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Faits intéressants, histoire et description du tableau “Cour de Moscou” de Vasily Dmitrievich Polenov

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La « Cour de Moscou » (Московский дворик) peinte par Vasily Dmitrievich Polenov (Василий Дмтриевич Поленов) est considérée comme le summum de ses œuvres. C’est l’incarnation de l’idée principale de Vasily selon laquelle l’art devrait donner le bonheur et la joie, sinon il ne vaut rien.

La « Cour de Moscou » est une huile sur toile qui combine des thèmes de paysage et de genre peints. Ce tableau de 64,5 X 80,1 cm se trouve maintenant à la Galerie nationale Tretiakov à Moscou.

Polenov a été gêné par son tableau “Cour de Moscou” qui représente une vue idyllique du vieux Moscou, et s’est excusé lorsqu’il a envoyé le paysage à l’exposition itinérante de 1878.

Moscow courtyard by Vasily Polenov 1878 - Московский дворик — Cour de Moscou – Cour de Moscou par Vasily Polenov – 1878

Mais le tableau a eu un succès inattendu auprès du public et Pavel Tretiakov l’a immédiatement acquis.

Il est devenu si célèbre qu’il a été reproduit sur des timbres et des cartes postales et est devenu une sorte d’emblème de Moscou.

Vasily a même réalisé une autre version de ce tableau, dont la composition était proche de l’esquisse de 1877 de l’écrivain Ivan Tourgueniev, qui vivait en France et à qui la Russie manquait. Ce tableau est maintenant dans la galerie Tretiakov.

Une autre répétition réalisée en 1902 pour le médecin et collectionneur Ivan Troyanovsky se trouve maintenant au Musée d’État russe.

Répétition de « Cour de Moscou » – 1902. Авторство: Adavyd. Собственная работа, CC BY-SA 4.0

Polenov est né à Saint-Pétersbourg, où il a étudié à l’Académie des Arts et à la Faculté de Droit de l’Université, puis il a vécu à l’étranger pendant 4 ans. Beaucoup ont été surpris lorsque Vasily est retourné en Russie en pensant qu’avec ses racines nobles et un père diplomate, il aurait été plus logique de rester dans la même France. Mais non, Polenov était attiré par son pays natal, en particulier par Moscou.

Ainsi, en 1877, Polenov est venu à Moscou et est parti à la recherche d’un appartement. En visitant un appartement potentiel, il a regardé par la fenêtre et est immédiatement tombé amoureux de la vue, s’est assis et l’a dessinée. Cet appartement qu’il a loué, était situé à l’angle des ruelles Durnovsky et Troubnikovsky à Moscou.

Polenov n’a pas peint le tableau qui est devenu si célèbre en 1877, mais a dessiné une esquisse verticale, sous un angle légèrement différent et avec une couleur moins éclatante.

Moscow courtyard by Vasily Polenov 1877 — « Cour de Moscou » de Vasily Polenov – Huile sur carton de 48,8 x 38,5 cm située à la Galerie nationale Tretiakov

Fin 1877, Polenov était sur le front bulgare de la guerre russo-turque, où il exerçait les fonctions d’artiste au quartier général de l’armée russe, mais il retourna à la peinture “cour de Moscou” près d’un an plus tard, en mars 1878, lorsque il est revenu de la guerre.

Vasily Polenov a changé l’image et l’a saturée de vie, dispersant des figures sur la toile. Il a ajouté une image de l’église Saint-Nicolas le Merveilleux à Plotnik. Les maisons qui recouvraient partiellement l’église du Sauveur sur les Sables ont été rapprochées du centre de la toile et le manoir est également devenu plus visible.

La principale différence entre l’image et la version originale était l’utilisation de motifs de genre, qui donnaient à la toile un récit sans violer l’intégrité de l’image présentée. D’abord les événements de la “vie de la cour” sont représentés, puis après cela, le regard est dirigé vers un autre espace, situé dans les profondeurs de la cour et au-delà puis à travers la grange vers d’autres maisons, une église avec un clocher et un ciel bleu où flottent de rares nuages.

Vasily Dmitrievich Polenov a également saturé sa peinture de lumière, ce qui a donné une si réelle sensation d’air d’été et une telle immédiateté de bonheur, que les visiteurs de la galerie Tretiakov ressentent encore aujourd’hui.

Polenov a été le premier à abandonner le ton brun dominant dans l’art russe pour apporter des couleurs pures et lumineuses, et tout ce qui est représenté est plongé dans un environnement aérien unique imprégné par le soleil.

Sur la pelouse verte, tendue entre les maisons, les cabanons et les palissades en bois, les enfants jouent.

cat-fragment-of-moscow-courtyard-by-vasily-polenov

Deux jeunes enfants jouent avec un chat, et le troisième avec un mouchoir sur la tête pleure, la bouche grande ouverte et les poings serrés.

Devant lui et à gauche se trouve le plus âgé des enfants qui est fasciné par une fleur cueillie, et ne remarque ni le bébé qui pleure, ni le gloussement des poulets.

Au loin, près de la grange, une femme marche, portant un sceau. On voit que c’est dur pour elle à cause de son bras tendu en opposition au sceau.

