AKirill, Learn, apprenez, translation, traduction, livres bilingues, bilingual books
On this site we hope to help you learn, and to remove the difficulties caused by the difference of culture and language. Sur ce site nous espérons vous aider à apprendre, et à enlever la barrière causée par les différents languages et cultures.
| Livres bilingues | Read in English | Contactez-nous |
| Littérature américaine | Littérature française | Littérature russe |
Une belle vidéo du complexe du musée Repin dans le village de Shiryaevo près de Samara. Elle m’a été envoyé par un ami. J’espère que vous l’apprécierez autant que moi.
| Si vous avez aimé cet article, abonnez-vous, mettez des likes, écrivez des commentaires ! |
| Partager sur les réseaux sociaux |
| Découvrez nos derniers messages |
“Barge Haulers on the Volga” is a cult painting by the great Russian painter Ilya Efimovich Repin. The main canvas size is 62 cm by 97 cm and is exposed in the Tretyakov Gallery. The painting was created in the period 1870-1873, and drew international praise for his realistic portrayal of the hardships of working men. Art historians define the genre of this painting as naturalism with elements of critical realism.
One of Repin’s conflicts was his unwillingness to preach and express any moralizing with his works. He tried to follow the ideas of pure art having at the same time his civic position and unconditionally conveyed it in his works. The Barge Haulers on the Volga are devoid of moralizing and demonstrate human history, on the one hands, but also, as it were, push the stories of these people into the background, exposing the nerve of slave labor and class division.
The idea for the painting came to Ilyia Repin back in 1869 when he saw barge haulers on the Neva and was stuck by their stern and exhausted appearance. These are ship workers which duties included everything related to the ship and cargo as loading and unloading goods, pulling a heavy ship from the shoals, closing up holes, bailing out water. Barge hauling was officially banned in 1929, and before the Russian revolution, barge haulers could still be found on small rivers and impassable sections of large rivers.
In May 1870, Ilya went to the Volga where he made close acquaintance with barge haulers and drew many sketches of figures and landscapes. In the same year, Ilya Repin made sketches of the composition representing two solutions, mainly differing in the direction of movement of the barge gang.
Summer 1872 Repin returned to the Volga in the village of Shiryaevo and rewrote the picture while retaining its composition.
It is often believed that Repin wrote his barge haulers as an illustration to a poem by Nikolai Alekseevitch Nekrasov, but the truth is that Repin did not know of this poem until 2 years after he finished his canvas and didn’t agree with it.
The main difference between Repin’s “Barge Haulers” and other paintings of barge haulers is that in other paintings they are represented as a dark mass, people with indistinguishable faces, similar to each other, like ants pulling a huge load into a anthill but in Repin’s “Barge Haulers” each burlak is a personality, an individual, not like anybody else.
In the 30th, a second rise in the popularity of “Barge haulers on the Volga” happened in the URSS. “Barge haulers on the Volga” became a true icon, a standard of pictorial writing and a cult object of social realism in the URSS. The illustration of “Barge haulers on the Volga” filled all the textbooks of the Soviet era, and were one of the main illustrations of the cruel oppression of the people by the criminal tsarist regime.
There is eleven men, their number being decided according to the weight of the loaded vessel, at a rate of about 250 pounds per person. They are pulling a barge behind them can be seen as symbolizing the Russian Empire.
The barge haulers are compositionally combined into 3 clearly visible groups.
The first group consists of four figures with Kanin at the head, the second, also of four figures, among which the image of the young barge hauler Larka stands out and dominates, and, finally, the last group of three, less significant and expressive figures.
In the first group, we see how strong and masterfully everything is arranged. There is a compact unity, but with a great complexity of the outer contour, which gives it vitality. The heads are placed in such a way that each of them is clearly visible against a free background, and depicting the figures in a strong tilt, Repin raises their heads so that their faces are visible. Depicting the faces of the barge haulers of the first group frontally, I. Repin only makes the far right (Ilka Sailor) look directly at the audience. Kanin is looking somewhere in the distance, and the redhead’s gaze is turned to Kanin. This achieves freedom of expression. The main characters do not pose, but live their lives. Their appeal to the audience would have made them reasoners, which was especially dangerous in the positive image of the sage Kanin.
The stall – the second most powerful image in the picture along with Kanin – visually represents the center of the entire figured part of the composition. To the right and to the left of it is an equal number of figures of barge haulers. The group with Larka is built on sharp contrasts of images. The youth of Larka, his impatience and irritation of youth are opposed, on the one hand, by the exhaustion of a consumptive, and on the other, by the phlegmatic calm of an experienced old man who knows how to adapt to any situation. Leaning against his neighbor’s shoulder, he calmly fills his pipe. The stall is the most captivating image in its lyricism and youthful charm. It is also highlighted in color. His pink youthful body, rags of a red falling shirt and trousers form a bright colorful spot among the dark figures of barge haulers.
Placed next to the Stall, the figure of a consumptive, with its strong inclination, connects the second group with the first and at the same time frees up the necessary space in front of the Stall.
The last figure in the third group, depicted frontally, with a lowered head, corresponds with the extreme figure of the first group, as if closing the entire mass of the gang. The result is a kind of rhythm of wave-like movement.
The sketches were preserved where Repin indicated the names of some of the characters.
Rasstriga-Kanin, the bump of the artel is the first on the right side of the canvas. He used to sing in a church choir, but had been deprived of church dignity and “pulling the strap” for 10 years. In the artel of barge haulers he built a career. Thanks to his intelligence and perseverance, he became the leader of the team, the “bump”. He knows the coastline best of all, and sets the pace for the whole group. The barge haulers did each step synchronously with the right foot, then pulling up the left. From this the whole artel moved as one. If someone lost his stride, people collided with their shoulders, and the bump gave the command “hay – straw” (сено — солома), resuming movement in step. To keep the rhythm on the narrow paths over the cliffs, great skill was required from the foreman.
Next to him is a black-bearded giant, he is tanned and overgrown with curly hair. He is the “podshishelny”, the right hand of the brigadier and the strongest man in the whole artel. He is a Nizhny Novgorod fighter. In winter, he earns by participating in fisticuffs. And in spring-autumn “pulls the strap”. He is not more than 40 years old, and still has enough physical strength. He is put in the first team, as one of the strongest and most conscientious.
A little behind Rasstriga-Kanin on his left is Ilka the sailor, who was something like an accountant, bought provisions and gave the barge haulers their salaries. He knows how to work hard, so he is also in the front row. But it is clear that he is a mean person. He alone pierces us with an unkind look. This one easily swears and sends you to hell.
“Bondage” is the second hack and walks behind the Stall. He is clearly lazy, he walks straight, not straining in his work and trying to shift part of his burden onto the shoulders of others. He managed to squander the salary for the entire trip and being indebted to the artel, worked for food. Yet, he still manages to smoke a pipe, He is the best dressed of all. His shirt is not rags, like those of his comrades. He is wearing a real hat, not a tied rag. Most likely, he is from the peasants who has a wife or mother at home whom take care of his clothes.
