tchaadaïeff, de Biélinsky, de Granovsky et de Hertzen qui débutait alors à l’étranger. Malheureusement, à peine commencée, la carrière active de Stépan Trophimovitch s’interrompit, brisée qu’elle fût, disait-il par le «tourbillon des circonstances». À cet égard, il se trompait. Ces jours-ci seulement j’ai appris avec une extrême surprise, — mais force m’a été de me rendre à l’évidence, — que, loin d’être en exil dans notre province, comme chacun le pensait chez nous, Stépan Trophimovitch n’avait même jamais été sous la surveillance de la police. Ce que c’est pourtant que la puissance de l’imagination! Lui-même crut toute sa vie qu’on avait peur de lui en haut lieu, que tous ses pas étaient comptés, toutes ses démarches épiées, et que tout nouveau gouverneur envoyé dans notre province arrivait de Pétersbourg avec des instructions précises concernant sa personne. Si l’on avait démontré clair comme le jour au très-honorable Stépan Trophimovitch qu’il n’avait absolument rien à craindre, il en aurait été blessé à coup sûr. Et cependant c’était un homme fort intelligent…
The painting “Girl with Peaches” («Девочка с персиками») is a recognized masterpiece of the Russian artist Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) (Серов Валентин Александрович). It was painted in 1887 and is an oil on canvas measuring 91 x 85 cm, now located in the State Tretyakov Gallery in Moscow. This is one of the first and most significant works in the direction of Russian impressionism for which it paved the way. This picture combines several genres: there is a landscape , a still life , and a portrait .
Girl with Peaches
Valentin Serov first went to the Abramtsevo estate in 1875 with his mother, and growing up continued to often visit the estate.
Serov wrote “Girl with Peaches” when he was not yet 22 years old. Valentin Aleksandrovich sought to create not just a portrait, but a living picture that reflected a moment in life. He was inspired by the beauty and spontaneity of Verusha, and invited the 11-year-old Vera Mamontova to pose after seeing her running into the house, taking a peach, and sitting down at the table. Vera posed for Serov every day for almost two months.
Vera Mamontov. Photo from 1888
The expressiveness of the picture is given by bright details, a play of highlights and a young image of the heroine of the portrait. The artist placed the girl in an atmosphere of a carefree sunny day, ripe peaches and a cozy dining room. The peculiarity of this portrait was that Serov added to it elements of a still life (fruits on the table, a knife, leaves) and a landscape (a garden outside the window). This technique allowed to expand the general meaning of the picture.
In the center of the composition is Mamontov’s daughter Verochka. She is sitting at a large table covered with a white tablecloth, and there are several chairs with high backs nearby. The objects in the room indicate that the girl lives in a wealthy family, and many chairs in the dining room are reminiscent of a large family.
The girl is dressed in a light pink loose blouse with a turn-down collar and a puffy bow. This bow tells about the romantic and bright character of the girl. There is no feeling that she was preparing to pose. The artist deliberately left her hair the way they were, sticking out in unruly curls. She certainly frolicked in the garden and wants to run to play again. It seems hard for her to sit still. There is a blush on her cheeks, making her look like the peaches that lying on the table. The happy look of the girl says that she lives among people who love her.
Girl with Peaches – part Verochka
She holds a peach in her hands, which look very tanned. We can say that the girl spent the summer outdoors outside the city. Three more fruits and a silver carving knife lie on the table nearby. The peaches are beautifully combined with yellow leaves which talks about the time of fruit ripening. It can be seen that the objects were not laid out on purpose, but the moment was chosen spontaneously. The peaches have their own history. They were raised in a greenhouse by a gardener specially hired by the owner of the estate. These fruits indicate the prosperity of the owners of the estate and a penchant for the exotic.
Girl with Peaches – part peaches
The girl is surrounded by various objects. We see the backs of the chairs around the dining table. Behind the girl is a figure of a grenadier, reminiscent of the children in the house.
There is a painted plate on the wall. The plate is drawn as a tribute to Savva Mamontov, who was fond of pottery arts.
Girl with Peaches – part plate
Another detail that reflects an outstanding intuitive impressionist in Serov is as if a random edge to the composition. The door on the girl’s right, a half of a chair cut by the frame give the image a look of reality, spontaneous and relaxed. The art historian Mark Copshitzer noted, ” a chair, part of which is captured on canvas, has its continuation beyond the space of the painting, it marks the beginning of the whole world which did not appear on the painting, with its chairs and tables, and other peaches, and the other girls”.