Chikens fragment of Moscow courtyard by Vasily Polenov

Horse and clothes fragment of Moscow courtyard by Vasily Polenov — Chikens fragment of Moscow courtyard by Vasily Polenov

Des poulets errent près du puits et, sur le bord droit de la toile, un cheval attelé à une charrette attend patiemment son propriétaire. Derrière le cheval, il y a du linge suspendu à une corde qui sèche près de la clôture

Avec l’addition d’une femme, d’enfants et d’animaux, la cour Polenov est devenue véritablement “Moscou”.

Church of the Transfiguration on the Sands fragment of Moscow courtyard by Vasily Polenov

Church of St. Nicholas the Wonderworker in Plotniki fragment of Moscow courtyard by Vasily Polenov — Church of the Transfiguration on the Sands fragment of Moscow courtyard by Vasily Polenov

Derrière la cour et les bâtiments adjacents se trouve une église blanche à cinq dômes avec un clocher en forme de tente qui est l’église de la Transfiguration du Sauveur sur les Sables. Elle a été construite vers 1711 et a été conservée à ce jour. Sur le côté droit de la toile, les contours d’un autre temple avec un clocher sont visibles. C’est l’église Saint-Nicolas le Merveilleux à Plotniki. Cette église, construite en 1691, était située sur l’Arbat, à l’intersection avec Nikolsky et a été démolie en 1932. À droite de celle-ci, les dômes d’une autre église située à Prechistenskaya sont à peine visibles.

Sur le côté gauche de la toile se trouvent un jardin clôturé et un ancien manoir dont l’extrémité fait face à la pelouse.

J’espère que vous avez apprécié ce tableau autant que moi

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Interesting facts, History, and description of the painting “Moscow Courtyard” by Vasily Dmitrievich Polenov

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“Moscow Courtyard” (Московский дворик) painted by Vasily Dmitrievich Polenov (Василий Дмитриевич Поленов) is considered as the pinnacle of his works. It is the embodiment of Vasily’s main idea that art should give happiness and joy, otherwise it is worthless.

“Moscow Courtyard” is an oil on canvas which combines landscape and genre themes painted. This painting of 64.5 X 80.1 cm is now at the State Tretyakov Gallery in Moscow.

Polenov was embarrassed by his painting “Moscow Courtyard” which represent an idyllic view of old Moscow, and apologized when he sent the landscape at the 1878 Travelling Exhibition .

But the painting had an unexpectedly great success with the public and Pavel Tretyakov immediately acquired it.

It became so famous that it was replicated on stamps and postcards and became a kind of Moscow emblem.

Vasily even made another version of this painting, which was close in composition to the 1877 sketch for the writer Ivan Turgenev, who lived in France and yearned for Russia. This painting is now in The Tretyakov Gallery.

Another repetition made in 1902 for the doctor and collector Ivan Troyanovsky is now in the State Russian Museum.

Repetition of “Moscow Courtyard” – 1902. Авторство: Adavyd. Собственная работа, CC BY-SA 4.0

Polenov was born in St. Petersburg, where he studied at the Academy of Arts and at the Faculty of Law in the University, then he lived abroad for 4 years. Many were surprised when Vasily returned to Russia thinking that with his noble roots and a diplomat father, it would have been more logical to stay in the same France. But no, Polenov was drawn to his homeland, particularly, to Moscow.

So, in 1877, Polenov came to Moscow, and went looking for an apartment. While visiting a potential apartment he looked through the window and immediately fell in love with the view sat down and drew it. This apartment which he rented was located at the corner of Durnovsky and Trubnikovsky lanes in Moscow.

Polenov did not paint the painting that became so famous in 1877, but drew a vertical sketch, in a slightly different angle and with a less radiant colour.

In late 1877 Polenov was on the Bulgarian front of the Russian-Turkish war , where he performed the duties of an artist at the headquarters of the Russian army but he returned to the “Moscow Courtyard” almost a year later, in March 1878, when he got back from the war.

Vasily Polenov turned the picture over and saturated it with life, scattering figures on the canvas. He added an image of the Church of St. Nicholas the Wonderworker in Plotnik. The houses that partially covered the Church of the Savior on the Sands were moved closer to the center of the canvas and the manor house also became more visible.

The main difference between the picture and the original version was the use of genre motifs, which gave the canvas a narrative without violating the integrity of the presented image. First the events of “yard life” is represented, then after that, the gaze is directed to another area, located in the depths of the courtyard and beyond then through the barn to other houses, a church with a bell tower and a blue sky where rare clouds float.

Vasily Dmitrievich Polenov also saturated his painting with light, which gave such a real feeling of summer air and such immediacy of happiness, which is even now experienced by the visitors of the Tretyakov Gallery.

Polenov was the first to abandon the dominant brown tone in Russian art to bring pure and bright colors, and everything depicted is immersed in a single air environment permeated by the sun.

On the green lawn, stretched between houses, sheds and wooden fences, children play.

Two young children are fiddling with a cat, and the third with a handkerchief on his head is crying, his mouth wide open and clenching his fists.

In front of him and on the left is the older of the children who is fascinated by a plucked flower, and does not notice either the crying infant, or the clucking of chickens.

In the distance, close to the barn, a woman walks, carrying a bucket. We can see that it is hard for her because of her outstretched arm in opposition to the bucket.