Behind Ilka the sailor is Larka, the cook and falcon headman (who is responsible for the cleanliness of the latrine on the ship) and the youngest member of the artel. The young village boy Larka is especially striking to us. Maybe his family sent him to earn extra money or he left home and is trying to feed himself. Obviously, this is almost the first time he pulls the strap. Considering his duties to be more than sufficient, Larka sometimes quarreled and defiantly refused to pull the strap. And now he looks at the barge hauler next to him, who is clearly groveling in the line. The lasy guy is even smoking a pipe
“Hackers” is simply a negligent one, who on occasion is not averse to sifting part of the burden onto the shoulders of others.
Behind him, the head of Kalmyk is visible. According to Repin, it was “a barge hauler with eyes as if cut through by sedge.” He also had a large, smart, intelligent forehead, showing that this is not a simpleton … He wore a shirt without belt, the ports have come off on bare black legs.
Behind him is a man of about 60 years old. He is emaciated, desperately wiping sweat from his forehead with his sleeve. Most likely, he is ill with consumption, and this might be his last burlach season.
In the last group we first see the overseer, he makes sure that others are not lazy and pull the strap along with everyone else. Contrary to the others he wears boots, and his clothes are newer.
The penultimate one, is a tall Greek who looks angrily at the barge, where the owner is shouting something to the barge haulers
“Inert” is the person with the most depressing appearance and comes last. It feels like he’s about to collapse. His hands are limply lowered. The head is so low on the chest that the face is not visible. Usually the last in the “team” were experienced, but weak or sick. They normally walked a little apart, in their own rhythm and looked at their feet. Since their function was to ensure that the string did not touch the stones. So his downcast posture and lagging behind the rest does not mean that he is ill.
The flag on sailing ship since the time of Peter the Great was hoisted on the stern flagpole (On warships, the state black-yellow-white flag, on merchant ships, the commercial white-blue-red flag). On the mast a weather vane was hung by which the sailors determined the direction and strength of the wind. Repin accustomed to the state military flag, confused that on the trade tricolor, the white strip should be at the top, and not the bottom, as usual. Only ten years later, in 1883, the white-blue-red tricolore became the national Russian flag. But it is also said that the order of the stripes on the flag was not treated too carefully, and it was sometimes raised upside down as in the painting.
It is interesting that Repin, who studied the life of barge haulers, quite correctly depicted how the tow line looked and the place of his fastening which is the very top of the mast. By attaching the rope to the top of the mast, barge haulers let the mast carry the bulk of the weight of the towline. With such an attachment, the force vector is the same as if the bark is under sail, that is, the pilot has the Opportunity to control the movement of the ship with the help of the rudder.
The pilot, is the man at the helm of the ship, and actually her captain. He earns more than the entire artel put together. He gives instructions to barge haulers and maneuvers both the rudder and the blocks that regulate the length of the tow line.
“The waterpipe”, water dispenser, is the carpenter who caulks and repairs the ships, monitors the safety of the goods, and bears financial responsibility for it during loadings and unloading. Under his contract, he does not have the right to leave the ship during the voyage and replaces the owner, managing on his behalf.
Since the 16th century, it was customary to decorate the Volga ships with intricate carvings since it was believed that they helped the ship to rise against the current and this ship was no exception and had beautiful carvings.
When Dostoevsky saw “Barge Haulers on the Volga”, he was very glad that Ilya Repin did not put any social protest in it. Dostoevsky wrote in his diary that they were “Barge haulers, real barge haulers and nothing more,” and he added that “None of them shouts from the picture to the viewer: “Look how unhappy I am and to what extent you owe the people!”
The familiar figures of the barge haulers on the bank of the Volga are an eternal symbol of unlimited patience, hard work for the sake of survival, a strap that the working people had to pull all their lives and sad echoes of the past in the present.
You can find a beautiful sculpture of the painting of “Barge Haulers on the Volga” by Ilya Repin in Samara.
I hope you enjoyed this canvas as much as I did.
| If you liked this article, subscribe , put likes, write comments!. |
| Share on social networks |
| Check out Our Latest Posts |
| Livres bilingues | Read in English | Contactez-nous |
| Littérature américaine | Littérature française | Littérature russe |
“Transporteurs de barges sur la Volga” est un tableau culte du grand peintre russe Ilya Efimovich Repin. La taille de la toile principale est de 62 cm sur 97 cm et est exposée dans la galerie Tretiakov. Le tableau a été créé dans la période 1870-1873 et a suscité des éloges internationalles pour sa représentation réaliste des difficultés des travailleurs. Les historiens de l’art définissent le genre de cette peinture comme du naturalisme avec des éléments de réalisme critique.
L’un des conflits de Repin était sa réticence à prêcher et à exprimer toute moralisation avec ses œuvres. Il a essayé de suivre les idées de l’art pur en ayant à la fois sa position civique et l’a inconditionnellement véhiculée dans ses œuvres. Les Barge Haulers sur la Volga sont dépourvus de moralisation et démontrent l’histoire humaine, d’une part, mais aussi, pour ainsi dire, repoussent les histoires de ces personnes à l’arrière-plan, exposant le nerf du travail des esclaves et de la division de classe.
L’idée de la peinture est venue à Ilyia Repine en 1869 lorsqu’il a vu des transporteurs de barges sur la Neva et a été marqué par leur apparence sévère et épuisée. Ce sont des ouvriers du navire dont les tâches comprenaient tout ce qui concernait le navire et la cargaison, comme le chargement et le déchargement des marchandises, le retrait d’un navire lourd des hauts-fonds, la fermeture de trous, le renflouement de l’eau. Le transport de barge par les transporteurs a été officiellement interdit en 1929, et avant la révolution russe, on pouvait encore trouver des transporteurs par barge sur les petites rivières et les sections infranchissables des grands fleuves.
En mai 1870, Ilya se rendit sur la Volga où il fit la connaissance étroite des transporteurs de barges et dessina de nombreux croquis de personnages et de paysages. La même année, Ilya Repin a réalisé des croquis de la composition représentant deux solutions, différant principalement par le sens de déplacement du gang des barges.
Été 1872, Repin retourna sur la Volga dans le village de Shiryaevo près de Samara et réécrivit l’image tout en conservant sa composition.
On croit souvent que Repin a écrit ses transporteurs de barges comme illustration d’un poème de Nikolai Alekseevitch Nekrasov, mais la vérité est que Repin n’a eu connaissance de ce poème que 2 ans après avoir terminé sa toile et n’était pas d’accord avec le poème.
La principale différence entre les «transporteurs de barges» de Repin et d’autres peintures de transporteurs de barges est que dans d’autres peintures, ils sont représentés comme une masse sombre, des gens aux visages indiscernables, semblables les uns aux autres, comme des fourmis tirant une énorme charge dans une fourmilière mais dans Repin « transporteurs de barges » chaque burlak est une personnalité, un individu, pas comme les autres.