Girl with Peaches
Outside the window, the garden begins to turn yellow. Summer is coming to an end. Maple leaves, in turn, are depicted because the artist began work on the canvas in the height of summer, and finished only in September. In addition, maple autumn leaves create a special contrast in comparison with ripe peaches, reminiscent of the transience of everything and the need to enjoy the sun, as well as everything that happens around.
Serov achieved a fantastic effect of lightness and freshness by placing the light source behind the model. Shining through the leaves, the sun’s rays reflecting off the tablecloths and the girl’s blouse, it adds pink and gold to the space around the subject. Warm, delicate colors, soft reflected light, a lot of air were unusual for Russian painting of those years.
The main difference from the canvases of other portrait painters is the fullness of light. The main character sits in front of the window and is well lit, sun glare on all objects, on hair and clothes. Light dissolves the contours of objects, this brings the work closer to the canvases of the French Impressionists.
The statement of the author himself about the idea of the picture has been preserved. He wrote that he wanted to achieve a special freshness in his painting. The girl was supposed to look in the picture the same as on that summer day. The bright image of Vera coincided with how the artist imagined beauty. The author dreamed of conveying on canvas the joy of life that surrounds the girl and lives in her.
The artist succeeded superbly. Together with him we admire the carefree world of childhood. These moments are especially valuable because they pass quickly. The transience of time is reminiscent of autumn leaves in the foreground of the picture and the coming autumn outside the window. You can feel the philosophical message in the picture. The artist shows the transience of time. Summer changes very quickly, and youth also passes quickly.
I hope you enjoyed this painting as much as I did.
Le tableau “Fille aux Pêches” (“Девочка с персиками”) est un chef-d’œuvre reconnu de l’artiste russe Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) (Серов Валентин Александрович). Il a été peint en 1887 et est une peinture à l’huile sur toile mesurant 91 x 85 cm, maintenant situé dans la Galerie nationale Tretiakov à Moscou. C’est l’une des premières et des plus importantes œuvres dans la direction de l’impressionnisme russe auquel elle a ouvert la voie. Ce tableau mêle plusieurs genres : il y a un paysage, une nature morte, et un portrait.
La Fille aux Pêches
Valentin Serov est allé pour la première fois au domaine d’Abramtsevo en 1875 avec sa mère et, en grandissant, il a continué à visiter souvent le domaine.
Serov a peint “La Fille aux Pêches” alors qu’il n’avait pas encore 22 ans. Valentin Aleksandrovich a cherché à créer non seulement un portrait, mais une image vivante qui reflètait un moment de la vie. Il a été inspiré par la beauté et la spontanéité de Verusha et a invité Vera Mamontova, 11 ans, à poser après l’avoir vue courir dans la maison, prendre une pêche et s’asseoir à table. Vera a posé pour Serov tous les jours pendant près de deux mois.
Vera Mamontov. Photo from 1888
L’expressivité de l’image est donnée par des détails lumineux, un jeu de reflets et la jeune image de l’héroïne du portrait. L’artiste a placé la jeune fille dans une atmosphère de journée ensoleillée insouciante, avec des pêches mûres et dans une salle à manger confortable. La particularité de ce portrait était que Serov y a ajouté des éléments de nature morte (des fruits sur la table, un couteau, des feuilles) et, un paysage (un jardin à l’extérieur de la fenêtre). Cette technique a permis d’élargir le sens général de l’image.
Au centre de la composition se trouve la fille de Mamontov, Verochka. Elle est assise à une grande table recouverte d’une nappe blanche, et il y a plusieurs chaises à haut dossier à proximité. Les objets dans la pièce indiquent que la jeune fille vit dans une famille aisée, et de nombreuses chaises dans la salle à manger rappellent une famille nombreuse.