Chickens roam at the well, and at the right edge of the canvas there is a horse harnessed to a cart, patiently waiting for its owner. Behind the horse, there is laundry hanging on a rope is drying near the fence

With the addition of a woman, children and animals, the Polenov courtyard became truly “Moscow”.

Behind the courtyard and adjacent buildings is a white five-domed church with a tent-type bell tower which is the Church of the Transfiguration of the Savior on the Sands. It was built around 1711 and was preserved to this day . On the right side of the canvas, the outlines of another temple with a bell tower are visible. It is the church of St. Nicholas the Wonderworker in Plotniki . This church, built in 1691, was located on the Arbat , at the intersection with Nikolsky and was demolished in 1932 . To the right of it, the domes of another church located in Prechistenskaya are barely visible.

On the left side of the canvas there is a fenced garden and an old manor house, the end of which faces the lawn.

I hope you enjoyed this painting as much as I did

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Découvrez le tableau “La Mer Noire” d’Ivan Aïvazovski

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Ivan Aïvazovski (Иван Айвазовский) est le plus célèbre peintre de marine russe, un véritable poète de la mer dont les œuvres sont largement connues dans le monde entier.

Le tableau “La mer Noire” (Черное море) qu’il a peint en 1881 est l’une de ses peintures les plus significatives, et est même considérée par beaucoup comme l’apogée de son travail. Il s’agit d’une large huile sur toile de 149 X 208 cm représentant la Mer Noire au moment du début d’une tempête. Peint dans le style du romantisme, ce tableau de marine se trouve aujourd’hui à la galerie nationale Tretiakov, à Moscou

Le tableau « La Mer Noire » est saisissant par son ampleur et sa profondeur. La mer semble si sauvage et indomptable, le bateau si petit.

Le premier nom du tableau était “Une tempête commence à éclater sur la mer Noire” et même s’il s’agit d’une toile large, ce n’est pas la plus grande des œuvres d’Aïvazovski. Il a peint une suite du tableau « La Mer Noire » dans une œuvre distincte intitulée “Parmi les vagues”. Celle ci peut être considérée comme une immense toile.

Dans le tableau, « La Mer Noire », la palette très habilement choisie par Ivan Aïvazovski, décrit la véritable essence de l’élément marin et l’origine du nom de la Mer Noire devient immédiatement claire.

Au premier plan, il y a la soi-disant «vague d’Aïvazovski». Il s’agit d’une vague avec des boucles de mousse, une vague translucide obtenue par la technique du glacis. L’eau a déjà pris une teinte plombée profonde, et les crêtes des vagues annoncent le début d’une tempête.

Dans presque toutes les peintures marines, les personnages ne sont qu’un moyen de souligner la puissance des éléments, et au centre de la toile, on peut voir un bateau solitaire s’élever fièrement au-dessus de la surface de la mer, mais si loin et semblant si petit, tellement sans défense. Être par un tel temps en pleine mer est mortel. Connaissant la nature rude et imprévisible de la mer Noire, on ne peut que sympathiser avec les marins qui y sont entrés dans une tempête.

Ce voilier peut être vu comme un symbole de l’insignifiance de l’homme face à l’univers et en même temps le signe d’une envie de voyager romantique.

Mais grâce à la ligne blanche frappante de l’horizon qui divise le tableau en deux, nous nous demandons maintenant si le temps va changer et offrir au voilier l’occasion de rejoindre ses côtes natales en toute sécurité.

En arrière-plan un ciel gris sombre couvert de nuages menace une averse prolongée et un orage dangereux.

En regardant la photo, on a l’impression d’être soi-même sur la mer Noire au moment de la tempête et on sent les éléments approcher.

J’espère que vous apprécierez ce tableau autant que moi

Vous pouvez également lire notre article précédent sur La 9ème Vague par Ivan Aivazovsky

The 9th Wave by Ivan Aivazovsky
La 9ème Vague d’Ivan Aïvazovski

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Discover the painting “The Black Sea” by Ivan Aivazovsky

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Ivan Aivazovsky (Иван Айвазовский) is the most famous Russian marine painter, a true poet of the sea whose works are widely known all over the world.

The canvas “The Black Sea” (Черное море) which he painted in 1881 is one of his most significant paintings, and is even is considered by many to be the pinnacle of his work. It is a wide oil on canvas of 149 X 208 cm depicting the Black Sea at the moment of the beginning of a storm. Painted in the romanticism style, this marina painting is now at the State Tretyakov gallery, in Moscow

The painting “The Black Sea” is striking in its scale and depth. The sea seems so wild and indomitable, the boat so tiny.

The first name of the painting was “A storm begins to break out on the Black Sea” and even though it is a wide canvas it is not the largest of Aivazovsky’s works. He painted a continuation of the picture “The Black Sea” in a separate work called “Among the Waves”, and which can be considered a huge canvas.

In the painting, “The Black Sea”, the palette which is very skillfully chosen by Ivan Aivazovsky, describes the real essence of the sea element and the origin of the name of the Black Sea immediately becomes clear.

In the foreground there is the so-called “Aivazovsky’s wave”. This is a wave with foam curls, a translucent wave obtained by the glazing technique. The water has already taken on a deep leaden hue, and the crests of the waves show the beginning of a storm.