Dans les années 30, une deuxième augmentation de la popularité des “Transporteurs de barges sur la Volga” s’est produite en URSS. Les “Transporteurs de barges sur la Volga” sont devenus une véritable icône, un standard de l’écriture picturale et un objet culte du réalisme social en URSS. L’illustration des «transporteurs de barges sur la Volga» remplissait tous les manuels de l’ère soviétique et constituait l’une des principales illustrations de la cruelle oppression du peuple par le régime tsariste criminel.
Il y a onze hommes, leur nombre étant déterminé d’après le poids du navire chargé, à raison d’environ 250 livres par personne. Ils tirent une péniche derrière eux et peuvent être considérés comme symbolisant l’Empire russe.
Les transporteurs de barge sont combinés en composition en 3 groupes clairement visibles.
Le premier groupe est composé de quatre personnages avec Kanin en tête, le second, également de quatre personnages, parmi lesquels l’image du jeune transporteur de barges Larka se détache et domine, et, enfin, le dernier groupe de trois, avec des figures moins significatives et expressives.
Dans le premier groupe, on voit à quel point tout est fort et magistralement arrangé. Il y a une unité compacte, mais avec une grande complexité du contour extérieur, ce qui lui donne de la vitalité. Les têtes sont placées de manière à ce que chacune d’elles soit clairement visible sur un fond libre, et représentant les personnages dans une forte inclinaison, Repin lève la tête pour que leurs visages soient visibles. Représentant frontalement les visages des transporteurs de barges du premier groupe, I. Repin ne fait que regarder directement le public à l’extrême droite (Ilka Sailor). Kanin regarde quelque part au loin, et le regard du rouquin est tourné vers Kanin. Cela permet d’atteindre la liberté d’expression. Les personnages principaux ne posent pas, mais vivent leur vie. Leur attrait pour le public en aurait fait des raisonneurs, ce qui était particulièrement dangereux dans l’image positive du sage Kanin.
“La stalle” – la deuxième image la plus puissante de l’image avec Kanin – représente visuellement le centre de toute la partie figurée de la composition. À droite et à gauche de celui-ci se trouve un nombre égal de figures de transporteurs de barges. Le groupe avec Larka est construit sur de forts contrastes d’images. La jeunesse de Larka, son impatience et son irritation de jeunesse s’opposent, d’une part, à l’épuisement d’un phtisique, et d’autre part, au calme flegmatique d’un vieil homme expérimenté qui sait s’adapter à toutes les situations. Appuyé contre l’épaule de son voisin, il bourre calmement sa pipe. L’étal est l’image la plus captivante par son lyrisme et son charme juvénile. Il est également mis en évidence en couleur. Son corps rose juvénile, les chiffons d’une chemise et d’un pantalon rouges tombants forment une tache colorée et lumineuse parmi les silhouettes sombres des transporteurs de barges.
Placée à côté du “Stall”, la figure d’un phtisique, avec sa forte inclinaison, relie le second groupe au premier et libère en même temps l’espace nécessaire devant le “Stall”.
La dernière figure du troisième groupe, représentée de face, la tête baissée, correspond à la figure extrême du premier groupe, comme si elle fermait toute la masse du gang. Le résultat est une sorte de rythme de mouvement ondulatoire.
Les croquis ont été conservés où Repin a indiqué les noms de certains des personnages.
Rasstriga-Kanin, le “bump” de l’artel est le premier sur le côté droit de la toile. Il avait l’habitude de chanter dans une chorale d’église, mais a été privé de la dignité de l’église et “a tiré la sangle” pendant 10 ans. Dans l’artel des transporteurs de barges, il a construit une carrière. Grâce à son intelligence et à sa persévérance, il est devenu le leader de l’équipe, le “bump”. C’est lui qui connaît le mieux le littoral et donne le rythme à tout le groupe. Les transporteurs de barge ont fait chaque pas de manière synchrone avec le pied droit, puis en tirant vers le haut le gauche. A partir de là, tout l’artel s’est déplacé comme un seul. Si quelqu’un perdait sa foulée, les gens se heurtaient aux épaules et le “bump” donnait l’ordre «foin – paille» (сено — солома), reprenant le mouvement au pas. Pour garder le rythme sur les sentiers étroits au-dessus des falaises, une grande habileté était requise de la part du contremaître.
À côté de lui se trouve un géant à barbe noire, il est bronzé et recouvert de cheveux bouclés. Il est le « podshishelny », le bras droit du brigadier et l’homme le plus fort de tout l’artel. C’est un combattant de Nizhny Novgorod. En hiver, il gagne en participant à des combats. Et au printemps-automne “tire la sangle”. Il n’a pas plus de 40 ans et a encore assez de force physique. Il est placé dans l’équipe première, comme l’un des plus forts et des plus consciencieux.
Un peu derrière Rasstriga-Kanin, à sa gauche, se trouve Ilka le marin, qui était comme un comptable, achetait des vivres et donnait leurs salaires aux transporteurs de barges. Il sait travailler dur, donc il est aussi au premier rang. Mais il est clair que c’est une personne agressive. Lui seul nous transperce d’un regard méchant. Celui-ci jure facilement et vous envoie en enfer.
“Bondage” est le deuxième hack et marche derrière le Stall. Il est clairement paresseux, il marche droit, ne se fatigue pas dans son travail et essaie de déplacer une partie de son fardeau sur les épaules des autres. Il a réussi à dilapider le salaire pour tout le voyage et étant redevable à l’artel, maintenant il travaille pour se nourrir. Pourtant, il arrive toujours à fumer la pipe, c’est le mieux habillé de tous. Sa chemise n’est pas en guenilles, comme celles de ses camarades. Il porte un vrai chapeau, pas un chiffon noué. Très probablement, il fait partie des paysans qui ont une femme ou une mère à la maison qui s’occupe de ses vêtements.
Derrière Ilka le marin se trouve Larka, le chef cuisinier et faucon (qui est responsable de la propreté des latrines sur le navire) et le plus jeune membre de l’artel. Le jeune garçon du village Larka nous frappe particulièrement. Peut-être que sa famille l’a envoyé gagner de l’argent supplémentaire ou qu’il a quitté la maison et essaie de se nourrir. Évidemment, c’est presque la première fois qu’il tire sur la sangle. Considérant ses devoirs plus que suffisants, Larka se dispute parfois et refuse avec défi de tirer la sangle. Maintenant, Il regarde le transporteur de péniche à côté de lui, qui clairement ne se donne pas trop de mal dans la ligne. L’homme paresseux fume même une pipe.
Les “hackers” sont simplement des négligents, qui parfois ne sont pas opposés à rejeter une partie du fardeau sur les épaules des autres.
Derrière lui, la tête de Kalmouk est visible. Selon Repin, c’était “un transporteur de péniches avec des yeux comme s’ils étaient traversés par des carex”. Il avait également un front large, ingénieux et intelligent; montrant que ce n’est pas un homme stupide… Il portait une chemise sans ceinture, les ports se sont décollés sur ses jambes noires nues.