La fille est vêtue d’un chemisier ample rose clair avec un col rabattu et un nœud bouffant. Ce nœud bouffant raconte le caractère romantique et lumineux de la fille. Il n’y a aucun sentiment qu’elle se préparait à poser. L’artiste a délibérément laissé ses cheveux tels qu’ils étaient, formant des boucles indisciplinées. Elle a certainement gambadé dans le jardin et veut courir pour rejouer. Il semble difficile pour elle de rester assise. Il y a une rougeur sur ses joues, la faisant ressembler aux pêches qui se trouvent sur la table. Le regard heureux de la jeune fille dit qu’elle vit parmi des gens qui l’aiment.
La Fille aux Pêches – partie Verochka
Elle tient une pêche dans ses mains, qui ont l’air très bronzées. On peut dire que la jeune fille a passé l’été à l’extérieur de la ville. Trois autres fruits et un couteau à découper en argent reposent sur la table à proximité. Les pêches sont magnifiquement combinées avec des feuilles jaunes qui parlent du moment de la maturation des fruits. On voit que les objets n’ont pas été disposés exprès, mais le moment a été choisi spontanément. Les pêches ont leur propre histoire. Elles ont été élevés dans une serre par un jardinier spécialement engagé par le propriétaire du domaine. Ces fruits témoignent de la prospérité des propriétaires du domaine et d’un penchant pour l’exotisme.
La Fille aux Pêches – partie peaches
La jeune fille est entourée de divers objets. On voit les dossiers des chaises autour de la table à manger. Derrière la fille se trouve une figure de grenadier, rappelant les enfants de la maison.
Il y a une assiette peinte sur le mur. L’assiette est dessinée en hommage à Savva Mamontov, qui aimait les arts de la poterie.
La Fille aux Pêches – partie assiette
Un autre détail qui reflète un impressionniste intuitif exceptionnel chez Serov est le bord aléatoire de la composition. La porte à droite de la jeune fille, une moitié de chaise coupée par le cadre donnent à l’image un aspect de réalité, spontané et détendu. L’historien de l’art Mark Copshitzer a noté : « une chaise, dont une partie est capturée sur toile, a sa continuation au-delà de l’espace du tableau, elle marque le début du monde entier qui n’apparaissait pas sur la toile, avec ses chaises et ses tables, et d’autres pêches, et les autres filles ».
La Fille aux Pêches
Derrière la fenêtre, le jardin commence à jaunir. L’été touche à sa fin. Les feuilles d’érable, à leur tour, sont représentées parce que l’artiste a commencé à travailler sur la toile au plus fort de l’été et n’a terminé qu’en septembre. De plus, les feuilles d’érable d’automne créent un contraste particulier par rapport aux pêches mûres, rappelant la fugacité de tout et la nécessité de profiter du soleil, ainsi que de tout ce qui se passe autour.
Serov a obtenu un fantastique effet de légèreté et de fraîcheur en plaçant la source lumineuse derrière le modèle. Brillant à travers les feuilles, les rayons du soleil se reflétant sur la nappe et le chemisier de la fille, il ajoute du rose et de l’or à l’espace autour du sujet. Des couleurs chaudes et délicates, une douce lumière réfléchie, beaucoup d’air étaient inhabituels pour la peinture russe de ces années.
La principale différence avec les toiles des autres portraitistes est la plénitude de la lumière. Le personnage principal est assis devant la fenêtre et est bien éclairé, les reflets du soleil sur tous les objets, sur les cheveux et les vêtements. La lumière dissout les contours des objets, ce qui rapproche l’œuvre des toiles des impressionnistes français.
La déclaration de l’auteur lui-même sur l’idée de l’image a été conservée. Il a écrit qu’il voulait obtenir une fraîcheur particulière dans sa peinture. La fille était censée avoir l’air sur la peinture de la même manière que ce jour d’été. L’image lumineuse de Vera coïncidait avec la façon dont l’artiste imaginait la beauté. L’auteur rêvait de transmettre sur toile la joie de vivre qui entourait et habitait la jeune fille.
L’artiste a superbement réussi. Avec lui, nous admirons le monde insouciant de l’enfance. Ces moments sont particulièrement précieux car ils passent vite. La fugacité du temps est rappelée par les feuilles d’automne au premier plan de l’image et par l’automne qui vient à l’extérieur de la fenêtre. Vous pouvez sentir le message philosophique dans l’image. L’artiste montre la fugacité du temps. L’été change très vite et la jeunesse passe aussi vite.
J’espère que vous avez apprécié ce tableau autant que moi.
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