In almost all marine paintings, people are just a way to emphasize the power of the elements, and in the center of the canvas we can see a lonely boat proudly rising above the sea surface, but so far and seeming so tiny, so defenseless. To be in such weather in the middle of the open sea is deadly. Knowing the harsh and unpredictable nature of the Black Sea, one can only sympathize with the sailors who got into a storm on it.

This sailboat can be seen as a symbol of the insignificance of man in front of the universe and at the same time a sign of a romantic wanderlust.

But thanks to the striking white line of the horizon which divides the painting in half we now wonder if the weather will change and provide an opportunity for the sailboat to get to its native shores safely.

In the background a gloomy gray sky covered with clouds threatens a prolonged downpour and a dangerous thunderstorm.

Looking at the picture, it feels like you yourself are on the Black Sea at the time of the storm and you feel the approaching elements.

I hope you enjoy this painting as much as I did

You can also read our earlier article about The 9th Wave by Ivan Aivazovsky

The 9th Wave by Ivan Aivazovsky
La 9ème Vague d’Ivan Aivazovsky

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Découvrez la peinture “Fiançailles d’un Major” de Pavel Andreevich Fedotov

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L’artiste russe Pavel Andreevich Fedotov a reçu le titre honorifique d’académicien pour son tableau «L’arrivée du marié (Fiançailles d’un major)», également connu sous le nom de «La Demande en mariage du major endetté». Cette toile est l’une des œuvres remarquables de la peinture russe de la première moitié du XIXe siècle et l’une des plus grandes réalisations de Fedotov. Créée en 1848 dans un style de « réalisme comique », il s’agit d’une huile sur toile de 58,3 × 75,4 cm décrivant les derniers instants de la préparation avant les fiançailles pour un marriage arrangé, et se trouve désormais à la Galerie nationale Tretiakov.

Lorsque le public a vu la peinture pour la première fois, le succès a été fulgurant. Tout Saint-Pétersbourg était mort de rire, les gens sont venus plus d’une fois à l’exposition pour voir à nouveau le «Wooing» du major. Qu’est-ce qui a provoqué une réaction aussi violente et fait autant rire le public ?

L’intrigue est basée sur un mariage de convenance ordinaire entre la fille d’un riche marchand et un major noble ruiné. À cette époque, de telles transactions étaient courantes : certains cherchaient à obtenir de l’argent, tandis que d’autres cherchaient à obtenir des titres dans la société.

The major's marriage proposal - 1851 by Pavel Fedotov - — The major’s marriage proposal – 1851 by Pavel Fedotov –

Histoire de la création du tableau
Répétition du tableau
Description du tableau

Histoire de la création du tableau

Pavel Fedotov (Павел Федотов) a commencé à travailler sur “Fiançailles d’un major” (Сватовство майора) en 1848. À la demande de Karl Bryullov, il a reçu 700 roubles de l’Académie impériale des arts à utiliser sur des modèles, des costumes et d’autres matériaux.

Lors de la création du tableau “Fiançailles d’un major”, Fedotov a effectué de nombreux travaux préparatoires et de nombreux croquis qu’il a utilisés pour rechercher la composition de la scène, les images des personnages, ainsi que leurs poses et positions relatives dans le plan de La toile.

Voici quelques croquis pour ce tableau :

sketch of bride's head, the head of an old woman, and the cat — sketch of bride’s head, the head of an old woman, and the cat

Fedotov's sketch of a clerk with a bottle — sketch of bride’s head, the head of an old woman, and the cat

Presque immédiatement avant la sortie du tableau, Fedotov a écrit sa “Рацея” qui est une explication du tableau en vers, grâce à laquelle on peut comprendre plus en détail ce rôle simulé de chacun des héros de la toile. Pavel a lu sa “Рацея” à l’exposition de sa peinture, en 1849, où elle a eu un grand succès, le rendant très heureux. Sa satire était même comparée à celle de Gogol et d’Ostrov.

Répétition de la peinture

En 1852, Pavel Fedotov a terminé une répétition de la peinture “Fiançailles d’un major”, alternativement intitulée “Demoiselles d’honneur dans une maison de marchand” dans laquelle l’intrigue et la composition ont été conservées. Cette huile sur toile de 56 X 76 cm se trouve actuellement au Musée d’Etat Russe. Les deux peintures ont des différences significatives et nous les comparerons dans un autre article.

Description de la peinture

Comme si nous regardions par la fenêtre, nous voyons une famille de marchands souhaitant marier leur fille avec un noble, mais cela est fait très maladroitement.

Malgré le fait que l’arrivée de l’invité était attendue, il y a une agitation dans la pièce. La scène ressemble à une production théâtrale avec une action en constante évolution de la figure du major à la fille et la mère qui sont les personnages principaux de l’œuvre. Avec ce schéma de composition, l’auteur a souligné le manque de sincérité et le faux brillant de ce qui se passe. La relation des personnages se retrouve dans leurs gestes et leurs postures. En conséquence, une certaine dynamique se crée dans le sens de gauche à droite.

La scène se joue dans l’antichambre, ce qui n’est pas conforme à l’étiquette. Cela aurait dû être fait dans le salon ou la salle à manger.