Derrière lui se trouve un homme d’environ 60 ans. Il est émacié, essuyant désespérément la sueur de son front avec sa manche. Très probablement, il souffre de consommation, et ce pourrait être sa dernière saison de burlach.
Dans le dernier groupe, nous voyons d’abord le superviseur, il s’assure que les autres ne sont pas paresseux et tire la sangle avec tout le monde. Contrairement aux autres il porte des bottes, et ses vêtements sont plus neufs.
L’avant-dernier, est un grand Grec qui regarde avec colère la barge, où le propriétaire crie quelque chose aux transporteurs de barge.
“Inerte” est la personne avec l’apparence la plus déprimante et vient en dernier. On dirait qu’il est sur le point de s’effondrer. Ses mains sont mollement baissées. La tête est si basse sur la poitrine que le visage n’est pas visible.
Habituellement, les derniers membres de «l’équipe» étaient expérimentés, mais faibles ou malades. Ils marchaient normalement un peu à l’écart, à leur rythme et regardaient leurs pieds, puisque leur fonction était de s’assurer que la ficelle ne touchait pas les pierres. Ainsi, sa posture abattue et à la traîne ne signifie pas qu’il est malade.
Le drapeau sur les voiliers depuis l’époque de Pierre le Grand était hissé sur le mât de poupe (sur les navires de guerre, le drapeau d’État noir-jaune-blanc, sur les navires marchands, le drapeau commercial blanc-bleu-rouge). Au mât était accrochée une girouette par laquelle les marins déterminaient la direction et la force du vent. Repin, habitué au drapeau militaire de l’État, confond que sur le tricolore commercial, la bande blanche doit être en haut et non en bas, comme d’habitude. Seulement dix ans plus tard, en 1883, le drapeau tricolore blanc-bleu-rouge est devenu le drapeau national russe. Mais on dit aussi que l’ordre des rayures sur le drapeau n’était pas traité avec trop de soin, et qu’il était parfois soulevé à l’envers comme dans le tableau.
Il est intéressant de noter que Repin, qui a étudié la vie des transporteurs de barges, a décrit assez correctement à quoi ressemblait le câble de remorquage et l’endroit de sa fixation qui est tout en haut du mât. En attachant la corde au sommet du mât, les transporteurs de barges laissent le mât supporter l’essentiel du poids de la remorque. Avec une telle fixation, le vecteur de force est le même que si la barque était sous voile, c’est-à-dire que le pilote a la possibilité de contrôler le mouvement du navire à l’aide du gouvernail.
Le pilote est l’homme à la barre du navire, et en fait son capitaine. Il gagne plus que tout l’artel réuni. Il donne des instructions aux haleurs de barge et manœuvre à la fois le gouvernail et les poulies qui règlent la longueur de la ligne de remorquage.
“La pipe à eau”, distributeur d’eau, est le charpentier qui calfate et répare les navires, surveille la sécurité des marchandises et en assume la responsabilité financière lors des chargements et déchargements. Aux termes de son contrat, il n’a pas le droit de quitter le navire pendant le voyage et se substitue au propriétaire, gérant en son nom.
Depuis le XVIe siècle, il était de coutume de décorer la coque des bateaux de la Volga avec des sculptures complexes car on croyait qu’elles aidaient le navire à s’élever à contre-courant et ce navire ne faisait pas exception et avait de belles sculptures.
Lorsque Dostoïevski a vu «Transporteurs de barges sur la Volga», il était très heureux qu’Ilya Repine n’y ait mis aucune protestation sociale. Dostoïevski écrivit dans son journal qu’ils étaient «des transporteurs de péniches, de vrais transporteurs de péniches et rien de plus», et il ajouta que «aucun d’eux ne crie de l’image au spectateur:« Regardez comme je suis malheureux et dans quelle mesure vous devez au peuple !”
Les figures familières des transporteurs de barges sur la rive de la Volga sont un symbole éternel de patience illimitée, de travail acharné pour survivre, une sangle que les travailleurs ont dû tirer toute leur vie et de tristes échos du passé dans le présent.
Vous pouvez trouver une magnifique sculpture de la peinture de “Barge Haulers on the Volga” par Ilya Repin à Samara.
J’espère que vous avez apprécié cette toile autant que moi.
| Si vous avez aimé cet article, abonnez-vous, mettez des likes, écrivez des commentaires ! |
| Partager sur les réseaux sociaux |
| Découvrez nos derniers messages |
Grâce aux efforts du prince Zasekin Grigory Osipovich au XVIe siècle, les frontières de l’État russe se sont considérablement élargies à l’est. Il fut le premier gouverneur et père fondateur des forteresses russes sur la Volga, qui devinrent plus tard les immenses villes de Samara, Saratov et Perevoloka (Volgograd).
La date exacte de naissance du prince Zasekin est inconnue, mais les historiens s’accordent à dire qu’il est né vers 1550. Il est issu de l’ancienne famille des princes de Yaroslavi : les Zasekins. Son père, selon la norme de l’époque, était un homme très pauvre. On sait peu de choses sur son enfance, mais on peut supposer qu’il a commencé son service militaire, sous Ivan le Terrible, à l’âge d’environ 15 ans, ce qui était la norme à cette époque pour les jeunes nobles.
Le début de sa carrière tomba sur la dernière étape de la guerre de Livonie de 1558 à 1583. Il servit aux frontières occidentales du royaume de Russie, où les conflits militaires réguliers étaient monnaie courante. En 1570, le prince Zasekin est mentionné comme chef des archers.
Les premières actions de Grigory Zasekin en tant que chef sont liées à la guerre russo-suédoise de 1570-1595. Il effectua son service militaire dans la forteresse de Korela environ de 1574-1575 à 1579 avec de courtes interruptions. En 1575, une bataille avec les Suédois y a eu lieu dans laquelle les Russes ont gagné. En 1577, le prince Zasekin servit dans la forteresse d’Oreshek et participa à la campagne de Livonie. Pendant une courte période au cours de l’automne 1577, son cousin Zasekin-Solntsev et lui-même furent nommés gouverneurs subalternes de la ville de Trikaten qui avait été capturée pendant la guerre.
Au milieu de l’été 1579, le prince Zasekin participa à la campagne des troupes russes dans laquelle il poursuivit des objectifs de reconnaissance sous le commandement de MA Beznin, l’ancien gouverneur de Karélie. Le début de cette campagne a été un tel succès pour les troupes russes que Grigory Zasekin a été envoyé avec un rapport personnel sur la victoire au tsar Ivan le Terrible, pour lequel il a reçu un “sou d’or” en récompense.
Cependant, il était déjà loin de la Baltique avant les défaites subies par les troupes russes près de Polotsk.
Sous le commandement du prince VM Lobanov, il fut nommé deuxième gouverneur du régiment de la garde à Kolomna. Puis il a servi comme gouverneur à Kalouga et a repoussé les raids des Criméens.
Dans les années 1580, Zasekin-Solntsev et le prince Zasekin ont été envoyés pour servir aux frontières sud de l’État Russe, dans les champs sauvages, dans la région de la Volga.
En 1581, pour la première fois de sa carrière, il devint le premier gouverneur de la ville de Mikhailov, qui était un point défensif bien fortifié sur la rivière Prony.
Après l’annexion des khanats de Kazan et d’Astrakhan à la Russie au milieu du XVIe siècle, toute la voie navigable de la Volga jusqu’à la mer Caspienne était en la possession de l’État Russe, mais comme la nouvelle région était peu peuplée, les caravanes commerciales qui passaient ici étaient souvent attaqués, de sorte que la construction de forteresses est devenue importante.
Après 1,5 à 2 ans de préparation pour la construction de la forteresse de Samara, Grigory Zasekin a commencé à construire une forteresse loin de la Volga sur une colline. Il ne lui fallu quelques jours pour la construire avec l’aide de ses archers. La date de naissance de la nouvelle ville de Samara peut être considérée comme la fête de la trinité, qui en 1586 est tombée le 22 mai. La ville de Samara a été construite à grande échelle sur une colline au-dessus de la rivière Samara, où elle s’est divisée en deux canaux.
L’apparition de la forteresse a beaucoup bouleversé les Nogai by Urus jusqu’à ce qu’un détachement de cosaques vole un troupeau de 500 têtes aux Nogais. Grigory Zasekin a capturé les cosaques et les a pendus. Il a rendu tout ce qui avait été volé par les Cosaques au Nogai. Après cet événement, de nombreux Nogai Murzas ont abandonné leurs pensées d’indépendance et ont commencé à envoyer leurs détachements pour servir dans l’armée russe.
À l’été 1589, Zasekin a construit la forteresse de Perevolok au croisement entre la Volga et le Don qui est un site stratégiquement important. La ville fortifiée a été construite en seulement 3 mois.
Le prince Zasekin a été rappelé pour participer à la campagne contre Narva au printemps 1590 mais était de nouveau sur la Volga à l’été. Le 12 juillet, le prince Grigory Zasekin et le boyard Fyodor Turov ont fondé la ville de Saratov sur la rive gauche du fleuve. A cette époque, ce n’était qu’un avant-poste du développement Russe de la Volga, mais devint plus tard l’une des plus grandes villes de la Volga. En 1674, par décret du tsar Alexei Mikhailovoch, la ville fut déplacée sur la rive droite du fleuve.
En 1591, le prince Zasekin restaura la forteresse de Terki, dans la mer Caspienne (aujourd’hui la ville de Kizlyar) fondée en 1735, mais il mourut un an plus tard. Les documents n’indiquent pas la cause du décès, et on peut supposer que le prince est décédé des suites de blessures reçues pendant la campagne ou d’une maladie soudaine.
| Si vous avez aimé cet article, abonnez-vous, mettez des likes, écrivez des commentaires !. |
| Partager sur les réseaux sociaux |
| Découvrez nos derniers messages |
Sources:
La toile “Le Dernier Jour de Pompéi” a été créée à l’intersection du classicisme et du romantisme. La composition est dans l’esprit du classicisme dans le sens où tous les épisodes sont enfermés dans un triangle, mais cependant le tableau est consacré à la tragédie réelle du peuple et non à une image idéalisée, ce qui en fait une œuvre à la manière de le romantisme.
“Le Dernier Jour de Pompéi” est une peinture à l’huile de Karl Bryullov et est une toile monumentale de 456,5 sur 651 cm qui a pris près de 6 ans depuis les premières esquisses jusqu’à l’apparition de la version finale en 1833. Cette toile est considérée comme l’une des œuvres les plus importantes de l’artiste et se trouve maintenant au Musée d’État russe.
À l’été 1827, Karl Bryullov visita les fouilles de Pompéi où il eut l’idée de peindre une grande toile dédiée à la mort de Pompéi, et reçut même la permission du roi Napolitain de prendre des mesures et de faire des croquis de toutes les structures architecturales découvertes au cours de les fouilles qui l’intéressaient.
Avant de commencer le travail sur la toile, Karl Bryullov a soigneusement étudié les documents historiques liés à l’éruption du Vésuve en lisant les témoignages oculaires des événements, rendant sa peinture aussi précise que possible.
Il a choisi la rue des tombes (Strada dei Sepolcri ou Via dei Sepolcri) qu’il a visitée en 1827 comme scène d’action, qui montre des gens essayant d’échapper à l’éruption du Vésuve. Le ciel est couvert de nuages sombres, les immeubles s’effondrent et de longs et vifs éclairs traversent l’obscurité. La tragédie expose leurs sentiments et montre l’essence des âmes humaines. La draperie joue un rôle important dans la toile et démontre la bonne connaissance du peintre avec les chefs-d’œuvre de l’art ancien.
Au centre de l’image se trouve une noble dame tombée d’un char avec un jeune enfant qui ne comprenait pas encore la mort de sa mère. Très probablement, le modèle était la comtesse Yulia Samoilova, qui a été la maîtresse de Bryullov pendant de nombreuses années et qu’il a représentée dans plusieurs autres images. Cette femme symbolise la mort du monde antique, et en même temps l’enfant tendant la main à sa mère est perçu comme le début d’un monde nouveau qui devrait surgir sur les ruines de l’ancien sans rompre les liens vivants avec le passé.
Le char d’où la femme est tombée est toujours visible et est tiré par des chevaux éperdus.
Sur la droite se trouve un autre cheval cabré symbolisant l’élément de folie.
On peut aussi voir un jeune homme tenter de persuader sa mère épuisée de s’enfuir avec lui, alors qu’elle le repousse ce qui nous donne une vive impression de sacrifice maternel.
Deux fils portent leur vieux père s’oubliant et ne vivant que dans la peur pour sa vie. Et voici une autre famille où le mari a essayé de couvrir sa famille. On voit que les deux parents regardent le Vésuve avec horreur
Karl Bryullov a représenté un prêtre païen essayant d’emporter sa richesse avec lui. Le prêtre païen essayant de s’échapper peut être considéré comme un symbole du départ de l’ancien monde et du paganisme. En même temps, il peint un ecclésiastique chrétien regardant courageusement le Vésuve furieux, reconnaissable à la croix sur sa poitrine. Il est clair que Bryullov oppose le christianisme au paganisme et n’est pas en faveur de ce dernier. On y voit aussi une mère qui s’est réfugiée près du prêtre tout en enserrant ses filles de ses bras dans un geste protecteur.
Sur le bord droit de la toile se trouve un couple de jeunes mariés et l’une des scènes les plus tristes, montrant qu’il y a des moments dans la vie où le chagrin s’avère plus fort que la peur de la mort.