La table n’est pas recouverte d’une nappe blanche, mais rose, avec une couture sur les bords qui serait plus appropriée dans un bureau ou un boudoir. On peut voir que l’action a probablement eu lieu le mercredi ou le vendredi, qui sont des jours de jeûne, car il n’y a que des collations maigres (hareng, saumon, caviar peu salé) sur la table qui est trop petite pour autant de collation.

Major'd matchmaker extract Icons — Major’d matchmaker extract Candlelight

Une grande attention est portée aux détails, et montre de nombreux traits caractéristiques de la vie marchande. On voit que la pièce est remplie de choses démontrant la volonté des propriétaires de vivre « dans la capitale ». Mais si vous regardez bien, c’est une « mauvaise » combinaison d’objets divers qui trahit les habitudes patriarcales, et crée un effet comique.

Dans le coin gauche, il y a une table avec un psautier ainsi que des icônes avec des lampes sur une étagère, obligatoires dans toutes les maisons, mais impossibles dans cette pièce. Les aristocrates allaient prier dans la chapelle de la maison ou allaient à l’église et pouvaient avoir une icône dans la chambre, mais pas dans l’antichambre.

Le plafond, d’où pend un immense lustre, est peint de guirlandes de fleurs, de nymphes et d’amours.

Des peintures sont accrochées aux murs, mais leurs intrigues laissent entendre que le propriétaire ne connaît pas les arts.

Elles comprennent une lithographie avec une vue sur le monastère Nikolo-Ugresh, des portraits du métropolite, les généraux Kutuzov et Kulnev, ainsi que celui du propriétaire de la maison avec un livre à la main, pour souligner son alphabétisation.

Le champagne dans cette maison, évidemment, est bu rarement et donc ils ne savent pas comment le servir avec grâce. Ils ont simplement posé le plateau avec la bouteille de champagne et les verres sur une chaise.

La mariée

Plus légère que celle de sa mère, la robe de la mariée contribue à la distinguer du groupe central en tant que personnage le plus important.

Même si la mariée porte une belle robe faite de mousseline et une quantité incommensurable de bijoux en or (bagues, colliers, boucles d’oreilles, bracelets), au dernier moment elle essaie de s’enfuir dans une autre pièce, se sentant nue dans cette nouvelle robe à la mode, qui est fabriqué selon la mode européenne et ne couvre pas ses épaules.

L’absurdité de la situation est accentuée par le fait que la tenue de la fille du marchand est destinée à un bal ou à un autre événement de soirée, et non pas à la rencontre du marié en journée, mais l’action, à en juger par les lampes éteintes, se déroule pendant la journée.

La mère

La mère de la mariée est vêtue à la nouvelle mode française et en même temps à l’ancienne mode russe. Elle porte une robe européenne à la mode en tissu irisé de type «chanzhan» et ne porte pas de corset dessous. Au lieu du bonnet, elle a un foulard de style philistin noué sur la tête accompagné d’un châle porté sur sa robe.

Alors que sa fille essaie de sortir en courant de la pièce, elle l’attrape par l’ourlet de sa robe pour l’arrêter. Sa posture et l’expression de son visage trahissent un caractère impérieux et volontaire et on peut en déduire que c’est probablement elle qui dirige tout dans la maison.

Le père

Son père, un paysan débonnaire à la barbe touffue, est à l’ombre dans un coin de la pièce. Il essaie de boutonner sa redingote “dernier cri” avec laquelle il n’est pas très familier.

L’entremetteuse

A gauche du major se trouve une simple entremetteuse vêtue d’un joli brocard rouge et d’une jupe sombre. Une écharpe sombre avec une petite fleur est nouée autour de sa tête. Ses vêtements sont une autre indication que le major n’est pas un noble héréditaire, sinon il aurait eu recours aux services d’une entremetteuse noble.

Venue avec le major, elle est déjà entrée dans la salle, et fait le lien entre le major, vers qui se dirige le mouvement de sa main, et le marchand, vers qui son regard est tourné.

Majors matchmaking extract groom by Fedotov

Le major

Il est probable que le marié soit devenu noble récemment, après avoir reçu le grade de major. Il n’a manifestement pas de manières raffinées, et on remarque qu’il a oublié d’apporter des fleurs à la mariée et à la future belle-mère.

Pour attirer notre attention, le major, vêtu d’un uniforme à épaulettes et armé d’un sabre, se tient dans l’embrasure de la porte en contre-jour. En même temps son visage est illuminé car il tourne la tête vers la gauche. Ses jambes sont placées de la même manière que la chaise, légèrement courbées, sa silhouette est tendue, ses yeux sont légèrement plissés et un sourire victorieux se cache dans sa moustache.

Il redresse sa moustache et toute son apparence montre une attitude professionnelle face à un « accord ».

Il est probable que des négociations avec les parents de la mariée aient été menées par l’entremetteuse à l’avance, et connaissant déjà la réponse, il pense maintenant à tous les avantages de son futur mariage.

Il ne voit pas encore ce qui se passe dans la pièce où se déroule l’action principale, et attend une invitation à entrer.

Soit dit en passant, pour créer la figure du major, Fedotov a peint son propre visage en se regardant dans un miroir, se donnant une mine de complaisance et corrigeant certains de ses traits.