L’auteur s’est également représenté lui-même et sa bien-aimée parmi les personnes qui tentent de se cacher dans la tombe. Nous pouvons voir l’artiste essayer de sauver ses choses les plus précieuses
Les bâtiments dans sa peinture s’effondrent illustrant ce qui se passe réellement lors d’un tremblement de terre de 8 points
Dans ‘Le Dernier Jour de Pompéi’, l’artiste nous donne l’occasion de sympathiser avec ces gens. C’est l’histoire d’une catastrophe très bien peinte avec un éclairage phénoménal.
J’espère que vous avez apprécié ce tableau.
| Si vous avez aimé cet article, abonnez-vous, mettez des likes, écrivez des commentaires !. |
| Partager sur les réseaux sociaux |
| Découvrez nos derniers messages |
Wassily Vasilyevich est le fondateur et théoricien de l’art abstrait, et l’un des artistes les plus influents du XXe siècle. Même s’il na pas été pas le premier à peindre une toile de ce genre, il a été le premier à donner une justification théorique à la nouvelle tendance. En 1912, il a rédigé et publié son étude phare Sur le spirituel dans l’Art, qui est devenu la base théorique de l’abstractionnisme.
Kandinsky était un synesthésique, c’est-à-dire qu’il entendait les couleurs et voyait les sons et il cherchait une synthèse universelle de la musique et de la peinture. À travers des dessins, il imitait le flux et la profondeur du travail musical et la coloration reflétait le thème de la contemplation profonde.
“Composition VII” est appelé le summum de son travail. C’est une immense toile de 2 mètres sur 3 créée en 1913. Le processus d’écriture de Composition VII a été très méticuleux et il y avait plus de 30 croquis, aquarelles et peintures à l’huile de travail préparatoire. La raison d’un tel travail préparatoire important était que l’artiste s’était donné pour tâche de combiner plusieurs thèmes bibliques dans la composition finale. Ce sont: “le Jugement Dernier”, “le Déluge”, “la Résurrection d’Entre les Morts” et “le Jardin d’Eden”.
Comprendre Kandinsky est facile car il a déjà tout décrit avec des explications si fines qu’il y a un décryptage de chaque endroit, de chaque point et de chaque tour de ligne ne vous laissant qu’à regarder la toile et à ressentir.
Et si vous regardez l’image du point de vue de l’attitude de Kandinsky envers les formes et les couleurs, vous remarquez que les couleurs dominantes de la toile sont le rouge qui est un symbole de force, puis le bleu qui est la couleur de la paix et le blanc symbolisant l’éternité. Il y a aussi une couleur jaune que l’auteur a toujours qualifiée de frivole et rapidement dispersée.
Le contenu chromatique est soutenu par une composition bien pensée de l’œuvre qui est une forme se déroulant en diagonale, fermée dans l’espace rectangulaire de la toile. Le motif central a été déclaré ovale par l’artiste et est traversé par de nombreux rectangles irréguliers.
L’idée de l’âme humaine est affichée au centre sémantique de la toile sous la forme d’un cercle marqué d’une tache violette et de lignes et de traits noirs à côté. Elle aspire en elle-même, comme un entonnoir, crachant quelques rudiments de formes, se répandant en d’innombrables métamorphoses
Les historiens de l’art ont déterminé grâce à ses notes et à ses travaux que la composition VII est une combinaison de plusieurs thèmes (“La Résurrection d’Entre les Morts”, “le Jugement Dernier”, “le Déluge” et “le Jardin d’Eden”) exprimés comme une symbiose de la peinture pure.
| If you liked this article, subscribe , put likes, write comments!. |
| Share on social networks |
| Check out Our Latest Posts |
Sources:
История одного шедевра: «Композиция VII» Кандинского
The State Tretyakov Gallery is a Moscow art museum which was founded in 1856 by Pavel Tretyakov. It was opened to the public in 1867 and transferred to Moscow in 1892. As of 2018, the exposition consisted of more than 180 000 items, including paintings, sculptures and items made out of precious metals created from the 11th to the 20th century.
After having created the Kostroma Linen Manufactory, which was quite a successful business, Pavel Mikhailovitch Tretyakov and his brother Sergei became interested in collecting paintings.
So, the gallery was founded in 1856, with the acquisition of “The Temptation” by Nikolai Schilder and “Skirmish with Finnish Smugglers” by Vasily Khudyakov, by Pavel Tretyuakov. He said:
For me, who truly and ardently love painting, there can be no better desire than to start a public, accessible repository of fine arts, bringing benefit to many, all pleasure. I would like to leave you the national gallery, that is, consisting of paintings by Russian artists
His brother Sergei was more interested in canvases of Western European masters widening the exhibitions.
In 1867 the Moscow City Gallery of Pavel and Sergei Tretyakov which at the time contained 1276 paintings, 471 drawings, 10 sculpture by Russian artists and 84 paintings by foreign masters was opened to the public.
In 1859, after that the brothers purchased more than 140 works from the Turkestan series of paintings and sketches by Vasily Vereshchagin they ran out of places for the exposition. A two-story building adjacent to southern wall of the mansion and turned toward the Church of St Nicholas in Tolmachi was build. Its construction was headed by the architect Alexander Kaminsky . In 1874 the collection was moved there and the gallery opened to the public.
By the end of the 1880s, the gallery building was repeatedly completed due to the growing collection which already occupied 14 rooms and constantly surpassed its exposition possibilities.
In 1882, the exposition area was expanded again at the expense of the garden surrounding the house. Three new halls appeared downstairs and upstairs which were located at an angle to the old building of the Gallery, parallel to Maly Tolmachecsky Lane.
It was followed in 1885 by the apparition of three halls on the top floor and five in the bottom.
In 1892 the fourth extension was completed and two large and one small halls were added on the upper floor, and three small ones below. and, after the death of his brother Sergei, Pavel donated the gallery, which at the time contained more than 2000 works of painting, sculpture and graphics, to Moscow.
In may 1900, at a meeting of the Council of the gallery which included the artists V. M. Vasnetov, V. D. Polenov and a number of Moscow architects it was decided that the facade of the gallery should be built in the “Russian Style”. The work was entrusted to V. M. Vasnetsov and the construction of the new façade which became the emblem of the Tretyakov Gallery began in 1902 and ended in 1904.
On April 1913 Emmanuilovitch Grabar who was a prominent artist, architect and art historian was elected as a trustee of the Tretyakov Gallery. His reforms turned the Tretyakov Gallery into a Europeean-style museum with exposition built on a chronological basis and in december 1913, on the fifteenth anniversary of the death of the founder of the gallery, the reformed museum was opened to the public.
On June 1918 the Tretyakov Gallery was declared a State property of the Russian Federative Soviet Republic and became known as the State Tretyakov Gallery. Between 1918 and 1922, the gallery collection increased by almost 50% thanks to the numerous contributions from the State Museum Fund. But the drawback was that many exhibition halls were given over to storage for paintings.