Les serviteurs

Les personnages secondaires permettent de recréer l’atmosphère d’une maison de marchand.

A gauche du tableau, une vieille femme regardant avec curiosité depuis la pièce voisine, parle avec un gardien tenant une bouteille de vin. Il vient apparemment de l’apporter d’un magasin de vin et les deux serviteurs semblent papoter au sujet du marié.

Devant eux, la cuisinière pose un plat fraîchement cuit sur la table en regardant ce qui se passe dans la pièce.

Le chat

Dans le coin inférieur droit du tableau, Pavel Fedotov représente un chat qui se nettoie : « Le chat lave les invités ».

Il y a un dicton associé à un chat qui se nettoie. Si l’animal se lave soigneusement, c’est pour les invités, et cela signifie que les invités viendront bientôt (les invités viendront au mariage).

Après avoir regardé ce tableau, nous nous demandons quel est le sort futur de la fille du marchand et du major : sont-ils heureux ? Comment la marchande se place-t-elle désormais dans la société, compte tenu de sa nouvelle relation avec un noble ? Il y a beaucoup de telles questions.

Dans les prochains articles, nous lirons et traduirons la Racea de Pavel Fedotov à propos de ses tableaux « Le matchmaking du major », puis nous comparerons le tableau original avec sa répétition.

J’espère que vous avez apprécié ce tableau autant que moi.

Poème au sujet du tableau “Fiançailles d’un Major” de Fedotov russe/français

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Discover the “Major’s matchmaking” by Pavel Andreevich Fedotov

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The Russian artist Pavel Andreevich Fedotov was awarded the honorary title of academician for his painting “The arrival of the groom (Major’s matchmaking)”, also known as “The Major’s Marriage proposal”.

This canvas is one of the remarkable works of Russian painting of the first half of the 19th century, and one of Fedotov’s greatest achievements.

Created in 1848 in a style of “comic realism”, it is a 58.3 × 75.4 cm oil on canvas describing the last moments of the preparation before the matchmaking, and is now situated in the State Tretyakov Gallery.

When the public first saw the picture, the success was overwhelming. The whole of St. Petersburg rolled with laughter, people came to the exhibition more than once to see the Major’s “Wooing” once again. What caused such a violent reaction and made the audience laugh so much?

The plot is based on an ordinary marriage of convenience between the daughter of a wealthy merchant and a ruined nobleman major. At that time, such transactions were commonplace: some sought to get money, while others sought to get titles in society.

History of the creation of the painting
Repetition of the painting
Painting Description

History of the creation of the painting

Pavel Fedotov (Павел Федотов) began work on the “Major’s Matchmaking” (Сватовство майора) in 1848. At the request of Karl Bryullov, he received 700 rubles from the Imperial Academy of Arts to be used on sitters , costumes and other materials.

While creating the painting “Major’s Matchmaking” Fedotov carried out a lot of preparatory work, and many sketches which he used to search for the composition of the scene, the images of the characters, as well as their poses and relative positions in the plane of the canvas.

Here are a few sketches for this painting:

Almost immediately before the release of the painting, Fedotov wrote his “Рацея” which is an explanation of the painting in verse, thanks to which one can understand in more detail this simulated role of each of the heroes of the canvas. Pavel read his “Рацея” at the exhibition of his painting, in 1849, where it had great success, making him very happy. His satire was even compared to Gogol’s and Ostrov’s.

Repetition of the painting

In 1852 Pavel Fedotov completed a repetition of the painting “Major’s Matchmaking”, alternatively titled “Bridesmaids in a Merchant’s House” in which the plot and composition have been preserved. This 56 X 76 cm oil on canvas is now in the State Russian Museum. The two paintings have significant differences and we’ll compare them in another article.

Description of the painting

As if watching through the window, we see a merchant family wishing to intermarry with a nobleman, but it turns out awkwardly.

Despite the fact that the arrival of the guest was expected, there is a commotion in the room. The scene resembles a theatrical production with a consistently developing action from the figure of the major to the daughter and mother who are the main characters of the work. With this compositional scheme, the author emphasized the insincerity and false brilliance of what is happening. The relationship of the characters can be traced in their gestures and postures. As a result, a certain dynamics is created in the direction from left to right.

The scene is being played in the antechamber, which is not in keeping with etiquette. It should have been done in the living room or dinning room instead.

The dining table is not covered with a white tablecloth, but pink, with sewing around the edges which would look more appropriate in an office or boudoir. We can see that the action probably took place on Wednesday or Friday, which are fast days, because there are only lean snack (herring, salmon, slightly salted caviar) on the table which is too small for so many snack.

A great attention is paid to details, and shows many of the characteristic features of merchant life. We can see that the room is filled with things demonstrating the desire of the owners to live “in the capital”. But if you look closely, it is a “wrong” combination of various objects that betrays patriarchal habits, and creates a comic effect.

In the left corner there is a table with a Psalter as well as icons with lamps on a shelf, obligatory in any house, but impossible in a nobleman’s antechamber. Aristocrats went to pray in the home chapel, or went to church and could have an icon in the bedroom, but wouldn’t in the antechamber.

The ceiling, from which a huge chandelier hangs , is painted with flower garlands, nymphs and cupids.

Paintings hang on the walls, but their plots hint that the owner does not know arts.

They include a lithograph with a view of the Nikolo-Ugresh monastery, portraits of the metropolitan, generals Kutuzov and Kulnev, as well as the owner of the house himself with a book in his hand, to emphasize his literacy .

Champagne in this house, obviously, is drunk infrequently and therefore they do not know how to serve it gracefully. They simply put a tray with a bottle of champagne and glasses on a chair.

The bride

Lighter than her mother’s, the bride’s dress helps to set her apart from the central group as the most important character.

Even though the bride wear a beautiful dress made of muslin and an immeasurable amount of gold jewelry (rings, necklaces, earrings, bracelets), at the last moment she tries to run away to another room, feeling naked in this new fashionable dress, which is made according to European fashion showing her shoulders.

The absurdity of the situation is emphasized by the fact that the outfit of the merchant’s daughter is intended for a ball or other evening event, and not for meeting the groom during the day, but the action, judging by the extinguished lamps, takes place during the day.

The mother

The bride’s mother is dressed in a mixed new French and Old Russian fashion. She has a fashionable European dress made of iridescent fabric of the ” chanzhan ” type but instead of the cap, she has a philistine-style scarf tied on her head, and there is no corset under the silk dress. A shawl is thrown over this dress.

As her daughter tries to run out of the room, she grabbes her by the hem of her dress to stop her. Her posture and facial expression betray an imperious and strong willed character and we can deduct that she is probably the one running everything in the house.

The father

Her father, a good-natured peasant with a bushy beard is in the shade in the corner of the room. He is trying to button up his newfangled frock coat with which he is not very familiar.

The matchmaker

To the left of the major is a simple matchmaker dressed in an nice red brocade and a dark skirt. A dark scarf with a small flower is tied around her head. Her clothing is another indication that the major is not a hereditary nobleman, otherwise he would have resorted to the services of a noblewoman matchmaker.

Having come with the major, she already entered the room, and is the link between the major, towards whom the movement of her hand is directed, and the merchant, to whom her gaze is turned.

The major

It is probable that the groom became a nobleman recently, having received the rank of a major. He clearly does not have refined manners, and we notice that he forgot to bring flowers to the bride and future mother-in-law.

To attracts our attention, the major, who is wearing an uniform with epaulettes , and carrying a saber, is standing in the doorway in backlight. At the same time his face is illuminated because he turns his head to the left. His legs are placed in the same way as the chair, slightly curved, his figure is taut, his eyes are slightly screwed up, and a victorious smile is hidden in his mustache.

He is straightening his mustache, and all his appearance is showing a businesslike attitude to a “deal”. It is probable that negotiations with the bride’s parents were held by the matchmaker in advance, and already knowing the answer, he is now thinking of all the benefits of his future marriage.

He does not yet see what is happening in the room where the main action takes place, and is waiting for an invitation to enter .

By the way, to create the figure of a major, Fedotov painted his own face, by looking in a mirror, giving himself a mine of some complacency and correcting his features in some ways.

The servants

Secondary characters help recreate the atmosphere of a merchant’s house.

On the left of the painting, an old woman who looked out with curiosity from the next room, speaks with a sitter holding a wine bottle. He apparently just brought it from a wine shop and the two servants seem to be gossiping about the groom.

In front of them, the cook puts a freshly baked on the table watching what is happening in the room.

The cat

On the lower right corner of the painting Pavel Fedotov depicted a cat cleaning itself: “The cat washes guests”.

There is a saying associated with a cat cleaning itself. If the animal washes thoroughly and tidies up: it’s for the guests, and it means that guests will come soon (guests will come to the wedding).

After looking at this painting we are left wondering the further fate of the daughter of the merchant and the major: are they happy? How does the merchant now place herself in society, given her new relationship with a nobleman? There are many such questions.

In the next articles, we’ll read and translate the Racea of Pavel Fedotov about his paintings “The major’s matchmaking”, then we’ll compare the original painting with its repetition.

I hope you enjoyed this painting as much as I did.

Poem about the painting “The Major’s Matchmaking” by Fedotov Russian/English

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History Of the State Tretyakov Gallery

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The State Tretyakov Gallery is a Moscow art museum which was founded in 1856 by Pavel Tretyakov. It was opened to the public in 1867 and transferred to Moscow in 1892. As of 2018, the exposition consisted of more than 180 000 items, including paintings, sculptures and items made out of precious metals created from the 11th to the 20th century.

After having created the Kostroma Linen Manufactory, which was quite a successful business, Pavel Mikhailovitch Tretyakov and his brother Sergei became interested in collecting paintings.

So, the gallery was founded in 1856, with the acquisition of “The Temptation” by Nikolai Schilder and “Skirmish with Finnish Smugglers” by Vasily Khudyakov, by Pavel Tretyuakov. He said:

For me, who truly and ardently love painting, there can be no better desire than to start a public, accessible repository of fine arts, bringing benefit to many, all pleasure. I would like to leave you the national gallery, that is, consisting of paintings by Russian artists

His brother Sergei was more interested in canvases of Western European masters widening the exhibitions.

Sketch of the Gallery’s façade in the “Russian style”. V.M.Vasnetsov

In 1867 the Moscow City Gallery of Pavel and Sergei Tretyakov which at the time contained 1276 paintings, 471 drawings, 10 sculpture by Russian artists and 84 paintings by foreign masters was opened to the public.