A. V. Shchusev became the director of the gallery in 1926 and did a lot to expand the existing premises and build a new one. So in 1927, the Gallery received the former house of Sokolikov situated on Maly Tolomachevsky Lane. In 1928 after its restructuring, it was turned into a service building which housed the administration of the Gallery as well as a scientific department, a library, a department of manuscripts, and graphics funds. It was attached to the Gallery later with a special extension .
In 1928, the heating and ventilation was rebuilt and in 1929 the Gallery was finally electrified. Effectively before that time, the Gallery had been opened to visitors only during the daytime.
In 1929 the building of the Church of St Nicholas in Tolmachi closed and it was transferred to the Gallery in 1932. It became a storehouse for paintings until it was connected to the exposition halls by a newly built two story of which the top floor had been specially designed to display A. A. Ivanov’s painting “The Appearance of Christ to the People”. And a new passage between the halls was created to ensure the continuity of the view which resulted in an increased area of exposition and a new concept for the placement of works.
In 1936, according to the project of the architect A.V. Shchusev, a new two story building appeared on the north side of the main building. It included 4 spacious halls on each floor which were used for exhibitions and have been included in the main exhibition route since 1940.
On the night of August 11-12, 1941 two high-explosive bombs fell on the building as a result of a German air raid. The bombs destroyed the glass covering in several places of the roof and the interfloor ceiling of the upper hall N 6 and the lower one N 49 collapsed. The floors in the basement wardrobe were smashed, the main entrance was damaged and the heating and ventilation system failed.
A second bombing in the night of 12-13, 1941 destroyed a two story residential building next to the Gallery.
The restauration of the Gallery began in 1942 and by 1944 out of 52 halls, 40 had been renovated.
In May 1956, the 100th anniversary of the Gallery was celebrated and in 1955-1957, the A.A. Ivanov Hall was completed.
By the mid 1980 the need to expand again was felt because of the increased number of visitors.
In 1985 a depository was out in operation after 2 years of construction. And in 1986 the reconstruction of the main building of the Tretyakov Gallery began based on he idea of preserving the historical appearance of the building.
In 1989, on the south side of the main building a new building housing a conference hall, an information and computing center, a children’s studio and exhibition halls was built. Since most of the engineering systems and services were concentrated there it was called the Corps of Engineers.
The reconstruction lasted from 1985 to 1995 and included the museum ensemble of the church of St. Nicholas in Tomachi which is an architectural monument of the 17th century.
You can visit this beautiful Gallery Virtually:
Sources: Здание в Лаврушинском переулке
Государственная Третьяковская галерея
| If you liked this article, subscribe , put likes, write comments!. |
| Share on social networks |
| Check out Our Latest Posts |
< < < Je me souviens de la mer avant la tempête (Ru/Fr) / I remember the sea before the storm (Ru/Eng) / Я помню море пред грозою (Рус/Анг.) (Рус/ Фра.)
Ma Muse (Ru/Fr) / My Muse (Ru/Eng) / Муза (Рус/Анг.) / (Рус/ Фра.) > > >
“I remember a wonderful moment” is one of the most famous lyrical works of Alexander Pushkin who devoted many of his poems to women.
He wrote this poem in 1825, during his exile in Mikhailovsky after his second meeting with A. P. Kern. Their first meeting dated from 1819 and she had captured his imagination.
In just a few stanzas, Alexander Pushkin unfolds before our eyes a long history of his relationship with A. Kern, and his admiration of the woman.
| Я помню чудное мгновенье (Керн) Александр Пушкин | I Remember a Wonderful Moment (Kern) by Alexander Pushkin |
| Translated by Akirill.com 05/31/2022 | |
| К Керн | Kern |
| Я помню чудное мгновенье; | I remember the marvelous moment; |
| Передо мной явилась ты, | You appeared before me, |
| Как мимолётное виденье, | Like a fleeting vision, |
| Как гений чистой красоты | Like a genius of pure beauty |
| В Томленьях грусти безнадёжной, | In the languor of hopeless sadness, |
| В тревогах шумной суеты, | In the anxieties of noisy bustle, |
| Звучал мне долго голос нежный | A gentle voice sounded to me for a long time |
| И снились милые черты. | And of sweet features I dreamed. |
| Шли годы. Бурь порыв мятежный | Years passed. Storms rebellious, impulse |
| Рассеял прежние мечты, | Scattered former dreams, |
| И я забыл твой голос нежный, | And I forgot your gentle voice, |
| Твои небесные черты. | Your heavenly features. |
| В глуши, во мраке заточенья | In the wilderness, in the darkness of confinement |
| Тянулись тихо дни мои | My days dragged on quietly |
| Без божества, без вдохновенья, | Without a deity, without inspiration, |
| Без слёз, без жизни, без любви. | Without tears, without life, without love. |
| Душе настало пробужденье: | The soul has awakened: |
| И вот опять явилась ты, | And here again you appeared, |
| Как мимолётное виденье, | Like a fleeting vision, |
| Как гений чистой красоты. | Like a genius of pure beauty. |
| И сердце бьется в упоенье, | And the heart beats in rapture, |
| И для него воскресли вновь | And for him resurrected again |
| И божество, и вдохновенье, | And the deity, and inspiration, |
| И жизнь, и слёзы, и любовь. | And life, and tears, and love. |
< < < Je me souviens de la mer avant la tempête (Ru/Fr) / I remember the sea before the storm (Ru/Eng) / Я помню море пред грозою (Рус/Анг.) (Рус/ Фра.)
Ma Muse (Ru/Fr) / My Muse (Ru/Eng) / Муза (Рус/Анг.) / (Рус/ Фра.) > > >
We put a lot of effort into the quality of the articles and translations, support us with a like and a subscription or sponsor us if you like them. We are also on Facebook and Twitter
© 2022 Akirill.com – All Rights Reserved
| Livres bilingues | Read in English | Nous contacter |
| Littérature américaine | Littérature française | Littérature russe |
< < < Je me souviens de la mer avant la tempête (Ru/Fr) / I remember the sea before the storm (Ru/Eng) / Я помню море пред грозою (Рус/Анг.) (Рус/ Фра.)
Ma Muse (Ru/Fr) / My Muse (Ru/Eng) / Муза (Рус/Анг.) / (Рус/ Фра.) > > >
«Je me souviens d’un moment merveilleux» est l’une des œuvres lyriques les plus célèbres d’Alexandre Pouchkine qui a consacré nombre de ses poèmes aux femmes.
Il a écrit ce poème en 1825, lors de son exil à Mikhailovsky après sa deuxième rencontre avec A.P. Kern. Leur première rencontre datait de 1819 et elle avait captivé son imagination.
En quelques strophes seulement, Alexandre Pouchkine fait defilé sous nos yeux la longue histoire de sa relation avec A. Kern, et de son admiration pour la femme.
| Я помню чудное мгновенье (Керн) – Александр Пушкин | Je me Souviens d’un Moment Merveilleux (Kern) – Alexandre Pouchkine |
| К Керн | Kern |
| Traduit par Akirill.com 05/31/2022 | |
| Я помню чудное мгновенье; | Je me souviens d’un moment merveilleux; |
| Передо мной явилась ты, | Tu es apparu devant moi, |
| Как мимолётное виденье, | Comme une vision fugace, |
| Как гений чистой красоты | Comme un génie de pure beauté |
| В Томленьях грусти безнадёжной, | Dans la langueur d’une tristesse sans espoir, |
| В тревогах шумной суеты, | Dans les angoisses d’une agitation bruyante, |
| Звучал мне долго голос нежный | Une douce voix m’a longtemps résonné |
| И снились милые черты. | Et de doux traits je rêvai. |
| Шли годы. Бурь порыв мятежный | Les années ont passé. Tempêtes d’élans rebels |
| Рассеял прежние мечты, | Éparpillèrent d’anciens rêves, |
| И я забыл твой голос нежный, | Et j’oubliai ta douce voix, |
| Твои небесные черты. | Tes traits célestes. |
| В глуши, во мраке заточенья | Dans le désert, dans les ténèbres de l’enfermement |
| Тянулись тихо дни мои | Mes jours s’éternisaient tranquillement |
| Без божества, без вдохновенья, | Sans divinité, sans inspiration, |
| Без слёз, без жизни, без любви. | Sans larmes, sans vie, sans amour. |
| Душе настало пробужденье: | L’âme s’est éveillée : |
| И вот опять явилась ты, | Et ici encore tu es apparue, |
| Как мимолётное виденье, | Comme une vision fugitive, |
| Как гений чистой красоты. | Comme un génie de pure beauté. |
| И сердце бьется в упоенье, | Et le cœur bat dans le ravissement, |
| И для него воскресли вновь | Et pour lui ressuscité de nouveau |
| И божество, и вдохновенье, | Et la divinité, et l’inspiration, |
| И жизнь, и слёзы, и любовь. | Et la vie, et les larmes, et l’amour. |
Nous mettons beaucoup d’efforts dans la qualité des articles et traductions, soutenez-nous avec un like et un abonnement ou sponsorisez-nous si vous les aimez. Nous sommes aussi sur Facebook et Twitter
< < < Je me souviens de la mer avant la tempête (Ru/Fr) / I remember the sea before the storm (Ru/Eng) / Я помню море пред грозою (Рус/Анг.) (Рус/ Фра.)
Ma Muse (Ru/Fr) / My Muse (Ru/Eng) / Муза (Рус/Анг.) / (Рус/ Фра.) > > >
© 2022 Akirill.com – All Rights Reserved
| Livres bilingues | Read in English | Nous contacter |
| Littérature américaine | Littérature française | Littérature russe |
La peinture de “La 9ème Vague” d’Ivan Aïvazovski est reconnue dans le monde entier comme un chef-d’œuvre inégalé et est l’une des œuvres les plus célèbres de ce grand artiste russe, qui aimait particulièrement peindre le thème marin. Ce tableau est à la fois une ode à l’invincible et imprévisible élément de l’eau et, à l’indestructible esprit humain .
Le tableau ‘La 9ème Vague’ ne laissera personne indifférent, la 9ème vague est un symbole de malheur, le désir de survivre est un symbole d’espoir. Ils créent dans l’image plus qu’une simple confrontation, ils posent une question à laquelle le spectateur doit répondre.
La 9ème vague est un symbole de danger mortel, la plus haute montée d’une force redoutable et irrésistible. Le symbolisme de la 9ème vague vient de la vieille croyance populaire selon laquelle, lors d’une tempête en mer, la 9ème vague est la plus forte et la plus dangereuse, souvent mortelle. Le terme est souvent utilisé dans un sens figuratif et métaphorique.
L’artiste a peint “La 9ème Vague” en 1850 à Feodosia et cette toile est peut-être l’œuvre d’art la plus remarquable du peintre de marine et de toute la peinture russe. Elle a été peinte à l’huile sur toile et mesure 221 X 332cm. La toile a été peinte en seulement 11 jours et a été immédiatement acheté par Nicolas Ier pour l’Ermitage. En 1897, ‘la 9ème Vague” a été transférée à la collection du Musée d’État Russe de Saint-Pétersbourg où elle se trouve encore aujourd’hui.
Sur la toile, la tempête nocturne est passée et maintenant les gens s’accrochent au mât avec leurs dernières forces dans la lutte pour leur vie. Ils sont épuisés et attendent de voir ce que le nouveau jour leur apportera. La toile ne représente pas la tempête mais ses conséquences.
On pense que la “9ème Vague” a été créée selon les propres souvenirs de l’artiste après avoir survécu à un naufrage dans le golfe de Gascogne en 1844.
La principale caractéristique de la peinture est sa dualité. La peinture de “La 9ème Vague” peut être interprétée avec une part d’optimisme dans laquelle les hommes ont survécu au naufrage ou elle peut être perçue comme le triomphe des éléments sur l’homme.
Quand on regarde le tableau, on voit percer les premiers rayons du soleil qui apportent l’espoir de survie aux marins naufragés.
L’éclat des rayons du soleil sur la mer agitée est si mystérieux qu’il donne au tableau volume et réalisme. La coloration de la toile est étonnante et il est parfois impossible de déterminer où commence la mer et où finit le ciel.
L’image de la mer parle de la dernière tempête nocturne qui a détruit le navire, et l’abîme sombre des vagues fait peur. Mais la mer n’est pas encore calme, on voit de grosses vagues gonflées par le vent. Il semble que les vagues oscillent, là, la 9ème vague, l’énorme dernière vague de la tempête sortante arrive et les survivants l’attendent avec peur.
Le fragment du mât est énorme nous montrant la taille du navire coulé. Il ressemble à une croix, qui peut être interprétée comme un symbole de salut ou un symbole de crucifixion. Il n’y a qu’une petite poignée de personnes ce qui nous montrent l’ampleur de la catastrophe et quand on tient compte du fait que l’équipage moyen d’un navire à cette époque était de plus d’une centaine de personnes, toute l’horreur de la tempête nocturne se fait sentir .
Le mouchoir rouge qui est agité par l’un des marins survivants peut symboliser une antithèse au drapeau blanc et la réticence des gens à se rendre ou il peut symboliser du sang neuf.
L’image sur le plan émotionnel montre la supériorité des éléments sur la vie fragile d’une personne.
Cette toile est maintenant devenue une légende elle-même et a fait l’objet de nombreuses expositions organisées dans différents pays du monde. J’espère qu’elle vous a plu.
Vous pouvez également lire notre article sur le tableau “La Mer Noire” d’Ivan Aïvazovski
| Si vous avez aimé cet article, abonnez-vous, mettez des likes, écrivez des commentaires ! |
| Partager sur les réseaux sociaux |
| Découvrez nos derniers messages |
Sources
Analysis and description of Aivazovsky’s painting “The Ninth Wave”
© 2022 Akirill.com – All Rights Reserved
AKirill, Learn, apprenez, translation, traduction, livres bilingues, bilingual books 