In 1859, after that the brothers purchased more than 140 works from the Turkestan series of paintings and sketches by Vasily Vereshchagin they ran out of places for the exposition. A two-story building adjacent to southern wall of the mansion and turned toward the Church of St Nicholas in Tolmachi was build. Its construction was headed by the architect Alexander Kaminsky . In 1874 the collection was moved there and the gallery opened to the public.

By the end of the 1880s, the gallery building was repeatedly completed due to the growing collection which already occupied 14 rooms and constantly surpassed its exposition possibilities.

In 1882, the exposition area was expanded again at the expense of the garden surrounding the house. Three new halls appeared downstairs and upstairs which were located at an angle to the old building of the Gallery, parallel to Maly Tolmachecsky Lane.

It was followed in 1885 by the apparition of three halls on the top floor and five in the bottom.

In 1892 the fourth extension was completed and two large and one small halls were added on the upper floor, and three small ones below. and, after the death of his brother Sergei, Pavel donated the gallery, which at the time contained more than 2000 works of painting, sculpture and graphics, to Moscow.

*Exposition of the City Art Gallery of P. M. and S. M. Tretyakov. 1898*

In may 1900, at a meeting of the Council of the gallery which included the artists V. M. Vasnetov, V. D. Polenov and a number of Moscow architects it was decided that the facade of the gallery should be built in the “Russian Style”. The work was entrusted to V. M. Vasnetsov and the construction of the new façade which became the emblem of the Tretyakov Gallery began in 1902 and ended in 1904.

On April 1913 Emmanuilovitch Grabar who was a prominent artist, architect and art historian was elected as a trustee of the Tretyakov Gallery. His reforms turned the Tretyakov Gallery into a Europeean-style museum with exposition built on a chronological basis and in december 1913, on the fifteenth anniversary of the death of the founder of the gallery, the reformed museum was opened to the public.

Автор: анонимный фотограф фототипии П. П. Павлова – Альбом зданий, принадлежащих Московскому городскому общественному управлению. — Москва: Фототипия П. П. Павлова, 191-. — Т. 1., Общественное достояние,

On June 1918 the Tretyakov Gallery was declared a State property of the Russian Federative Soviet Republic and became known as the State Tretyakov Gallery. Between 1918 and 1922, the gallery collection increased by almost 50% thanks to the numerous contributions from the State Museum Fund. But the drawback was that many exhibition halls were given over to storage for paintings.

A. V. Shchusev became the director of the gallery in 1926 and did a lot to expand the existing premises and build a new one. So in 1927, the Gallery received the former house of Sokolikov situated on Maly Tolomachevsky Lane. In 1928 after its restructuring, it was turned into a service building which housed the administration of the Gallery as well as a scientific department, a library, a department of manuscripts, and graphics funds. It was attached to the Gallery later with a special extension .

In 1928, the heating and ventilation was rebuilt and in 1929 the Gallery was finally electrified. Effectively before that time, the Gallery had been opened to visitors only during the daytime.

In 1929 the building of the Church of St Nicholas in Tolmachi closed and it was transferred to the Gallery in 1932. It became a storehouse for paintings until it was connected to the exposition halls by a newly built two story of which the top floor had been specially designed to display A. A. Ivanov’s painting “The Appearance of Christ to the People”. And a new passage between the halls was created to ensure the continuity of the view which resulted in an increased area of exposition and a new concept for the placement of works.

A. A. Ivanov’s painting “The Appearance of Christ to the People”

In 1936, according to the project of the architect A.V. Shchusev, a new two story building appeared on the north side of the main building. It included 4 spacious halls on each floor which were used for exhibitions and have been included in the main exhibition route since 1940.

On the night of August 11-12, 1941 two high-explosive bombs fell on the building as a result of a German air raid. The bombs destroyed the glass covering in several places of the roof and the interfloor ceiling of the upper hall N 6 and the lower one N 49 collapsed. The floors in the basement wardrobe were smashed, the main entrance was damaged and the heating and ventilation system failed.

A second bombing in the night of 12-13, 1941 destroyed a two story residential building next to the Gallery.

The restauration of the Gallery began in 1942 and by 1944 out of 52 halls, 40 had been renovated.

In May 1956, the 100th anniversary of the Gallery was celebrated and in 1955-1957, the A.A. Ivanov Hall was completed.

By the mid 1980 the need to expand again was felt because of the increased number of visitors.

In 1985 a depository was out in operation after 2 years of construction. And in 1986 the reconstruction of the main building of the Tretyakov Gallery began based on he idea of preserving the historical appearance of the building.

In 1989, on the south side of the main building a new building housing a conference hall, an information and computing center, a children’s studio and exhibition halls was built. Since most of the engineering systems and services were concentrated there it was called the Corps of Engineers.

The reconstruction lasted from 1985 to 1995 and included the museum ensemble of the church of St. Nicholas in Tomachi which is an architectural monument of the 17th century.

Автор: Ludvig14 – Собственная работа, CC BY-SA 3.0,

You can visit this beautiful Gallery Virtually:

Visit the Gallery

Sources: Здание в Лаврушинском переулке

Государственная Третьяковская галерея

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